Looking for Ars Mundi

Alberto Barrera Tyszka: Rating

2012-02-02T10:33:00.002+01:00

La nueva y entretenida novela del escritor venezolano Alberto Barrera Tyszka, que lleva por título Rating (Anagrama), se pasea por la frustración de un guionista descreído, un estudiante de literatura que quiere ser poeta y un vicepresidente de Proyectos Especiales de una cadena de televisión que pasa por una crisis de audiencia. Entre los tres, con distintos grados de implicación e interés, intentan desarrollar un reality show donde los indigentes son los protagonistas.

Esta novela fusiona la voz de Manuel Izquierdo, un guionista en plena crisis, tanto profesional, está ya cansado de escribir culebrones televisivos. como existencial, de los cincuenta; la de Pablo Manzanares, un joven estudiante de literatura que está descubriendo el mundo y ha conseguido, gracias a los contactos de su madre, un trabajo de asistente a un gerente del canal y la de Rafael Quevedo, un vicepresidente y productor de televisión venido a menos.

A partir de la narración de estos personajes, sobre todo de los dos primeros, Barrera Tyszka construye una única historia que ofrece, tanto una mirada crítica sobre el mundo de la televisión y su capacidad para transformar la tragedia social de un país en rating, como una teoría sociológica y televisiva de los culebrones y su impacto en la cultura latinoamericana. Porque el autor se gana la vida, justamente, escribiendo culebrones, esta segunda parte resulta muy interesante por las interesantes perspectivas que plantea.

Hay otra lectura en esta novela, que se puede plantear en la pregunta, ¿cuales son los límites de la ambigüedad moral? Esta cuestión se plantea en una doble vertiente; por un lado, en la figura del joven Pablo Manzanares, donde asistiremos a su deslizamiento desde el idealismo negacionista de la televisión al puro cinismo del medio. Por otro, surge la cuestión de ¿hasta dónde somos capaces de llegar para conseguir, en este caso, un éxito de audiencia?. De manera más general; ¿qué son capaces de hacer los ciudadanos por conseguir el éxito, por dominar las reglas del mercado?. Que cada uno se dé la respuesta que crea oportuna (y sin engañarse).

Editorial: Anagrama
Páginas: 264
Año: 2011

La otra Gioconda

2012-02-02T10:23:00.003+01:00

Los conservadores del Museo Nacional del Prado han identificado con un elevado grado de certeza una réplica de La Gioconda de Leonardo da Vinci que podría haber sido pintada por uno de sus pupilos favoritos, probablemente Andrea Salai o Francesco Melzi.

La limpieza de la tela, que llegó a la Colección Real del Alcázar en 1666, ha permitido descubrir que el retrato fue ejecutado en el mismo taller de Leonardo, en la misma época en la que el artista italiano trabajó en el original,

Los expertos del Prado han empleado varios meses en estudiar, limpiar y quitar el oscuro barniz que cubría la tabla (trabajos que todavía continúan), hasta ahora considerada una copia realizada por un maestro flamenco del retrato más famoso del mundo.

El estado de conservación de la pintura es, incluso, mejor que el de la Mona Lisa, y estaba siendo restaurada con motivo de la exposición que el Louvre abrirá entre el 29 de marzo y el 25 de junio sobre la Santa Ana de Leonardo. Así, está previsto que viajará al museo parisino para formar parte de la muestra y será exhibida junto a la Gioconda.

El discípulo de Leonardo habría ejecutado la réplica a medida que el maestro toscano iba pintando el original en su estudio de Florencia y hasta es muy posible que el asistente de Leonardo conociera a la modelo. Diversos estudios fotográficos y radiológicos efectuados sobre el cuadro arrojan resultados que, muy probablemente, cambiarán nuestra forma de apreciar y comprender los secretos del retrato de Lisa Gherardini, la esposa del comerciante florentino Francesco del Giocondo.

El autor, aunque no se ha confirmado, podría ser Andrea Salai, que originalmente se unió al estudio de Leonardo en 1490 o Francesco Melzi, quien se unió al maestro alrededor de 1506.

El tamaño del original y la réplica es prácticamente el mismo: 77 X 53 cm para el primero y 76 X 57 para la segunda.

Luis Gordillo, Premio Nacional de Arte Gráfico

2012-02-02T10:17:00.001+01:00

Luis Gordillo ha obtenido el Premio Nacional de Arte Gráfico 2012, un galardón instituido en 1993 con el objetivo de reconocer la labor de los creadores que se dedican al grabado y técnicas afines, impulsar su práctica y estimular el coleccionismo.

Como refleja el acta del Jurado, que ha significado el compromiso social de la obra de Gordillo, se premia por unanimidad “la trayectoria desarrollada a través de una obra gráfica en la que ha sugerido una reflexión continua en este medio específico, dando ideas incluso a su propia pintura y alimentando su discurso plástico a la vez que ampliando los límites del arte gráfico”.

Luis Gordillo -Premio Nacional de Artes Plásticas (1981)- se ha convertido en una de las figuras más singulares de la escena creativa española de la segunda mitad del siglo XX, marcando un estilo propio que, de un modo u otro, ha influido en el trabajo de muchos de los artistas pertenecientes a generaciones posteriores.

Su trayectoria, siempre marcada por la experimentación continua así como por el cambio de registros en su producción, ha sido enmarcada dentro de la abstracción, una definición que encorseta un trabajo que va más allá, en un afán de descubrimiento de nuevos horizontes plásticos.

Considerado como uno de los artistas españoles que mejor ha interpretado el arte pop en los sesenta, ha explorado la importancia de la serie y la repetición como herramienta compositiva.

Pat Metheny: What's It All About

2012-02-01T10:40:00.002+01:00

El guitarrisa Pat Metheny regresa con un nuevo disco en solitario; What's It All About (Nonesuch Record/Warner), grabado en una noche en el estudio de su casa, y donde interpreta una serie de canciones del pop que le marcaron en su juventud.

El guitarrista Pat Metheny es probablemente el músico de jazz más destacado de las dos últimas décadas. Esta afirmación esta basada en hechos y no sólo en la pasión de un fan. A la largo de su carrera Metheny a demostrado ser un hombre no dogmático, abierto a todas y cada una de la influencias del jazz; ha tocado tanto free como jazz rock y todo ello sin olvidar el jazz más ortodoxo.

Los dos últimos disco del guitarrista de Misouri están enfocados a desarrollar su faceta como solista: si en Orchestrion, lo que se buscaba era la unión de un solo músico con un gran número de instrumentos a través de la tecnología para dar como resultado un disco vital y un punto circense; en este What's It All About, lo que prima es el trabajo directo, la quietud y la introspección. Un hombre sólo con su guitarra y un puñado de canciones que le marcaron en la primera pare de su vida. Este disco es la continuación natural de One Quiet Night (2003), donde el proyecto era prácticamente idéntico a este, sólo que con composiciones propias.

En este disco, y por primera vez en su ya larga carrera con más de 40 trabajos a su nombre, Pat Metheny no ha compuesto ninguno de los diez temas que componen el álbum. Todo son versiones de éxitos, más o menos destacados, del pop y el rock de la década de los sesenta. Al final este trabajo no deja de ser una mirada al pasado para recordar de donde viene uno, y es que como del guitarrista ha indicado en más de una ocasión, estas con canciones que tienen un significado muy personal para él.

Entre las diez canciones seleccionadas se encuentran temas como The Sound of Silence de Paul Simon; Alfie de Burt Bacharach y Hal David popularizada por Cher; Pipeline del grupo de surf rok The Chantays; Garota de Ipanema de Jobim y Moraes; That's the Way I've Always Heard It Should Be de Carly Simon; y And I Love Her de Lennon y McCartney.

Las canciones de What’s It All About se grabaron por la noche en su estudio casero de Nueva York y durante un breve periodo de tiempo. Casi todo el disco se grabó con la guitarra acústica barítono, exceptuando tres canciones: The Sound of Silence que la toca con la guitarra ‘Pikasso’, de 42 cuerdas, Pipeline, que la interpreta con una guitarra de seis cuerdas y And I Love Her que está tocada con una guitarra de cuerdas de nylon.

Con todo lo dicho este disco sólo puede se un álbum lleno de ternura y en modo alguno ñoño, pues en todas las canciones se nota la capacidad de Metheny para (re)crear y llevar a su terreno canciones como estas, llenas de buenas melodías y armonías. Si hay que destacar alguna merece la pena detenerse en The Sound of Silence y And I Love Her, por la belleza intrínseca de esas canciones inolvidable; en Pipeline, con ese punto de flamenco que tiene, y en Garota de Ipanema, donde le da completamente la vuelta a a la canción sin dejar de ser ella misma. Y es que esto es puro jazz.

Músicos: Pat Metheny (guitarra baritono, guitarra Pikasso de 42 cuerdas, guitarra de seis cuerdas, guitarra de cuerdas de nylon)
Discográfica: Nonesuch Records
Distribuidora: Warner
Año: 2011
Estilo: Jazz moderno

Cincuenta y ocho galerías se dan cita en ArtMadrid 2012

2012-01-30T11:45:00.001+01:00

En la que será su séptima cita y como apuesta consolidada dentro del panorama del arte contemporáneo, Art Madrid 2012 abrirá sus puertas el próximo 16 de febrero hasta el domingo 19. El Pabellón de Cristal de la Casa de Campo albergará a las 58 galerías participantes divididas entre el programa general, el programa Young Art, y las novedades One Project y Art Edition. Un total de 77 espacios expositivos distribuidos en 8.000 m2.

Art Madrid 2012 es la feria de arte que cuenta con mayor presencia nacional de las que se celebran en esas fechas en Madrid. Treinta y seis han sido las galerías seleccionadas dentro del programa general que representa las vanguardias históricas, el arte moderno y el arte contemporáneo.

En su apuesta por fomentar y consolidar dentro de la Feria el arte joven, este año continúa el espacio Young Art un programa formado por galerías con menos de cinco años que presentan obras de artistas jóvenes, y galerías de más de cinco años que presentan la obra de un sólo artista menor de 40 años, cuyas obras hayan sido realizadas en los dos últimos años.

