Michael Nyman: ‘Michael Nyman’

El compositor británico Michael Nyman es uno de los grandes creadores de la llamada música minimalista. De él se reedita ahora ‘Michel Nyman’ (MN Records/Harmonaia Mundi), su primer disco con la Michael Nyman Band aparecido hace treinta años.

Desde un punto de vista hegeliano en este disco ya está todo el Michael Nyman que conocemos y que tan buenos momentos ha hecho pasar a los aficionados a la música contemporánea.

Música de inspiración barroca (Purcell, Biber, Mozart, Bach,...), con un concepto muy pop de la misma y con un sonido de muro, sólido, muy compacto, pero a la vez sútil e ingrávido, que envuelve al oyente de una manera que se podría calificar de ‘mágica’.

De los seis temas que componen este álbum tres (‘Bird Anthem’ y ‘Initial treat/Secondary treat’, ‘Bird list song’) pertenecen a bandas sonoras de películas de Peter Greenaway. Las tres obras restantes son trabajos para diferentes proyectos, como el extenso ‘M-Work’ creado para la ‘perfomance-escultura’ de Bruce McLean y Paul Richards, ‘Waltz’ creado para la Foster’s Social Orchestra, y la genial ‘In Re Don Giovanni’, escrita para su Campiello Band en 1977.


‘Michael Nyman’ es un disco que los múltiples seguidores del compositor deben hacerse con él y quienes no lo sean pero tengan los oídos abiertos también.

Autor: Michael Nyman
Título: ‘Michael Nyman’
Músicos: Michael Nyman (teclados), Rory Allam (clarinete, clarinete bajo), Alexander Balanescu (violín), Anne Barnard (corno francés), Ben Grove (guitarra, bajo), John Harle (saxo soprano), Nick Hayley (violín), Ian Mítchell (clarinete, clarinete bajo), Elisabeth Perry (violín, viola), Steve Saunders (trombón bajo, tuba), Roderíck Skeaping (violines), Keith Thompson (flautas), Dong Wootton (banjo, bajo). Artitas invitados: The Falling Songbirds, Evan Parker (saxo soprano), Peter Brotzmann (clarinete bajo, saxo tenor), Lucy Skeaping (voz)
Discográfica: MN Records
Distribuidora: Harmonaia Mundi
Año: 2012
Estilo: Música contemporánea
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Confrontaciones entre los pintores germánicos

El Museo Thyssen-Bornemisza presenta desde el 22 de mayo, en la sala mirador de la primera planta -con acceso directo desde el hall central y entrada libre-, la segunda serie de la entrega Miradas Cruzadas, bajo el título ‘Rostros y manos: pintura germánica antigua y moderna’.


La muestra propone una confrontación entre el Renacimiento germánico y el Expresionismo y la Nueva Objetividad que surgen en Alemania tras la Primera Guerra Mundial, con obras de Alberto Durero, Lucas Cranach el Joven, Otto Dix o Max Beckmann, entre otros artistas.

Esta iniciativa se enmarca dentro de las actividades puestas en marcha por el museo para celebrar el 20 aniversario de la creación del centro, que se conmemora este año.

El objetivo del ciclo es incentivar en los visitantes un juego de conexiones y divergencias entre obras de distintas épocas y estilos procedentes de las colecciones del propio museo.

Tanto en el Renacimiento como en el siglo XX los artistas de estos movimientos se interesaron por el hombre y su imagen, así como por su exaltación a través del arte.

Para estos ideales, el retrato era el vehículo perfecto, lo que contribuyó a su auge en ambas épocas. Además, el retrato es uno de los géneros pictóricos mejor representados en la colección permanente del museo.

Conexión en tiempo

Una mirada atenta a la selección de obras que se presenta en este nuevo montaje permitirá al espectador advertir la influencia de los maestros antiguos sobre artistas del siglo XX.

A pesar de la lejanía en el tiempo es posible observar su proximidad técnica y teórica en aspectos como la similitud en los esquemas de representación, el interés por el detalle y el realismo, así como la obsesión por retratar la personalidad y la psicología de los personajes a través de los rostros y de las manos.