Este año como novedad se han sumado dos nuevas iniciativas que vienen a revitalizar la Feria. One Project vuelve a poner el acento en el arte joven, en lo más nuevo y radical, así como la presencia de nuevos medios y soportes no convencionales. Este programa está formado por galerías que participan con un proyecto específico de un artista menor de 45 años, dispuestos en stands de 10 m2 y en un espacio diferenciado dentro del Pabellón de Cristal

Asimismo Art Madrid 2012 presenta su nueva iniciativa Art Edition destinada a galerías y editoras de arte contemporáneo que trabajan y presentan obra gráfica original, así como ediciones de arte contemporáneo de cualquier nacionalidad, editoras y publicaciones.

Giandomenico Tiepolo, retratos de fantasía

2012-01-30T11:43:00.001+01:00

Con el propósito de ofrecer, junto a las grandes exposiciones, otras muestras de formato más reducido pero de gran calidad, la Fundación Juan March presentará a partir del próximo miércoles, 1 de febrero, una exposición que incluirá diez óleos nunca expuestos antes del pintor veneciano Giovanni Domenico Tiepolo, hijo al igual que Lorenzo, de Giambattista Tiepolo, el patriarca de la saga familiar, y que se desplazó a Madrid en 1762 con el cometido de decorar el Palacio Real.

Procedentes todos ellos de una colección particular, se trata de pinturas concebidas con toda probabilidad –por su unidad estilística, su idéntico tamaño y la similitud de atrezzo y actitudes de sus protagonistas– como una serie. Son diez cabezas, dos de las cuales corresponden a hombres de aspecto oriental, maduros y barbados; las ocho restantes a mujeres jóvenes y hermosas. Todas pueden fecharse en torno a 1768, durante la etapa española del artista.

En sentido estricto, no pueden ser considerados como verdaderos y propios retratos. Sus personajes representan no a personas concretas, sino más bien a tipos genéricos, mostrando rasgos y atributos característicos de un determinado grupo social, económico o intelectual. Ambos tipos pertenecen a un género con una fecunda y larga tradición en Venecia, un género que recrea un mundo de fantasía que hunde sus raíces en el siglo XVII y cuyo maestro por antonomasia fue Rembrandt.

Qué: Giandomenico Tiepolo (1727-1804). Diez retratos de fantasía
Cuándo: Del 1 de febrero al 4 de marzo de 2012
Donde: : Fundación Juan March. Madrid

El MACBA recuerda al Centre Internacional de Fotografia

2012-01-30T11:37:00.003+01:00

El Centre Internacional de Fotografia de Barcelona (CIFB), institución pionera que ejerció entre 1978 y 1983 una gran labor y cuyo promotor fue Albert Guspi, se dedicó a la docencia, la divulgación y la producción de la fotografía. A medio camino entre un cineclub, una escuela, una sala de arte y un foro de debate, fue una pieza clave en el debate cultural del momento en la Ciudad Condal.

Ahora, el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) recupera, gracias a un trabajo de investigación, un momento decisivo en la historia de nuestro país, el de la Transición, así como en el ámbito internacional, pues fue entonces cuando la fotografía se introdujo en el mercado artístico de un modo sin precedentes.

La exposición que ofrece el MACBA a partir de hoy viernes, 27 de enero, reúne más de 600 fotografías, entre ellas 220 copias de época y casi 400 diapositivas. Estas últimas se presentan proyectadas sobre la pared, tal como se mostraron en el Centro, emulando sobre el espacio expositivo actual la práctica habitual del CIFB.

También se muestra material documental inédito, como carteles, revistas y publicaciones. Estos documentos estarán a disposición de los investigadores y el público una vez finalice la exposición en el Centro de Estudios y Documentación del MACBA. Asimismo, el Museo publica un libro que reúne fotografías y material de la época, así como entrevistas actuales con varios de los fotógrafos que participaron en el CIFB.

La muestra incluye trabajos sobre los barrios populares de Barcelona y sus habitantes (el Barrio Chino, La Perona…) y el antiguo hospital mental de la Santa Creu, así como sobre espectáculos populares y prácticas carnavalescas que visibilizan la importancia clave de las subculturas (en particular la gay y transexual) y sus formas de resistencia en la emergencia de nuevos comportamientos sociales durante la Transición.

La exposición incluye fotografías de 22 autores: Enric Aguilera, Miquel Arnal, Jesús Atienza, Anna Boyé, Lluís Casals, Pep Cunties, Manel Esclusa, Grupo Extra (Sergi Capellas, Jordi Garcia y Xavier Roselló), Ferran Freixa, Manolo Laguillo, Esteve Lucerón, Xavier Martí, Eduard Olivella, Lucho Poirot, Jordi Pol, Humberto Rivas, Jordi Sarrà, Eduardo Subias, Josep Tobella y Mariano Zuzunaga.

Qué: Centre Internacional de Fotografia de Barcelona
Cuándo: Del 27 de enero de 2012 al 20 de mayo de 2012
Donde: . MACBA. Barcelona

Lila Downs: Pecados y milagros

2012-01-27T11:22:00.002+01:00

Gracias a una trayectoria seria y rigurosa, de reivindicación de la tradición de la música popular para modernizarla, la cantante Lila Downs se ha convertido en la referencia de la mejor música mexicana y con su nuevo disco, Pecados y Milagros (Sony Music), el septimo grabado en estudio, lo confirma. Un disco que cuanto más se oye más gusta.

La nueva travesía creativa de Lila Downs, presenta una gama de sonidos que van de la cumbia a la bachata y las canciones rancheras, con un contenido lírico basado en la tradición religiosa de los exvotos mexicanos: ilustraciones en láminas de hojalata que se ofrendan a los santos en recuerdo y agradecimiento por un bien recibido.

El disco contiene catorce canciones, de las cuales seis son de autoría de la propia artista y el resto temas de José Alfredo Jiménez (Vamonos), Marco Antonio Solís (Tu cárcel) y Tomás Mendez (Cucurrucucú paloma). Para este trabajo la cantante oaxaqueña ha contado con las colaboraciones de músicos latinoamericanos de diversos países; y de esta manera están el mejicano Celso Piña, la colombiana Totó la Momposina y los argentinos Illya Kuryaki & The Valderramas (IKV), que aportan nuevos colores a la música de Lila Downs.

Como es habitual en la música de esta admirable cantante, poseedora de una voz llena de recursos que le permite afrontar los diversos géneros que canta con gran seguridad y aplomo, sus composiciones, creadas al alimón con el guitarrista Paul Cohen, su productor y esposo, tratan temas relacionados con la política y la justicia social. Así, Zapata se queda es una cumbia en la que reivindica los ideales del líder revolucionario mejicano; La Reina del Inframundo es una canción donde el protagonista relata su historia de una vida de violencia tras su muerte; Solamente un Día, trata sobre aquellos que caen y se levantan para seguir luchando por sus ideales.

Pecados y milagros es un jalón más en una carrera envidiable que hacen de Lila Downs una de las cantantes más sugestivas de esto que se ha venido en llamar ‘world music’. No dejen de escuchar sus versiones de Vamonos, Cucurrucucú paloma y Cruz de olvido; y es que hay que ser muy insensible para no emocionarse con ellas.

A la par del lanzamiento de Pecados y Milagros en México, Lila Downs inauguró la exposición homónima en el Museo Nacional de Arte mexicano (MUNAL), que presenta los quince retablos/pinturas que se incluyen en el arte del disco, realizados por reconocidos artistas mexicanos entre los que se cuentan Marco Arce, Daniel Guzmán, Demián Flores, Dr. Lakra, Betsabeé Romero y Alfredo Vilchis, entre otros.

Músicos: Lila Downs (voz); Paul Cohen (guitarra); Totó la Momposina (voz); Illya Kuryaki & The Valderramas (voz); Celso Duarte (arpa); Yayo Serka (batería); Paty Piñon (percusión); Leo Soqui (acordeón); Giovanni Buzzurro (bajo);...
Discográfica: Sony Music
Distribuidora: Sony Music
Año: 2011
Estilo: World music

Curro Piñana: Antología del Cante Minero

2012-01-27T11:20:00.002+01:00

El disco doble Antología del Cante Minero (Maisond des Cultures du Monde/Karonte) es el último trabajo discográfico del cantaor Curro Piñana (Francisco Javier Piñana Conesa. Cartagena, 1974), un álbum que no sólo es una recuperación histórica, sino que quiere plasmar la modernidad de un lenguaje y una música del siglo XXI.

Un disco de estas características sólo lo podía llevar a cabo alguien que hubiese vivido este cante desde dentro, y en este sentido Curro Piñana era el más idóneo para sacarle adelante, tanto por su formación académica como profesional. El cantaor cartagenero perteneciente a una de las familias con más solera dentro del panorama flamenco actual; su abuelo fue Antonio Piñana, todo un maestro en el cante minero; su padre es el guitarrista Antonio Piñana y su hermano es el guitarrista carlos Piñana.

Esta antología que recoge veintiocho canciones le sirve al cantaror para un doble fin; por un lado, para recuperar todo ese repertorio estilístico minero que grabó su abuelo en los años sesenta con distintas compañías discográficas. Por otro, para rescatar cantes que nunca se habían grabado y que no quería que cayeran en el olvido, como podría ser la sanantonera. Bajo el nombre de “cante de las minas” se agrupa una serie de estilos que reúnen unas características comunes, en cuanto a origen, contenido (la explotación del hombre por el hombre, la muerte en la mina o la pérdida de un hermano o de un hijo), musicalidad, expresión y ambientación, en el que se encuadran estilos como la taranta, la cartagenera, la minera, y el taranto.

En este disco hay que destacar la participación de algunos de los guitarristas más importantes del actual panorama flamenco. Fue el mismo Curro Piñana quien seleccionó a los músicos que lo acompañan; primero a su padre, Antonio Piñana, después su hermano Carlos ya continuación a Victor Monge Serranito, Pedro Sierra, Juan Manuel Cañizares, Juan Ramón Caro, Tano Moreno y Francisco Tornero.

El proyecto ha sido galardonado con el premio al mejor disco del 2011 por el Festival Internacional del Cante de las Minas y se ha convertido en una verdadera joya discográfica, donde la herencia, la tradición y la innovación hacen que esté llamado a convertirse en imprescindible en la discografía flamenca.

Músicos: Curro Piñana (cante); Antonio Piñana, Carlos Piñana, Francisco Tornero, Juan Manuel Cañizares, Juan Ramón Caro, Pedro Sierra, Tano Moreno, Victor Monge Serranito (guitarra)
Discográfica: Maisond des Cultures du Monde
Distribuidora: Karonte
Año: 2011
Estilo: Flamenco

Diego Clavel: Sevillanas

2012-01-27T11:17:00.001+01:00

Después de las antologías realizadas durante años sobre las malagueñas, los fandangos de Huelva, la soleá, los cantes de levante, y las seguiriyas, el cantaor Diego Clavel presenta Sevillanas (Cambayá/Karonte), donde reivindica un cante en exceso maltratado.

Las sevillanas no han tenido mucha suerte como cante ya que, por motivos que aquí no se van a entrar, ha quedado relegado aun palo festivo, menor y vulgar (que no necesariamente popular). Sin embargo, este cante cuando se hace por su sitio, como lo interpreta aquí el cantaor de La Puebla de Cazalla, o como lo hizo el gran Manuel Pareja Obregón, se convierte en un palo grande y de una rara belleza.

Las catorce sevillanas contenidas en este disco son todas creaciones del propio cantaor, que ha tardado veintisiete años en grabarlas. Si no la ha hecho antes es porque tenía en su cabeza otros proyectos más importantes y acuciantes, y si lo ha hecho ahora es porque su esposa y su hija se lo han pedido.

Quien conozca la obra de Diego Clavel, en cuya voz ningún estilo suena liviano, no se sentirá defraudado con este trabajo, pues lo ha realizado con absoluto rigor y una gran seriedad, dándole a las sevillanas el lugar que le corresponde.

Como en todos los géneros musicales es bueno dejar, como en casos como este, los prejuicios a un lado y entrar de lleno en un género que merece la pena descubrir.

Músicos: Diego Clavel (cante); Antonio Carrión (guitarra); , las de Sine León (percusión); María del Carmen Andrade (castañuelas)
Discográfica: Cambayá
Distribuidora: Karonte
Año: 2011
Estilo: Flamenco

Lucía Martínez & Berliner Projekt: Azulcielo

2012-01-26T11:05:00.002+01:00

Quienes pudimos disfrutar de su magnífico debut discográfico, aquel Soños e delirios, aguardábamos con gran interés el segundo trabajo de la percusionista Lucía Martínez y tras dos años de espera ha llegado Azulcielo (Karonte) que no sólo confirma la valía de esta mujer sino que hace de ella una de las artistas de jazz más interesantes e inquietas que hay en la escena española.

Este Azulcielo, que hace referencia al hermoso cielo de Vigo, su ciudad natal, y que es el color que le falta al cielo de Berlín, ciudad en la que vive, estudia y trabaja desde hace cuatro años, es el feliz resultado del trabajo proyecto del master que presentó en la Universidad de las Artes de Berlín en el 2009, y que obtuvo la distinción summa cum laude.

Las nueve canciones del disco son obra de Lucia Martínez y en ellas define el terreno musical en el que se esta moviendo, desde el jazz a la música folk, pasando por la música contemporánea y la de cámara. En la medida en que es un disco que se podría calificar de académico, por su orígenes más que nada, y donde la mirada camarística podría estar más acentuada, Martinez y su Berliner Projekt evitan esa constricción gracias a una delicadeza, una entrega y una estupenda libertad de acción.

Merece la pena detenerse en canciones como Luciérnagas de papel, que abre brillantemente el álbum con una jazz enérgico y vital; Fogo do 23, acaso el más free de todas las canciones y sin duda el más rítmico y poderoso; El mar y yo, donde Galicia es una presencia constante; sin olvidar Silencio, la luz del campo oeste anuncia tempestad, con un magnífico trabajo en el vibráfono de la líder; y Desayuno con mango, posiblemente el mejor tema de todo el álbum.

Azulcielo es un trabajo delicado, no tan enérgico como en su cedé de debut, que pone de manifiesto que la bondad de su primer disco no fue una chiripa y que convierte a Lucia Martínez una de las grandes artistas del jazz español.

La única pega es que este proyecto, que en Alemania tiene un recorrido en directo, en España es prácticamente imposible que se escuche en vivo...ojala me equivoque.

Músicos: Lucía Martínez (batería, vibráfono); Ludwig Hornung (piano); Viktor Wolf (clarinete, saxo tenor); Silke Lange (acordeón); Marc Muellbauer (contrabajo)
Discográfica: Karonte
Distribuidora: Karonte
Año: 2011
Estilo: Jazz moderno

Jan Garbarek & The Hilliard Ensemble: Officium Novum

2012-01-25T10:20:00.003+01:00

El muy esperado tercer disco del saxofonista noruego Jan Garbarek junto con el cuarteto vocal británico The Hilliard Ensemble ya está aquí, y lleva por título Officum Novum (ECM/Distrijazz). El resultado no va a defraudar a sus múltiples seguidores.

Después de diez años de espera, su anterior disco Mnemosyne data de1998, la inusual formación compuesta por el saxofonista noruego Jan Garbarek, emblema del sello ECM y una de las figuras más respetadas del jazz europea y la música improvisada; y el cuarteto vocal británico The Hilliard Ensemble, expresión máxima en la interpretación de la primera organización pautada de la música occidental, regresan con Officium Novum un disco que mira, sobre todo, a la música bizantina de Europa del Este.

No deja de resultar sorprendente el que esta asociación de dos propuestas musicales tan dispares haya logrado el éxito tan masivo que tiene. Un dato: de su disco de debut Officium (1993) llevan vendidos más de un millón y medio de copias. Las razones de su éxito hay que buscarlas tanto en lo inusual de su propuesta, como en la sonoridad lograda, que no tiene ningún precedente, como en la belleza misma de las composiciones elegidas. Y es que las sensaciones que produce la música de Jan Garbarek y el The Hilliard Ensemble son de belleza y serenidad, no exentas de un aspecto contemplativo, de música mística y trascendental. Puede decirse que la música de este grupo es religiosa en un sentido ecuménico, de introspección y mirada autorreflexiva.

Las composiciones seleccionadas para este disco destaca la presencia del monje y compositor armenio Komitas Vardapet (1869-1935), del que e interpretan cuatro temas de los diez elegidos. El resto de los canciones pertenecen a Arvo Párt, Perotin (compositor francés del siglo XII), composiciones anónimas, donde destaca la versión de Tres morillas m’enamoran, cantada en castellano, y dos piezas del propio Jan Garbarek.

Sin duda este disco no va a defraudar y va a gustar mucho a los muchos seguidores del quinteto. También es cierto que quienes rechazan de plano esta propuesta se van a cargar de razones para seguir impugnándola. En cualquier caso uno de los discos, si no ‘el disco’, acontecimiento del año.
Por último recordar que Jan Garbarek & The Hilliard Ensemble estarán en el Heineken Jazzaldia el próximo 24 de julio en el Museo San Telmo.

Músicos: Jan Garbarek (saxos); David James (contratenor); Rogers Covey-Crump (tenor); Steven Harrold (tenor); Gordon Jones (baritono)
Discográfica: ECM
Distribuidora: Distrijazz
Año: 2011
Estilo: Jazz contemporáneo

El Artium profundizará en la 'performance' con Regina José Galindo

2012-01-25T10:15:00.003+01:00

Piel de gallina es el título de la muestra con la que la artista guatemalteca Regina José Galindo abrirá el nuevo año en el Artium. Será el próximo día 27, cuando la creadora estrenará en la capital alavesa una nueva 'performance' con el mismo nombre que la exposición.

Durante toda la inauguración, la artista permanecerá encerrada en un frigorífico mortuorio que el visitante puede abrir para comprobar los cambios que el frío provoca en su pie

La piel de gallina es una manifestación humana producida por estímulos externos como el frío o internos como la emoción, por la cual el ‘musculus erector pili’, curiosamente también llamado ‘músculo horripilante’, se contrae y se eriza el pelo. Este título remite a la literalidad de la emoción suscitada por las obras de la artista, pero también a la propia piel, a lo matérico y a lo humano de su trabajo.

Con esta propuesta, el Artium insiste en la acción como fórmula de creación contemporánea, después de dedicar una amplia exposición a la pionera Esther Ferrer, En cuatro movimientos que finaliza el próximo sábado. En el caso de Galindo, los inicios en la poesía le llevaron a la 'performance' en 1999, con un uso directo y con frecuencia descarnado del cuerpo.

La guatemalteca está considerada como una de las creadoras de mayor peso en el ámbito de la performance, en especial desde su reconocimiento con el León de Oro de la Bienal de Venecia de 2005. Su propuesta en el Artium será su primera exposición individual en un museo en España.

Qué: Regina José Galindo
Cuándo: Del 27 de enero de diciembre de 2011 al 29 de febrero de 2012
Donde: Fundación Mapfre. Madrid

El Prado muestra las pinturas religiosas del siglo XIX

2012-01-24T10:58:00.004+01:00

Desde ayer lunes, 23 de enero, y durante algo más de un año, el Museo del Prado presenta Historias Sagradas. Pinturas religiosas de artistas españoles en Roma (1852-1864), una nueva selección de sus fondos del siglo XIX en la sala número 60, la ‘sala de presentación de colecciones’, creada para mostrar de forma rotatoria conjuntos de obras de esta centuria habitualmente no expuestos y elegidos entre sus amplios fondos en razón de su interés y calidad.

Bajo el título Historias Sagradas, el Museo recupera un conjunto de obras religiosas realizadas por pintores españoles establecidos en Roma entre 1852 y 1866, época en la que la pintura religiosa europea se vio impulsada por los hallazgos arqueológicos de los enterramientos de los primeros mártires cristianos en las catacumbas.

La selección de obras expuestas presenta, tras un laborioso trabajo de restauración, un exquisito conjunto de lienzos que tuvieron gran importancia no sólo en su tiempo, sino a lo largo de la segunda mitad del siglo XIX y el primer tercio del siglo XX. Mediante su exhibición en las mejores condiciones, en continuidad con la primera sala de Pintura de Historia, se les devuelve una visibilidad perdida ya que son obras prácticamente desconocidas no sólo para el público sino incluso para muchos historiadores.