Estas partes del cuerpo acaparan la atención, hasta ocupar a veces toda la superficie del cuadro. Así ocurre en 'Cristo entre los doctores', obra maestra de la colección, donde Durero intensifica el rostro y las manos rozando incluso lo grotesco.

También el rostro y la mano de Beckmann en su 'Autorretrato' o de 'Max Schmidt', en el retrato realizado por el austríaco Oskar Kokoschka, se convierten en el centro de las miradas y cobran un papel protagonista para representar la psicología de los personajes.



Pintura sobre tabla y veladuras

Otto Dix, figura clave de la Nueva Objetividad, refleja también en su obra una evidente influencia de la tradición pictórica germánica, recuperando la técnica de pintura sobre tabla o las veladuras de los maestros renacentistas.

La puesta en escena de sus cuadros, como vemos en Hugo Erfurth con perro, muestra igualmente un gran paralelismo con obras de maestros del Renacimiento, con la figura humana destacada sobre grandes cortinajes y fondos en diferentes gamas de azul. Así lo vemos, por ejemplo, en 'Retrato de Ruprecht Stüpf', de Barthel Beham (1528).


En definitiva, en la selección de retratos reunidos para esta, pequeña pero muy interesante, muestra temporal abundan los detalles y el realismo que permiten transmitir la psicología del retratado o resaltar elementos u objetos que nos hablan de su estatus social, su oficio o su personalidad.

Qué: 'Rostros y manos, pintura germánica antigua y moderna'
Cuándo: Del 22 de mayo al 2 de septiembre
Donde: Museo Thyssen-Bornemisza. Madrid
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Cormac McCarthy: ‘El Sunset Limited’

Un hombre negro está sentado frente a un hombre blanco en una habitación más bien pobre. Hablan. A ratos lo hacen tranquilamente, en otros momentos apasionadamente, sobre la muerte y la existencia o no de Dios. Así se puede resumir la última obra publicada en castellano del escritor norteamericano Cormac McCarthy que lleva por título ‘El Sunset Limited’ (Mondadori).

El blanco es un profesor decepcionado y resentido con su vida a la que no le encuentra sentido. El negro, un expresidiario que, pese haber sufrido durante la mayor parte de su vida, conserva la fe tanto en los hombres como en Dios. El negro, ambos personajes no tienen nombre, ha salvado al blanco de morir arrollado por un tren al que se había lanzado con intención de suicidarse.

Las referencias filosóficas, religiosas, políticas e incluso metafísicas recorren las páginas de esta pequeña obra que McCarthy construye de forma reflexiva, cruda y sin concesiones hacia el lector.

Con todo ello no es de extrañar que esta sea una obra que puede resultar complicada en su lectura para muchos lectores a pesar de su brevedad, pero que a la postre acaba dando un resultado gratificante.

‘El Sunset Limited’ es una obra de teatro escrita en 2006, y representa la segunda incursión en este terreno del esquivo (para la prensa) escritor tras ‘The Stonemason’, escrita en la década de los setenta y publicada en 1995.

Esta obra teatral fue adaptada de forma muy convincente en formato de película para televisión por el actor Tommy Lee Jones, que la dirigió y protagonizó junto a Samuel L. Jackson. La adaptación televisiva fue llevada a cabo por el propio Cormac McCarthy.

Doc J.

Editorial: Mondadori
Páginas: 96
Año: 2012
Traducción: Luis Murillo Fort
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Primera retrospectiva de Kirchner en España

La Fundación Mapfre en Madrid presenta desde el pasado 26 de mayo la primera muestra retrospectiva dedicada en España al artista alemán Ernst Ludwig Kirchner (Aschaffenburg, 1880 - Frauenkirch, Suiza, 1938), miembro fundador del grupo expresionista Die Brücke (El Puente) y uno de los nombres más importantes de la historia de la pintura.

La exposición cuenta con 130 obras de diferentes técnicas procedentes de 23 instituciones de todo el mundo.