En las obras de esta sala puede apreciarse el triunfo del purismo académico en la obra de Luis de Madrazo, Entierro de Santa Cecilia en las Catacumbas de Roma, realizada directamente al calor del famoso descubrimiento arqueológico y que ha de considerarse la primera dentro de este género. Este trabajo dio paso a obras cada vez más atentas a un realismo de cuño académico, como el delicado cuadro de Alejo Vera, Entierro de san Lorenzo en las Catacumbas de Roma, que toma como punto de partida el lienzo de Madrazo para dotarlo de un mayor verismo y que culmina en la emocionante pintura de Domingo Valdivieso, El Descendimiento, en la que la influencia de las fuentes artísticas italianas es muy poderosa. El maestro madrileño Eduardo Rosales, en sus dos obras religiosas de juventud, Tobías y el ángel (en la imagen) y Estigmatización de santa Catalina de Siena, copia de Il Sodoma, realizadas en Italia, encarna el final de la pintura purista y es la clave precisa para la penetración y el asentamiento del realismo de raíz velazqueña en España.

Qué: Historias Sagradas. Pinturas religiosas de artistas españoles en Roma (1852-1864)
Cuándo: Del 23 de enero de 2012 al 27 de enero de 2013
Donde: Museo del Prado. Madrid

Pantalla(s) Global(es)

2012-01-24T10:55:00.002+01:00

Del 25 de enero al 28 de mayo de 2012, el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) presenta la exposición Pantalla Global, muestra basada en el libro homónimo de Gilles Lipovetsky y Jean Serroy, comisarios de la muestra junto con Andrés Hispano.Su objetivo es mostrar el poder de la pantalla en todas sus vertientes: seducción, espectáculo, creación de arquetipos y modelos, información, interactividad, vigilancia, etc. Unos poderes que, con los adelantos tecnológicos, se renuevan a partir del formato inicial, el de la gran pantalla cinematográfica, hasta llegar a la actual proliferación de pantallas.

El próximo 24 de enero se inauguran tanto la exposición física como la virtual: un espacio en construcción, un banco de pruebas para explorar las posibilidades y las necesidades del género exposición en el mundo virtual sin olvidar la potencia de la exposición física que no se puede reemplazar, así como los nuevos vínculos que puede crear un visitante activo que transita entre los dos mundos.

Esta exposición es la segunda fase de un proyecto que empezó el pasado 1 de octubre con la activación de la plataforma virtual de Pantalla Global. Los primeros objetivos y desafíos de esta plataforma fueron dar a conocer el trabajo de incubación del proyecto expositivo; aportar ideas, textos y bibliografía sobre el tema y, sobre todo, conseguir una participación activa de los usuarios mediante el envío de vídeos que permitieran hacer de contrapunto (contracampo) al discurso (campo) de los comisarios de la exposición.

Pantalla Global continuará, en una tercera fase, con la creación de un archivo que permita registrar la evolución conceptual y formal del proyecto y con las aportaciones de todos los contribuidores y co-creadores.

El proyecto Pantalla Global ha desarrollado un mecanismo participativo de pantalla abierta que integrará las aportaciones visuales de cualquier persona interesada en colaborar en este proceso de reflexión conjunta alrededor del papel de las pantallas en el mundo contemporáneo. Estas piezas audiovisuales se procesarán a través de la web de la Plataforma virtual Pantalla Global y se integrarán en la exposición física.

Qué: Pantalla Global
Cuándo: Del 25 de enero al 28 de mayo de 2012
Donde: Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB). Barcelona

Sánchez Castillo transforma el yate 'Azor' en escultura

2012-01-24T09:32:00.003+01:00

Después de 26 años de ser usado como embarcación de recreo por el dictador Francisco Franco y su familia y tras permanecer años abandonado cerca de un pueblo de Burgos, el Azor regresa a la actualidad convertido en obra de arte gracias al trabajo del artista Fernando Sánchez Castillo (Madrid, 1970). Con el título Síndrome de Guernica, el último trabajo de uno de los artistas madrileños con mayor proyección internacional, se exhibe en el espacio Abierto x obras de Matadero Madrid hasta el 18 de marzo.

El yate 'Azor' convertido en una escultura minimalista

El yate fue construido por Astilleros Bazán para uso y disfrute del entonces jefe del Estado, y actuó como madrina de la embarcación María del Carmen Franco y Polo, hija del dictador. Con 47 metros de eslora y 10 metros de manga, la nave fue el yate de recreo de Franco y su familia y escenario de hechos históricos como las conversaciones del Azor entre Don Juan de Borbón y el dictador.

En 1990 el Estado lo subastó especificando que su destino era el desguace. Sin embargo, su comprador quiso convertirlo, sin éxito, en un local de ocio. Desde entonces, el Azor descansó en las afueras del pueblo de Cogollos (Burgos), convirtiéndose en reclamo turístico para nostálgicos y sorprendidos visitantes.

A finales de 2011, el artista compra el Azor para transformarlo en una obra artística con forma de prisma, una forma ensalzada en el minimalismo por su impersonalidad constructiva y su ausencia de referencias sentimentales o emotivas. Se trata de una intervención pensada especialmente para la antigua cámara frigorífica de Matadero Madrid dentro del programa Abierto x Obras.

Sánchez Castillo, que ha desarrollado buena parte de su carrera en Holanda, aborda habitualmente en su trabajo los símbolos establecidos con un punto de ironía que cuestiona la relación entre arte, poder e historia. Su trabajo se aproxima a la historiografía, el periodismo o las ambiguas relaciones entre el poder y su propaganda.

Qué: Fernando Sánchez Castillo. ‘Síndrome de Guernica’
Cuándo: Del 20 de enero al 18 de marzo de 2012
Donde: Matadero Madrid

Carlos Piñana: Manos Libres

2012-01-23T09:50:00.004+01:00

Carlos Piñana regresa, después de un par de años de silencio, con el que es su sexto disco de estudio; Manos libres (Karonte/Karonte), donde articula ese estilo que lo define como un músico con una entidad propia en el que se unen el flamenco heterodoxo con la guitarra clásica.

Sin en los anteriores trabajos de Piñana el guitarrista estaba a la búsqueda de su sonido, con este Manos Libres se puede decir que logra la consolidación de ese sonido; un flamenco clásico que no rehuye beber de otras fuentes musicales como la música clásica, el jazz, el blues y los ritmos árabes, pero sin caer en la fusión contemporánea. Y es que Carlos Piñana no hace otra cosa que flamenco elegante y contemporáneo.

Las diez canciones del disco, que mezclan palos duros con otros más festeros, trasladan al oyente esas rítmicas donde se funden lo clásico y lo moderno, lo culto y lo popular. Hay bulerías, como Cairo y Bulería de Piñana, rumbas como Hacia Oriente, evidentes sonidos árabes en el zapateado Naseer, miradas hacia otros mundos como en la guajira Guajirón, y también hay lugar para la soleá, la farruca, un canto de origen gallego, la minera Tarantilla en homenaje a Enrique Morente, y una rondeña.

Con Manos Libres, un título que denota muy bien la libertad con la que se ha expresado y trabajado en el desarrollo del disco, Curro Piñana se afianza como uno de los grandes valores actuales de la guitarra flamenca.

Músicos: Carlos Piñana (guitarra); Francis Ligero (percusión); José Ram,ón velasco (bajo); Josué Fernández “Ronkio” (bajo); Miguel Angel Orengo (percusión); Selena Cansino (piano); Miguel Bascón “El Guajiro” (palmas, coros); Tere Bautista (coros); Curro Piñana (voz); Raudel Betancourt (flauta); Armando García (violín)
Discográfica: Karonte
Distribuidora: Karonte
Año: 2011
Estilo: Flamenco

Varios Artistas: Les poètes de la chanson française

2012-01-23T09:39:00.003+01:00

Los cinco cedés que componen Le poetes de la chanson française (Wagram/Karonte) dan una idea fiel de lo que fue y lo que representó ese género musical que tantas y tan buenas canciones ha dado y que representan un verdadero tesoro musical de la música francesa.

Existe una suerte de relación amor-odio, al menos en España, con la música francesa; por un lado hay un auténtico y real desconocimiento de lo que ocurre al otro lado de los Pirineos; pero al mismo tiempo, la canción francesa ha influenciado y pertenece al acervo musical de unas cuantas generaciones de españoles (entre los años cincuenta y los setenta). Es imposible no pensar en canciones como Ne Me Quitte Pas, Les Feuilles Mortes, Le Déserteur, La Vie en Rose…; ni en cantantes como Brel, Brassens, Piaf, Aznavour, Ferré…sin que se amontonen los recuerdos.

Como se ha escrito por algún sitio: “la chanson francesa es la poesía puesta en música”. Ciertamente, al chanson, que hace su aparición basicamente a la par que la industria del disco, reposa sobre dos elementos fundamentales: para sus letras se inspira en la literatura clásica francesa (Baudelaire, Verlaine y Rimbaud, son tres fuentes literarias esenciales); e “ideológicamente” se nutre de la resistencia lingüística y cultural frente al dominio anglo-sajón.

Si los textos de las canciones de la chanson se buscaban en lo mejor de la tradición literaria francesa, los recursos musicales tienen una doble entidad; por un lado en la tradición de la música culta, en especial de la opereta; y por otra en los lugares más populares; será el cabaret el lugar por excelencia donde está música dará sus primeros pasos y donde acabará imponiéndose como género.

Los cinco discos de este Les poètes de la chanson française recogen todo este legado. Aquí se encuentran los cantantes que dieron sus más y su mejores momentos a la chanson; puede decirse que están todos los que son y son todos los que están, y además con algunos de sus grandes éxitos. Aquí están representado Jacques Brel, que a pesar de ser belga –o tal vez por eso- es una de sus cimas, Georges Brassens y su escritura maliciosa e irónica, Jean Ferrat, Léo Ferré y su trabajo sobre la obra de Louis Aragon; Claude Nougaro, Barbara, Edith Piaf, Charles Aznavour y Serge Gainsbourg.

Les poètes de la chanson française puede considerarse una suerte de introducción -necesaria- a este género, pues la mayoría de los seleccionados pertenecen a la generación de los años cincuenta, aquellos donde se dio lo mejor y lo más granado de este estilo.

Músicos: Jacques Brel; Georges Brassens; Jean Ferrat, Léo Ferré; Claude Nougaro; Barbara; Edith Piaf; Charles Aznavour; Serge Gainsbourg;…
Discográfica: Wagram
Distribuidora: Karonte
Año: 2011
Estilo: Música popular

Niamh Ni Charra: Súgach Sámh/Happy Out

2012-01-20T10:40:00.004+01:00

Aunque Niamh Ni Charra, una de las más destacadas intérpretes irlandesas del fiddle y la concertina, ha participado en varios discos como intérprete con artistas tan reconocidos como The Chieftains y Carlos Nuñez, con quien toca habitualmente en las actuaciones en directo de la banda, Súgach Sámh/Happy Out (Imeartas Records) es el segundo disco a su nombre tras su debut en 2007 con Ón Dá Thaobh/ From Both Sides.

Los más viejos del lugar se acordarán de la invasión que hubo hace unos años de música celta (y cubana, sea de dicho de paso). No había discográfica, ni distribuidora, ni festival de música tradicional que no tuviese entre sus miembros a uno, o varios, grupos de Irlanda. De toda aquella invasión ¿qué ha quedado? la respuesta es bastante desoladora: nada, es como si tal cosa no hubiese existido. Así, que llegue al mercado español, y de ello de una manera bastante heterodoxa, un disco de música tradicional irlandesa no deja de ser una (buena) noticia.
Súgach Sámh/Happy Out representa muy bien el estado actual de la música tradicional (o de la world music si se prefiere): sonidos abiertos al mundo que ya no se ciñen en exclusiva al espacio del que provienen, y es que la música de raíz, como también es conocido este género, se ha expandido, justamente, como una raíz. Hay en este disco músicas de Ferry, de donde es Niamh Ni Charra, como de Galway; pero también hay propuestas provenientes del otro lado del Atlántico, donde los emigrantes llevaron y también crearon sus canciones; de Bretaña (Lonesome Eyes) e incluso de Galicia con la Muñeira de Pontesampaio. A esta variedad geográfica hay que añadir los temas propios compuestos por la propia artista, donde cabe destacar Fonn do Eithne/The fairy step y otros compositores actuales.
Niamh Ni Charra no solo toca sus dos instrumentos, lo que ya sería más que suficiente, sino que también, y por primera vez en disco, canta. Lo hace en tres canciones; una en inglés; Paddy’s Lamentation, que es puro intimismo y tristeza y donde ella parece empujar hasta la última gota de emoción, y que es uno de los mejores momentos del álbum; y dos en gaélico; Cailleach an Airgid y Se Fath mo Bhuartha, donde le acompaña su padre, Eoin Ó Carra a la cítara, un instrumento poco habitual en el folklore irlandés.

Súgach Sámh/Happy Out, es un muy buen disco, con una amplia variedad de texturas y sonidos, que, sin duda, será de gran interés para todos los amantes de las músicas tradicionales. Y es que en un mundo que tiende hacia la nivelación e igualdad es muy bueno que existan artistas que se dediquen a transmitir esas tradiciones musicales tan ricas a las nuevas generaciones.

Músicos: Niamh Ni Charra (fiddle, concertina, voz); Robbie Harris (bordan); Donogh Hennessy (guitarra); Trevor Hutchinson (contrabajo). Músicos invitados: Denis Carey (piano); Manus McGuire (fiddle); Mike Galván (guitarra, bajo); Eoin Ó Carra (cítara); Tony O Flaherty (piano)
Discográfica: Imeartas Records
Año: 2010
Estilo: World music, música tradicional

Arto Paasilinna: El año de la liebre

2012-01-20T10:34:00.002+01:00

Con la nueva edición de El año de la liebre, de Arto Paasilinna, uno de los más destacados autores finlandeses, se comprueba la complejidad del género del humor, sin duda, el más difícil de la literatura.

La dificultad de humor en la literatura tiene que ver con dos variables fundamentales; el espacio y el tiempo. Es evidente que el humor español tiene poco o nada que ver con el sueco, el chino o el japonés. Nos reímos de cosas distintas porque tenemos referencias culturales, políticas, sociales, educativas, etc., muy diferentes. En ultima instancia nos reímos de lo que somos.
Pero el tiempo también hace estragos en el humor; no hay nadie que se ría con Las nubes de Aristófanes, obra satírica sobre la filosofía de Sócrates; y pocas cosas hay más descorazonadoras que ver los mordaces y sarcásticos dibujos del siglo XIX, por no irnos más lejos, sobre la política y la monarquía española, por poner un ejemplo. Incluso humoristas más cercanos en el tiempo, como El Perich, nos parecen ya desfasados y fuera de lugar. Así que hacer reír en la literatura, y que esa risa se mantenga en los lectores a los largo de los años, es una cosa muy seria.
Estos dos factores se han conjurado en contra de El año de la liebre, editada originalmente en 1975 y publicada en castellano por primera vez en 1998. Hay que señalar que la traducción de esta nueva edición es la misma que hicieron Ursula Ojanen y Juan Carlos Suñen para Ediciones de la Torre, en el año de su primer lanzamiento.
En esta novela breve, 181 páginas, que lanzó a la fama a su autor, se notan mucho las costuras de la obra; un canto ecológico, muy roussoniano-disneylaniano, de vuelta a la naturaleza protagonizado por un periodista, Vatanen, que deja su vida en la ciudad y a su mujer, tras haber salvado la vida de una liebre. Con motivo de este acontecimiento el hombre sufre una suerte de caída del caballo y decide irse a vivir a los bosques de Finlandia y vivir las más dispares aventuras, en compañía de una liebre.
Es seguro que El año de la liebre tiene valores literarios y humorísticos, pero me temo que quien esto firma es muy meridional y no he sabido, o no he podido a pesar de mis intentos (de hecho me he leído el relato), conectar con el humor finés.

Editorial: Anagrama
Páginas: 181
Año: 2011
Traducción: Ursula Ojanen y Juan Carlos Suñen

Muere Gustav Leonhardt, referente mundial de la música antigua

2012-01-18T10:36:00.003+01:00

El clavecinista, director de orquesta y organista holandés Gustav Leonhardt, reconocido mundialmente por sus grabaciones de música barroca murió el lunes a los 83 años, según dio a conocer ayer un portavoz de la Iglesia Nueva de Amsterdam, donde Leonhardt fue organista durante años.

Los expertos consideran a Leonhardt, nacido el 30 de mayo de 1928 en 's-Graveland, norte de Holanda, como el intérprete de clave más destacado de siglo XX y uno de los mayores expertos en el repertorio barroco. Leonhardt, fallecido en su domicilio de Amsterdam, era uno de los mayores expertos reconocidos mundialmente en la interpretación de la obra de Johann Sebastian Bach (1685-1750).

El músico holandés fue uno de los pioneros mundiales en el movimiento de intérpretes de música clásica que prefiere utilizar siempre instrumentos de época.

Al tesón y el empuje de Leonhardt se debe, entre otras realizaciones, la serie de grabaciones realizada junto a Nikolaus Harnoncourt de la integral de las cantatas de Johann Sebastian Bach, una labor titánica realizada por ambos entre 1970 y 1990. En total, Leonhardt grabó más de 200 discos y cds. En 1999 recibió el premio Edison por su dedicación a la música clásica.

No fue en su faceta como director donde más brilló el talento irrepetible de Gustav Leonhardt, que fue, por encima de todo, un instrumentista excepcional. Organista titular de la Waalse Kerk de Ámsterdam de 1959 a 1982, peregrinó por toda Europa tocando instrumentos históricos. Como clavecinista, no ha tenido igual en las últimas décadas. Su ingente discografía recorre todo el repertorio, desde el pináculo de Bach hasta los compositores menos frecuentados, que tocaba a menudo en partituras copiadas o transcritas por él mismo. Leonhardt tocaba con una libertad de la que raramente hacía gala cuando dirigía.

A diferencia de todos sus colegas, Gustav Leonhardt se negó siempre a dirigir agrupaciones integradas por instrumentos modernos y la música de Mozart marcaba la última frontera de sus intereses como intérprete. Ofreció su último concierto, con la certidumbre de su muerte ya cercana, el pasado 12 de diciembre en el Théâtre des Bouffes du Nord de París.

Pantalla(s) Global(es)

2012-01-18T10:31:00.003+01:00

Del 25 de enero al 28 de mayo de 2012, el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) presenta la exposición Pantalla Global, muestra basada en el libro homónimo de Gilles Lipovetsky y Jean Serroy, comisarios de la muestra junto con Andrés Hispano.

Su objetivo es mostrar el poder de la pantalla en todas sus vertientes: seducción, espectáculo, creación de arquetipos y modelos, información, interactividad, vigilancia, etc. Unos poderes que, con los adelantos tecnológicos, se renuevan a partir del formato inicial, el de la gran pantalla cinematográfica, hasta llegar a la actual proliferación de pantallas.
El próximo 24 de enero se inauguran tanto la exposición física como la virtual: un espacio en construcción, un banco de pruebas para explorar las posibilidades y las necesidades del género exposición en el mundo virtual sin olvidar la potencia de la exposición física que no se puede reemplazar, así como los nuevos vínculos que puede crear un visitante activo que transita entre los dos mundos.

Esta exposición es la segunda fase de un proyecto que empezó el pasado 1 de octubre con la activación de la plataforma virtual de Pantalla Global. Los primeros objetivos y desafíos de esta plataforma fueron dar a conocer el trabajo de incubación del proyecto expositivo; aportar ideas, textos y bibliografía sobre el tema y, sobre todo, conseguir una participación activa de los usuarios mediante el envío de vídeos que permitieran hacer de contrapunto (contracampo) al discurso (campo) de los comisarios de la exposición.

Pantalla Global continuará, en una tercera fase, con la creación de un archivo que permita registrar la evolución conceptual y formal del proyecto y con las aportaciones de todos los contribuidores y co-creadores.

El proyecto Pantalla Global ha desarrollado un mecanismo participativo de pantalla abierta que integrará las aportaciones visuales de cualquier persona interesada en colaborar en este proceso de reflexión conjunta alrededor del papel de las pantallas en el mundo contemporáneo. Estas piezas audiovisuales se procesarán a través de la web de la Plataforma virtual Pantalla Global y se integrarán en la exposición física.