El recorrido ofrece al público una visión completa de su vida y obra, desde sus inicios como estudiante de arquitectura en Dresde hasta su ‘nuevo estilo’ llevado a cabo en Davos, donde se trasladó tras sufrir una grave crisis nerviosa con el estallido de la Primera Guerra Mundial.

Autodidacta

Fundador y principal impulsor del grupo expresionista alemán Die Brücke (El Puente), Ernst Ludwig Kirchner comenzó a pintar de forma autodidacta al tiempo que estudiaba arquitectura en la Technische Hochschule de Dresde, en la que se diplomó en 1905.

En 1904 se trasladó temporalmente a Múnich, donde trabajó en el estudio de Wilhelm Debschitz y Hermann Obrist y conoció el grabado en madera a través de la obra de Durero.

En junio de 1905, de nuevo en Dresde, participó –junto a Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff– en la creación del grupo Die Brücke, de ideas revolucionarias y una intensa actividad en común.

Su interés por el arte primitivo se vio reflejado tanto en su obra como en los muebles y murales que fabricó para el estudio que compartía con Heckel en una antigua carnicería del barrio obrero de Friedrichstadt.

En octubre de 1911 se trasladó a Berlín, donde pintó sus obras más significativas y comenzó a tener un cierto éxito que le llevó a ser seleccionado para el Armory Show, exposición de arte europeo contemporáneo celebrada en Nueva York en 1913.

Fruto de sus contactos con los componentes del grupo expresionista de Múnich, los miembros de Die Brücke fueron incluidos en la exposición de Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) de 1912.

Deterioro de la salud

Su movilización en la Primera Guerra Mundial le causó un fuerte deterioro en su salud física y mental, que terminó con su inhabilitación en 1915 y su consiguiente traslado a Davos, donde vivió aislado el resto de su vida.

En las montañas de Suiza comenzó de nuevo a pintar y a escribir crítica de arte bajo el seudónimo de Louis de Marsalle.

Tras la llegada al poder de los nazis en Alemania y la confiscación y destrucción de sus obras, Kirchner sufrió una recaída de su estado depresivo y se suicidó en junio de 1938.

Su obra mantuvo siempre la simplificación formal expresionista y el uso arbitrario del color.

Como los demás pintores de Die Brücke, evolucionó desde un primer momento de influencia de Van Gogh a un estilo más sintético y bidimensional, de pinceladas gruesas, y una mayor autonomía del color.

Su temática estuvo en un principio dedicada al paisaje, con o sin figuras, y al desnudo, y más tarde se centró en el ajetreo de las calles berlinesas de las que, entre 1912 y 1914, pintó unas memorables escenas.

En Suiza volvió la pintura de paisaje de un creciente misticismo.


Qué: Ernst Ludwig Kirchner
Cuándo: Del 26 de mayo al 2 de septiembre de 2012
Donde: Fundación Mapfre. Madrid
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Rosemarie Trockel en el Reina Sofía

El Museo Reina Sofía presenta con ‘Rosemarie Trockel: un cosmos’, el universo creativo de la artista alemana Rosemarie Trockel (Schwerte, 1952). En esta muesta se exhibe un conjunto de piezas de autores, épocas, técnicas artísticas y temáticas heterogéneos, que dan cuenta del ideario y afinidades estéticas de esta artista, considerada una de las más importantes de su generación.

La exposición contribuye de manera decisiva al conocimiento y compresión de su imaginario, pues se trata de la primera vez en toda su larga trayectoria que realiza esta confrontación de objetos de tan diversa índole junto a su obra.

La muestra reúne ciento veinte piezas, de las que más de la mitad pertenecen a la artista alemana. De ella se exponen sobre todo objetos de cerámica vidriada de reciente producción (realizados entre 2006 y 2012), algunos de los cuales se ven por primera vez.

Hay asimismo una importante representación de sus característicos cuadros tejidos y piezas confeccionadas en lana (1986-2012), además de sus ‘books drafts’ o cuadernos de notas y otras clases de documentos que le han sido de utilidad durante toda su carrera artística (desde 1971 hasta la década de los 2000).