Qué: Pantalla Global
Cuándo: Del 25 de enero al 28 de mayo de 2012
Donde: Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB). Barcelona

Anthony Joseph & The Spasm Band: Rubber Orchestras

2012-01-17T10:52:00.002+01:00

El tercer disco del poeta, novelista y músico Anthony Joseph, nacido en Trginidad pero que ha hecho toda su carrera artística en el Reino Unido, al frente de su banda, The Spasm band, lleva por título Rubber Orchestras (Naïve).

Resulta inevitable que la música (y cabe suponer que su literatura, que desgraciadamente no se ha traducido al castellano todavía) de Anthony Joseph sea una pura hibridación: sus orígenes están anclados, como la práctica totalidad de los caribeños negros, en el esclavismo y en consecuencia en Africa; que la música que ha escuchado sea una mezcla de sonidos africanos, americanos y europeos; y que su tradición literaria (posiblemente a su pesar) sea, fundamentalmente, la de Occidente, desde Homero a Celan pasando por Shakespeare y Baudelaire. En este caso, el origen del disco se encuentra en un verso del poeta surrealista y músico de jazz Ted Joans.

Así que con todo este bagaje cultural Rubber Orchestras sólo puede ser un disco mestizo, colorista y, a ratos, vibrante. Hay un poco de todo; desde el soul y el funk, al punk, al heavy y, por supuesto, al afrobeat. Y todo ello atravesado por el “spoken word” más directo y sin concesiones. Hay dos influencias que se notan a primera vista en la música de Anthony Joseph; la de Gill Scott-Heron (apreciable sobre todo en Generations) y la de Fela Kuti, que se alarga a todo lo largo del álbum.

A pesar de que la poesía y la música han estado unidos desde sus inicios, son pocos, pero que muy pocos, los poetas que se han acercado a la música para dar a conocer su obra. Así que figuras como las de Anthony Joseph, un poeta que hace música con su propio trabajo literario, siguen siendo una rareza. Y en este sentido hay que agradecerle que sea capaz de utilizar todos los medios disponibles a su alcance para dar a conocer su trabajo y en este sentido sea capaz de reconocer la fuerza de la música para transmitir su mensaje (el resto de los poetas, ya se sabe, están en su torre de marfil, aunque esta sea la cabina de vigilante de un vertedero de basura).

Rubber Orchestras es un potente disco que hará las delicias de los interesados en la literatura, el afrobeat y todas las fusiones posibles e imaginables.

Por último señalar que la salida del disco al mercado coincidirá con la edición de un libro de poesía de Anthony Joseph que lleva por título el mismo que el disco..

Discográfica: Naïve
Distribuidora: Naïve
Año: 2011
Estilo: Funk, soul, afrobeat

Brossa al MACBA

2012-01-17T10:45:00.004+01:00

Joan Brossa (Barcelona, 1919-1998) no tiraba nunca un papel. Tenía un particular orden. Las fotografías de su estudio son famosas porque muestran las ingentes montañas de papeles que se amontonaban por el suelo.

Poeta en el sentido más amplio de la palabra, para Brossa el arte era un todo, y no existían los géneros. Su inmenso legado es una prueba de ello: manuscritos, poemas visuales, guiones de cine, piezas escénicas, libros de artista, traducciones, carteles, instalaciones, obras plásticas, juguetes, juegos de magia, documentos y otros objetos que huyen de cualquier clasificación.

Ahora, la Fundació Joan Brossa y el Ayuntamiento de Barcelona, en consonancia con la voluntad de Brossa de no dispersar su obra, han depositado en el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) el conjunto de este impresionante patrimonio, en régimen de comodato y por un periodo de 25 años (renovable), con la responsabilidad de custodiar, conservar, catalogar, hacer accesible y divulgar el legado.

El Ayuntamiento de Barcelona, además, destina 300.000 euros a la digitalización de una parte importante de este patrimonio. En este sentido, la propia naturaleza del Museo que admite la complementariedad entre el Centro de Estudios y Documentación del Museo y la Colección MACBA permite superar la distinción entre documento y obra y salvaguardar como un todo el conjunto del legado, formado por más de 60.000 ítems: 50.000 documentos (la mitad aún no catalogados), 6.000 libros, 5.700 revistas, 100 publicaciones de artista, 130 poemas visuales (muchos inéditos), 1.000 fotografías, 150 instalaciones y 1.000 carteles, entre otros.

El Museo se compromete también a potenciar la presencia de la obra visual del poeta en el contexto de la Colección MACBA y, junto con la Fundació Joan Brossa, asume la tarea de seleccionar materiales de este legado con motivo de las presentaciones de obra visual del artista que se hagan en La Seca y en otros lugares.

‘Los descendientes’ y ‘The Artist’ triunfan en los Globos de Oro

2012-01-16T09:50:00.004+01:00

Sin mucha gracia y menos sorpresas. La 69 edición de los Globos de Oro ha entregado esta madrugada sus 26 premios, más el de honor para Morgan Freeman, en una ceremonia larga y tediosa.
Ricky Gervais, tras la anterior y explosiva ceremonia, ha recitado un guión en perfil bajo, en el que The artist, el filme que pese a ser una cinta muda y rodada en blanco y negro, ha logrado tres premios: mejor comedia o musical, mejor actor en este apartado (Jean Dujardin) y mejor banda sonora.
El otro gran triunfador de la noche ha sido George Clooney, el intérprete de Syriana se ha alzado con el premio al mejor actor en drama, gracias a su labor en Los descendientes, cinta que ha conquistado también el galardón a la mejor película de dicho apartado.
En los apartados a mejor actriz, en drama ganó Meryl Streep con La dama de hierro (26 candidaturas y ocho galardones), y en comedia Michelle Williams lo ha logrado con Mi semana con Marilyn.
En la categoría de l Globo de Oro a la mejor película de habla extranjera la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA) premiaba a la gran favorita, la cinta iraní Nader y Simin. Una separación, de Asghar Farhadi. Desde el escenario Farhadi hizo un llamamiento a la paz.
En cine ha sido una gala marcada por el poder del productor y distribuidor Harvey Weinstein, que estaba detrás de cinco de los galardones. Tres veteranos, Woody Allen, Martin Scorsese y Steven Spielberg, obtuvieron respectivamente los globos a mejor guion por Midnight in Paris, mejor dirección por La invención de Hugo y mejor filme de animación por Las aventuras de Tintín. El secreto del Unicornio. Finalmente los mejores secundarios fueron Christopher Plummer por Beginners y Octavia Spencer, por Criadas y señoras. Madonna subió a recoger el trofeo a mejor canción por Masterpiece, tema que se escucha en W. E., filme que ella misma ha escrito y dirigido.
En el apartado de las series de televisión los premios han estado muy repartidos y las categorías de comedia han cumplido las sorpresas que anticipaban las nominaciones. La única serie que ha conseguido alzarse con dos premios ha sido Homeland, que se ha llevado el Globo de Oro a mejor drama y el de mejor actriz para Claire Danes.
La serie de Showtime tenía en los Globos de Oro su primera gran gala de premios tras debutar el pasado otoño en EE UU. Homeland partía con tres nominaciones y se ha llevado dos premios. Se le ha escapado el de mejor actor que ha ido a parar manos de Kelsey Grammer por su papel en The Boss. Hasta esta noche Grammer tenía dos estatuillas por Frasier y otras seis nominaciones por este spin-off de Cheers.
En un año en el que los estrenos de comedias no han cumplido las expectativas y con Glee lejos de su mejor momento de popularidad, Modern Family no tenía ninguna candidata que le hiciera sombra. La sitcom de ABC (que en España emite Fox) se ha llevado esta noche el Globo de Oro. Las sorpresas han venido de la mano de las categorías interpretativas. Laura Dern ha conseguido el premio de mejor actriz por Iluminada, que se estrenó en HBO, y Matt LeBlanc ha conseguido su primer Globo de Oro por Episodes. El actor se ha llevado el premio en la cuarta nominación, tras ser candidato por Friends dos veces, por su spin-off Joey y por interpretarse (casi) a sí mismo en Episodes.
Una de las peculiaridades de los Globos de Oro ocurre en el apartado de miniseries. Este año concurrían series de temporadas cortas (como las británicas Downton Abbey o Luther) y películas hechas para televisión. Ha ganado Downton Abbey, la gran favorita. La producción de ITV.
También peculiar es la mezcla que se produce en las categorías de actor y actriz secundarios. Competían juntos intérpretes de drama y comedia, de series y de películas hechas para televisión. En el apartado de secundarios masculinos ha ganado Peter Dinklage por su Tyrion Lannister de Juego de Tronos y en las actrices la ganadora ha sido Jessica Lange por American Horror Story. En las categorías de mejor actor y actriz de miniserie, Idris Elba se ha llevado el Globo de Oro por su inspector atormentado de Luther y Kate Winslet ha cumplido los pronósticos y se ha llevado el galardón por Mildred Pierce.

Pura Fé Trio: Live!: A blues night in North Carolina

2012-01-16T09:45:00.002+01:00

El sexto disco como líder de sus propias formaciones de la guitarrista y cantante Pura Fé, Live!: A blues night in North Carolina (Dixie Frog Records/Music Maker/Karonte) es un doble cd grabado en directo en el Old Murphy School de Durham, Carolina del Norte, tierra de sus ancestros, en agosto del 2010.

Pura Fé, nacida como Pura Fé Antonia ("Toni") Crescioni, no sólo es una cantante y compositora de blues, sino que también es, en su condición de descendiente –por vía materna- de los indios tuscarora, portavoz y activa militantes de las diversas causas políticas y sociales en las que están inmersos los miembros de la tribu. Aunque es posible que el título no le guste, Pura Fé encarna como pocas la imagen de la voz de su pueblo.
En la música de esta cantante se mezclan dos tradiciones musicales; por un lado, la música de los indios americanos; y por otro, el blues, sobre todo el acústico, el del Piedemonte, que se desarrolló en Carolina del Norte. Hay que añadir, además, que ella está abierta a otras sonoridades como lo demuestra el hecho de que ella toca la guitarra hawaiana.
Live!: A blues night in North Carolina son dos horas de blues acústico, intenso y vivo, en la que la Pura Fé desgrana 29 canciones, en su mayoría compuestas por ella, salvo tres excepciones; Flight Tonight de Joni Mitchell, Summertime de George Gershwin y Hard Time Killing Floor Skip James. De entre este amplio racimo de canciones merecen destacarse, por nombran sólo algunas de las varias destacadas; Let heaven show, Border, My Angel, Hard Time Killing Floor, Rise Up Tuscarora Nation y Endless Possibilities, asi como las canciones tradicionales tuscaroras interpretadas con el acompañamiento de The Dear Clan Singers.

La simplicidad de la instrumentación, sólo dos guitarras y percusión, dan como resultado un sonido limpio y ligero. Un doble cedé que gustará tanto a puristas como a neófitos.

Músicos: Pura Fé (voz, slide hawaiana); Cary Morin (guitarra, voz); Pete Knudson (percusión, voz). Músicos invitados: Justin Robinson (voz); The Dear Clan Singers (voces)
Discográfica: Dixie Frog Records/Music Maker
Distribuidora: Karonte
Año: 2011
Estilo: Blues

Eduardo Paniagua: Cantigas de Mujeres

2012-01-13T10:22:00.002+01:00

En la Corte de Alfonso X, no sólo tuvieron cabida moros, judíos y cristianos, trovadores gallegos y provenzales, y juglares de los más variados puntos de la geografía. Las mujeres también ocuparon su espacio como queda patente en este Cantigas de Mujeres (Pneuma/Karonte).

El disco, que contiene ocho cantigas de larga duración, es un catálogo de historias más o menos macabras y sucesos con moraleja vividas por las mujeres en el medievo cristiano y que sirve por igual como documento antropológico y social. El criterio de selección que se ha seguido es el que esten protagonizadas por devotas de la Virgen María, musa del poeta soberano
Las cantigas seleccionadas recogen un catálogo de historias en las que se encuentran monjas que escapan del convento para vivir con su amante (y que después vuelven), mujeres que son calumniadas por sus suegras y se salvan del fuego (no así el presunto querido) pues Santa María sabe de su pureza; niñas con problemas de anorexia como es el caso de Corazón de doncella; asesinas como en la brutal Virginidad prometida, en la cual una mujer mata a sus tres hijos según nacían concebidos con su padrino; diversas conversiones al cristianismo de judías y moras; como son los casos de La judia de Segovia y La mora de Borja; y también algún milagro por intersección de la Virgen, como es La harina.
Para la ocasión, Eduardo Paniagua cuenta con la colaboración de Samira Kadiri, excelente cantante de Tetuán con una dicción perfecta y un emocionante dominio melismático.
Estas Cantigas de mujeres se enmarcan en el proyecto que viene llevando a cabo Paniagua de grabar la integral de la Cantigas de Alfonso X.

Discográfica: Pneuma
Distribuidora: Karonte
Año: 2011
Estilo: Música antigua

Eduardo Paniagua: L´amore mi fa sollazar

2012-01-13T10:11:00.002+01:00

La figura de Leonardo da Vinci (1452-1519) representa como pocas los intereses del Renacimiento; aunque su mejor producción la realizó en la pintura, también dedicó parte de su tiempo a la ciencia y la investigación, y también a la pintura. A rescatar parte del legado musical de da Vinci se dedica este L´amore mi fa sollazar (Pneuma/Karonte).

Leonardo da Vinci se ocupó de todos los aspectos de ese arte: teórico y práctico, artístico y artesanal, científico y lúdico. Esta faceta del polímata florentino esta poco estudiada, entre otras causas debido tanto a la pérdida de su libro “Sobre los instrumentos musicales” que él dijo haber escrito, como a su rechazo a escribir música. Es por ello que este disco muestra, sobre todo, la sonoridad de los instrumentos diseñados por Leonardo da Vinci, quien fue, dicho sea de paso, un notable luthier.
L’amore mi fa sollazar (El amor me da solaz) es un anagrama acertijo de Leonardo que juega con la escala de notas musicales re, mi, fa, sol, la. El programa recogido en la grabación se ciñe a la música de los siglos XV y XVI de este genio y para su interpretación se han reconstruido varios de estos instrumentos, como el órgano de mano, la lyra da braccio y la viola organista. Para acompañarlos se ha creado una pequeña agrupación de cámara renacentista que incluye, además de la voz, el laúd y la vihuela de mano, la vihuela de arco o viola da gamba, las flautas dulces y un nutrido grupo de instrumentos de percusión.
Entre los compositores seleccionados se encuentran como Johannes Tinctoris (reputado musicoterapeuta que desarrolló un método para combatir los males del tarantelismo), el díscolo Bartolomeo Tromboncino (asesino de su infiel esposa y músico personal de la enloquecida Lucrecia Borgia), Lorenzo il Magnífico (del que se ha escogido una canción paródica que los miembros del coro solían interpretar disfrazados de mujeres casquivanas) y los españoles Luis de Milán, Gabriel Mena, Juan del Enzina y Diego Ortiz Toledano.
Esta grabación es continuación de la realizada en 1998 con el título Concierto de Música Europea del siglo XV interpretado en el Órgano de papel de Leonardo da Vinci, publicada en Madrid en el año 2000 en un libro disco.

Discográfica: Pneuma
Distribuidora: Karonte
Año: 2011
Estilo: Música antigua

Eric Legnini & The Afro Jazz Beat: The Vox

2012-01-12T09:27:00.002+01:00

The Vox (Discograph/Karonte), el cuarto disco como líder del pianista belga Eric Legnini, es uno de los disco más atrayentes de este año gracias a una música cargada de jazz, soul y funk. Un disco para no dejarlo pasar.

Es una pena, pero el nuevo jazz francés, o al menos el jazz que se hace en Francia ahora mismo, es muy mal conocido en España, siendo los músicos que trabajan en el país galo prácticamente unos desconocidos por estos pagos. Nombres como los de Jean Baptiste Troitignon, Tigran Hamasyan, Ibrahim Maalouf, Alexandre Tassel, Stephane Belmondo, Giovanni Mirabassi, Julien Duthu, Rémi Panossian o Eric Legnini están sólo al alcance de unos pocos aficionados. Y es un pena porque el trabajo de estos músicos resulta muy apreciable.
El pianista Eric Legnini, nacido en Bélgica de orígenes italianos y que viene desarrollando su carrera en los últimos años en Francia, acaba de editar The Vox, el cuarto disco como líder, y que se ha convertido por derecho propio en uno de los discos más atrayentes de los editados este año de 2011. Y es que estamos ante una de las mejores muestras de jazz en unión con el soul y el funk, y en menor medida con el afrobeat.

The Vox constituye un punto de inflexión en la carrera del pianista, que si como acompañante es muy bueno, como líder demuestra que no le va a la zaga. Puede decirse que Legnini es un talento proteico, ya que su valía se muestra tanto como pianista, como arreglista, productor y compositor, pues salvo uno de los temas, el resto de las once canciones llevan su firma y toda la producción del disco es suya.

El cedé se divide en dos grandes partes: una, son los temas instrumentales, donde el jazz y el funk tienen mayor presencia, donde se aprecian las influencias de Herbie Hancock y el afrobeat de Fela Kuti; y otra, la parte cantada por Krystle Warren, que aporta, en los seis temas en los que interviene y a los que les ha puesto melancólicas letras, la parte más soul y folk pop. En un disco donde todas las composiciones tienen un alto nivel se hace difícil seleccionar alguna, pero merece citarse el tema que da título al disco y Black President.
Si lo ve no lo deje pasar.

Músicos: Eric Legnini (piano); Krystle Warren (voz); Thomas Bramerie (contrabajo); Frank Agulhon (batería); Daniel Romeo (guitarra); Kiala Nzavotunga (guitarra); Boris Pokora (saxo); Julien Alour (trompeta); Jerry Edwards (trombón); Okutu Moses (percusión)
Discográfica: Discograph
Distribuidora: Karonte
Año: 2011
Estilo: Jazz soul

Viktoria Mullova: The Peasant Girl

2012-01-12T09:21:00.004+01:00

La violonista rusa Viktoria Mullova, una de las más destacadas interpretes de música clásica se adentra, llevándolos a su terreno, en el jazz y la world music con su nuevo disco The Peasant Girl (Onyx/Harmonia Mundi).

Las fronteras en la música se han hecho definitivamente porosas, de hecho podría decirse los músicos van y vienen por los distintos géneros, independientemente de cual sea el estilo al que se dediquen profesionalmente.
El último ejemplo de esto es la violinista rusa Viktoria Mullova, una de las grandes intérpretes de violín clásico, que en su nuevo disco interpreta tanto temas de jazz, ya sea clásico o moderno, como se adentra en la world music y todo ello sin olvidar a Bartók y Kodály, dos de los grandes compositores húngaros del siglo XX.
Viktoria Mullova lleva a su terreno sonoro las músicas que, en principio, le son menos afines a su trayectoria profesional. Es decir, la violinista no improvisa sobre una melodía dada, sino que toca lo que esta pautado. De otro manera, hace muy bien lo que sabe hacer y no se mete en terrenos que no domina. En este sentido hay que destacar el trabajo de Matthew Barley, líder del The Matthew Barley Ensemble, que es la formación que acompaña a Mullova, y que ha sido el encargado de todos los arreglos de los temas no clásicos y que, además, ha compuesto el dramático Yura, inspirado en la desecación del lago Baikal.

The Peasant Girl se deja escuchar muy bien, tanto por la variedad de músicas que se interpretan, donde merece destacarse las interpretaciones de Django, popularizada por el Modern Jazz Quartet, y el tema que da título al disco, composiciones de Joe Zawinul; como por el nivel de los interpretes participantes.

Músicos: Viktoria Mullova (violín); Matthew Barley (violoncelo); Julian Joseph (piano); Paul Clarvis (batería); Sam Walton (percusión)
Discográfica: Onyx
Distribuidora: Harmonia Mundi
Año: 2011
Estilo: Música contemporánea

Omara Portuondo & Chucho Valdés: Omara & Chucho

2012-01-11T09:55:00.002+01:00

Omara Portuondo y Chucho Valdés vuelven a trabajar juntos en Omara & Chucho (World Village/ Harmonia Mundi), un sobresaliente disco lleno de ‘filin’ y música cubana.