Rehuir del academicismo

Durante más de treinta años Trockel ha rehuido todo academicismo. Su obra abarca un conjunto de formas extraordinariamente diversas, como películas y vídeos, instalaciones con animales, proyectos para niños, cuadros tejidos, cerámicas, dibujos, collages y numerosas esculturas con un sinfín de materiales.

En sus diversas actividades se observan ciertas cuestiones recurrentes que apuntalan su pensamiento, como distintas concepciones del feminismo o supuestos antagonismos entre el aficionado y el profesional, la fama y el anonimato, o las bellas artes y las artes aplicadas.

Rosemarie Trockel: Stell Dir vor/Imagine (aus Manus Spleen), 2002. Materiales diversos.

Más en general, sus obras exploran las interrelaciones entre los humanos y los animales, así como el impacto de nuestra especie en el mundo natural.

Qué: Rosemarie Trockel: un cosmos
Cuándo: Del 22 de mayo al 24 de septiembre
Donde: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid
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Miguel Angel Chastang: ‘The real thing. From Harlem to Madrid Vol 4’

Con ‘The real thing’ el contrabajista madrileño Miguel Angel Chastang, uno de los músicos sobre los que se construyó el devenir del jazz español, entrega la cuarta parte de su proyecto ‘From Harlem to Madrid’, lo que no deja de ser un hito en el empobrecido panorama jazzístico español.

Como es conocido el propósito de esta serie de discos es trazar un puente entre el jazz de Harlem, lugar donde vivió y estudió Chastang, y Madrid, la ciudad donde nació y donde vive. Una de las características del proyecto es que siempre cuenta con un músico invitado del barrio. Así, el primero fue el pianista Larry Willis, el segundo el trombonista Frank Lacy y el tercero el baterista Greg Bandy. En esta ocasión el invitado es un músico muy joven, el baterista Chris Beck, que el contrabajista descubrió en una serie de sesiones de trabajo conjuntas y que es una de las nuevas revelaciones del jazz que se hace en Nueva York.

El repertorio seleccionado para esta ocasión es una mezcla de temas antiguos compuestos por Miguel Angel Chastang y versiones de temas de algunos de los músicos preferidos por el líder de la formación. De esta manera el contrabajista recupera piezas como ‘Jean Luc’s mood’, ‘En el Central’ y ‘The real thing’, mientras que las composiciones ajenas son un ‘Black eyes’, una obra de Wayne Shorter poco conocida, ‘Law years’ de Ornette Coleman, una balada de toda la vida como es ‘My one and only love’ y por último ‘Firm roots’ que lleva la firma de Cedar Walton.

‘The real thing’ es un disco muy agradable y fácil de escuchar, con un jazz que se sitúa, en su conjunto, en lo mejor del moderno post-hardbop y que está lleno de buenas fusiones, tanto personales como musicales y geográficas. Sólo la presencia del ‘Law years’ rompe con la unidad y coherencia del disco y sus ocho minutos de duración se podían haber evitado. Y es que el free puede acabar con la paciencia del más tranquilo de los oyentes.

Ahora sólo cabe esperar que este ambicioso y sugestivo proyecto siga teniendo continuidad.

Autor: Varios
Título: Album
Músicos: Miguel Angel Chastang (contrabajo), Ariel Brínguez (saxos soprano y tenor), Albert Bover (piano), Chris Beck (batería), Jorge Vistel (trompeta)
Discográfica: Karonte
Distribuidora: Karonte
Año: 2012
Estilo: Jazz moderno
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El Museo del Prado exhibirá el ‘Retablo de los Ángeles’

Gracias a un acuerdo con su actual propietario, el Duque del Infantado, Íñigo de Arteaga y Marín, el Museo del Prado expondrá en sus salas durante diez años el excepcional ‘Altar de los Gozos de Santa María’, conocido también como ‘El altar de los ángeles’.

‘Retablo de los Gozos de Santa María’ de Jorge Inglés. Museo del Prado. Óleo sobre tabla, 497 x 463 cm.

Este depósito ofrece al visitante la oportunidad de contemplar una pieza capital dentro de la pintura hispanoflamenca castellana, no sólo por ser la primera obra documentada de autor conocido que se conserva, sino también por la importancia de los retratos de los marqueses de Santillana en la composición y la incorporación de la obra literaria los Gozos de Santa María al conjunto.

Jorge Inglés fue el artista encargado de realizar esta obra, que fue mandada realizar por el primer marqués de Santillana para la capilla del Hospital de Buitrago, en Madrid. Su autor se muestra conocedor del arte flamenco en los retratos de los marqueses, don Íñigo López de Mendoza y doña Catalina Suárez de Figueroa, que remiten a los donantes de las obras de Roger van der Weyden (h. 1399-1464).

Los comitentes

Catalina Suárez de Figueroa
Íñigo López de Mendoza
Sobre la predela con los cuatro padres de la Iglesia, don Íñigo y doña Catalina, acompañados por un escudero y una doncella, están arrodillados ante una talla de la Virgen. En el cuerpo superior están representados doce ángeles con pergaminos con los textos de los Gozos a la Virgen María escritos por el marqués, prueba de su devoción a ella. Tras siglos colocado en la iglesia del hospital de Buitrago, los duques del Infantado, herederos del marqués de Santillana y patronos del hospital, lo trasladaron a otras dependencias de su propiedad.

El retablo conserva parte de la estructura y tracería originales y todas las pinturas realizadas por Jorge Inglés.

El retablo ha pasado por el taller de restauración para poder exhibirse ante el público en la sala 57 del edificio Villanueva, que se dedica, a partir de ahora, a los retratos españoles y flamencos de la nobleza y la burguesía (1450-1570).

Jorge Inglés

A excepción del documento que le vincula con el marqués de Santillana, poco se sabe de Jorge Inglés, que une su condición de pintor a la de miniaturista. Se ha especulado sobre su origen inglés o el de su familia, al ser el suyo un apellido de origen, pero, por el momento, no se ha podido saber nada ni sobre donde nació ni sobre donde se formó. Por tal razón, el punto de partida para definir su estilo y atribuirle otras obras es este altar de los ángeles, propiedad del duque del Infantado.
Los doce ángeles con pergaminos con los textos de los Gozos a la Virgen María

A juzgar por este retablo y por las otras obras que se le han adscrito, sobre todo El retablo de san Jerónimo, mandado hacer por don Alonso de Fonseca, obispo de Ávila desde 1469 a 1485, para el monasterio Jerónimo de la Mejorada, en Olmedo (Valladolid), lo más probable es que Jorge Inglés se formara en el estilo internacional o con un maestro de transición y que accediera después a los modelos flamencos, como lo atestiguan los retratos del marqués de Santillana y de su mujer, que remiten a los donantes realizados por Weyden, sin duda a través de intermediarios (a ello ayuda el que don Íñigo vaya vestido a la moda borgoñona).

Aunque la tipología de estos retratos, el realismo de las figuras y la forma de los plegados remiten a la pintura flamenca, las obras que se adscriben a Jorge Inglés no denuncian un contacto directo con un pintor flamenco en concreto. Más aún, a juzgar por los tipos humanos que utiliza –repetidos de forma sistemática-, denuncia una tendencia expresiva ajena a los Países Bajos y más característica del mundo germánico y también del inglés, que tal vez le sea propia y responda a ese hipotético origen inglés, sugerido por su apellido.
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Ron Carter: ‘Ron Carter's Great Big Band’


Después de décadas tocando con los más grandes, después de haberse convertido en una leyenda del contrabajo, a Ron Carter le falta por hacer una cosa en su larga y fructífera carrera; grabar con una big band como líder de la misma. Y ya lo ha hecho con este ‘Ron Carter's Great Big Band’ (Sunnyside/Karonte).

Salvo por un par de temas firmados por Carter, las otras once canciones que componen el disco son un recorrido por la historia del jazz. En ‘Ron Carter's Great Big Band’ hay lugar para el recuerdo a la gran época de las big bands con el mítico ‘Caravan’ de Duke Ellington, para el hard bop con ‘The Eternal Triangle’ de Sonny Stitt, para el latin jazz con el clásico de Dizzy Gillespie ‘Con alma’, para el soul jazz con el ‘Sweet Emma’ de Nat Adderley y para la mirada a los inicios de todo esto con la versión de ‘Sant Louis Blues’ de W.C. Andy. Mayor diversidad no se puede pedir.

Ron Carter se ha rodeado para este debut de un grupo muy profesional y experimentado, donde sobresale la presencia del pianista Mulgrew Miller y la del baterista Lewis Nash, dos músicos que conocen muy bien al contrabajista, pues no en vano llevan tocando juntos ya el tiempo suficiente.



No podía haber sido mejor el debut de Ron Carter en su primera incursión como líder al frente de una big band.

Autor: Ron Carter
Título: ‘Ron Carter's Great Big Band’
Músicos: Ron Carter (contrabajo), Jerry Dodgion (saxo alto, soprano), Steve Wilson (saxo alto),
Wayne Escoffery (saxo tenor), Scott Robinson (saxo tenor), Jay Brandford (saxo baritono), Charles Pillow (corno inglés),Jason Jackson (trombón), Steve Davis (trombón), James Burton III (trombón), Douglas Purviance (trombón, bajo), Tony Kadleck (trompeta, fliscorno), Greg Gisbert (trompeta, fliscorno), Jon Owens (trompeta, fliscorno), Alex Norris (trompeta, fliscorno), Mulgrew Miller (piano), Lewis Nash (batería), Robert M. Freedman (director)
Discográfica: Sunnyside
Distribuidora: Karonte
Año: 2011
Estilo: Hard bop, latin jazz, big bands
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La Chiva Gantiva: ‘Pelao’

La Chiva Gantiva es un grupo multicultural y multiracial radicado en Bruselas que debuta con este fantástico y aplastante ‘Pelao’ (Crammed Discs/Karonte). Un puro desborde de energía. Si pueden, y ya que están avisados, no se los pierdan.

Por partes. El nombre. Para entenderlo hay que saber que bajo la denominación de ‘la chiva’ se conoce en Colombia los autobuses populares que recorren los caminos más difíciles en Colombia. La chiva no tiene límites de asiento y admite cualquier ser vivo, bulto o caja en su interior y exterior. ‘Gantiva’ es el apellido de la percusionista Natalia Gantiva, que un día gritó en un concierto: "Somos La Chiva Gantiva, el grupo de Natalia". Y así se quedó.

La música. Una descarga de energía, fuerza y vitalidad donde se dan la mano los ritmos folclóricos colombianos, tanto caribeños como la de los llanos orientales del país, emulsionadas con el ska, el funk y el rock. El resultado final no puede se más electrizante y atractivo.


El grupo. Fue fundado en 2005 por unos colombianos radicados en Bélgica, al cantante Rafael Espinel y al guitarrista Felipe Deckers, que proponían una apropiación de los ritmos folcloricos colombianos con músicas de otras latitudes sonoras. A partir de esta base creativa se unieron a la banda músicos de diversas procedencias tanto musicales como geográficas; un vietnamita, dos belgas (uno valón y otro flamenco) y un francés.

Sin duda este ‘Pelao’, donde se escucha una música sin puertas ni ventanas, bien merece figurar entre lo más destacado de este 2012.

Autor: Varios
Título: Album
Músicos: Rafael Espinel (cantante), Felipe Deckers (guitarra), Seppe Van Hulle (bajo), Tuan N'guyen (saxo), Florian Doucet (clarinete), Martin Méreau (trompeta), Natalia Gantiva (percusión)
Discográfica: Crammed Discs
Distribuidora: Karonte
Año: 2011
Estilo: World music
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