Hace catorce años, allá por el ya lejano 1997, la cantante Omara Portuondo, la novia del ‘filin’, y el pianista Chucho Valdés, el fundador de Irakere, grabaron en el pequeño sello madrileño Nubenegra un disco brutal; Desafios.
Ahora vuelven con un disco no menos contundente; Omara&Chucho, en el que vuelven a repetir el esquema de aquel trabajo; una colección de canciones en las que se mezclan sus grandes pasiones musicales; el bolero, vía ‘filin’, la música cubana en cualquiera de sus formas y la música clásica.
Cuando Omara Portuondo, que ya tiene 81 años, canta boleros el resultado de escucharla es como si un cuchillo te cortara y dejase a flor de piel tus sentimientos. Y si quieren comprobarlo ahí su bestiales interpretaciones de Llanto de luna, Alma mía, Si te contara o Mis sentimientos. No hay ahora mismo nadie que cante como ella estas maravillosas canciones.
Y si Omara canta, Chucho Valdés toca todo lo que quiere y un poco más. Las pruebas están en Recordaré tu boca, las improvisaciones que realiza en torno al Claro de Luna de Beethoven o a Rachmaninoff en Y decidete mi amor, o el final con Noche Cubana, canción que abre el disco con la interpretación ‘a capella’ de Omara Portuondo. Y todo ello interpretado a primera sangre.

A diferencia de su primer disco conjunto aquí han contado con la colaboración de dos músicos; la de Wynton Marsalis a la trompeta (que estaba de visita en Cuba) en Esta tarde vi llover, el clásico de Armando Manzanero, donde está muy bien; y Rossio, nieta de Portuondo, y que le acompaña a la voz en la guaracha Huesito.
La foto de la portada del disco, un primer plano de las manos cogidas de los dos protagonistas, dan una idea de la complicidad que hay entre estos dos gigantes de la música.
Ciertamente, no lo dejen pasar.

Músicos: Omara Portuondo (voz); Chucho Valdés (piano).Artistas invitados: Wynton Marsalis (trompeta); Rossio (coros)
Discográfica: World Village
Distribuidora: Harmonia Mundi
Año: 2011
Estilo: World music

Chet Baker: Back Home!

2012-01-11T09:49:00.004+01:00

Este cofre compuesto por diez discos titulado Back Home! (Le Chant du Monde/Harmonia Mundi), recoge todo lo grabado por el trompetista Chet Baker, uno de los grandes iconos del jazz, entre julio de 1956 y julio de 1959. Una edición muy buena, tanto por la música como por las notas que acompañan al disco, para entender su figura y su música.

Su imagen, ya sea de joven rompecorazones (decían de él que nunca fue a por mujeres porque eran ellas las que iban a por él) o de viejo acabado por la heroína, su biografía, donde se juntan lo real con lo ficticio hasta conformar una cierta leyenda (por ejemplo la de su muerte), y sus innegables cualidades artísticas, han conformado al trompetista Chet Baker como uno de los iconos del jazz.
El sello Le Chant du Monde edita ahora Back Home!, un cofre compuesto por diez cedés en los que e recogen todas las grabaciones que el trompetista californiano realizó en estudio entre el 23 de julio de 1956, su primera sesión tras su regreso a los Estados Unidos tras su primera y desastrosa gira por el viejo continente; y el 22 de julio de 1959, poco antes de su segunda partida hacia Europa.
Con esta nueva edición parece que la discográfica francesa va completando lo que está llamada a ser una integral de la obra de Baker; ya que han editado previamente dos cofres: The Young Man With The Horn, que recoge las grabaciones del trompetista entre el 9de Julio de 1952 y el 7 de marzo de 1955; y Chet Baker In París: The Complete Barclay Sessions, que abarca el periodo de registros comprendido entre octubre de 1955 y marzo de 1956. Hay dos periodos, uno entre abril y septiembre de 1955 y otro entre abril y junio de 1956, en los que no se conoce ninguna grabación oficial, salvo algunos testimonios aislados de actuaciones en directo, la totalidad de ellas de origen pirata.

Ciertamente este no fue un periodo fácil para Chet Baker; bueno a partir de 1954, cuando se enganchó a la heroína, no hubo ningún momento fácil en la vida de este hombre. La práctica totalidad de lo que grabó fue rechazado por la crítica, que le vapuleo sin piedad; el público le había dado la espalda pues el cool había dejado de ser un referente musical (Miles Davis, John Coltrane,… empezaban a cambiar el jazz), y sus colegas, huían de él a la primera oportunidad. Y es que la droga hacía estragos tanto en la forma de tocar como de cantar.
De estas sesiones de grabaciones, muchas de ellas para el sello Pacific Jazz, salieron discos como Chet Baker&Crew, su disco más be bop del año 56, The Route y Playboys, ambos con Art Pepper con el que no acabaría especialmente bien, Embraceable you, Stan meets Chet, con Stan Getz y con el que empezaron a desarrollar la mutua animadversión que se tuvieron, o Chet.

La práctica totalidad de lo que aquí suena respira un aire de melancolía y tristeza, de decadencia y abatimiento. Si su toque había perdido brillo e intensidad, su canto se había hecho impreciso y confuso.
En todo caso la estupenda edición de este cofre, es una buena oportunidad para revisar la trayectoria de un hombre que tuvo una vida marcada por las drogas, las mujeres y el jazz. Y que, en última instancia, no dejo de ser nunca un perseguidor.

Músicos: Chet Baker (trompeta, voz); Gerry Mulligan (saxo baritono); Stan Getz (saxo tenor); Art Pepper (saxo alto); Russ Freeman piano); Phil Urso (saxo tenor); Jimmy Bond (contrabajo); Bobby Timmons (piano); Peter Littman (batería), Paul Chambers (contrabajo); Connie Kay (batería)…
Discográfica: Le Chant du Monde
Distribuidora: Harmonia Mundi
Año: 2011
Estilo: Jazz moderno

Misión Imposible 4 o de las frustradas expectativas

2012-01-10T09:39:00.002+01:00

El peligro de los elogios en la críticas a las obras de arte, sea en la disciplina que sea, es que cuando el nuevo espectador se acerca a verlas se sienta decepcionado porque lo que ve, lee u oye no está a la altura de los esperado. Esto es justamente lo que sucede con Misión Imposible 4. Protocolo fantasma, dirigida por Brad Bird.

Los elogios a la cinta hablaban de ella como la mejor de la saga y sin duda como la más espectacular. Pues bien, a fuerza de ser sinceros hay que señalar que no es para tanto. De inicio se podría decir que le sobran, al menos tres cuartos de hora, y es que tanta aventura, tanta carrera, tanto salto, tanto de todo cansan hasta al más entusiasta.
El problema no está en que el gran personaje de la serie, Nathan Hunt (Tom Cruise), corra, nade, salte y haga todo tipo de piruetas; la cuestión está en que todo esta demasiado alargado. Un ejemplo, la pelea final en el aparcamiento de coches de Bombay con el malo de la cinta, el científico loco Kurt Hendricks (Michael Nyqvist), está tan estirado que es como un mal lifting. Como el desarrollo de lo que sucede está tan dilatado, al final ocurre lo que sucede en estas ocasiones; se vuelve previsible.
Así que lo que podría haber sido un festín de testosterona, acción de la buena, aventura contemporánea, lo que termina provocando es un ligero aburrimiento.
El que ahora mismo una película aburra o no este a la altura de las expectativas tiene un grave riesgo y es que el espectador termine por preguntarse si merece la pena el esfuerzo de ir al cine, pagar una entrada que ya no es barata, sentarse en unas butacas que no se caracterizan por su comodidad, y no esperar a la edición en dvd (ya no comento lo del streaming) para verlo tranquilamente en la comodidad del hogar, en tu sofá, con tus cervezas y tu comodidad absoluta.

No se trata de que Misión Imposible 4. Protocolo fantasma, que ha arrasado en la taquilla cinematográfica, dicho sea de paso, convirtiendo a la saga en la más rentable, y en la más interesante de todas las que ahora mismo circulan en el cine, sea mala y que haya que rechazarla de plano. No se trata de eso, pues hay momentos muy brillantes y divertidos en la película (la subida al vagón del tren), se trata más bien, de que generar demasiadas expectativas puede resultar muy frustrante y esto es, a la larga, malo para el negocio.
Ah!, aunque el final aparece en forma de cameo, echamos de menos de Ving Rhames y saludamos la llegada al equipo de Paula Patton. Y que Misión Imposible 5, que me da que la habrá, este a la altura de lo prometido.

Título: Misión: Imposible – Protocolo Fantasma
Director: Brad Bird
Reparto: Tom Cruise, Jeremy Renner, Paula Patton, Simon Pegg
Año: 2011
Duración: 133 minutos

Olga Román: Seguir caminando

2012-01-10T09:36:00.004+01:00

El tercer disco en diez años de carrera en solitario de Olga Román, y que lleva por título Seguir caminando (Vueltas y Vueltas Producciones/Karonte), la consolida como una de las mejores cantantes del panorama musical español.

La música de Olga Román atrapa al oyente por intangible como es el hecho de que transmite empatía, de que lo que está cantando lo está haciendo para ti sólo. Seguir caminando, el trabajo más desenfadado de la artista, es un disco que quiere transmitir positividad, pero sin caer en la estéril y banal mirada de la autoayuda y el pseudos misticismo tan boga últimamente (cuanto daño has hecho Coelho).
Con unas magníficas y adultas letras escritas a su medida por Juan Uría, a las que ella misma ha puesto la música, la propuesta de Román resulta difícil de enmarcar: se adentra en la tradición del pop adulto (tipo Carly Simon), pespunteado por recursos del jazz y matizado con colores latinoamericanos; y todo ello asentado sobre una voz limpia, empleada con suma naturalidad.
Seguir caminando, que llega tras un lustro de silencio, se grabó en Madrid durante tres escasos días, así de claro lo tenía Olga Román; y lo ha hecho de manera muy jazzísitica; registrando las bases, incluyendo la voz, en directo en el estudio, lo que aporta un plus de cercanía al disco.
De las catorce canciones que componen el disco merece destacarse temas como el estupendo tema que da título al álbum, No me digas, o la estupenda versión que hace del Rabo de nube de Silvio Rodríguez. También hay que destacar la partipación de Pablo Milanés en Cada vez que te vas, y de Joaquín Sabina (es sabido que Román fue su corista durante más de un década) en Margarita.

Y no, no esperes a escuchar este disco en las radiofórmulas; este es un álbum de música adulta; así que corre a comprarlo (no cometas la vulgaridad de descargártelo) y disfrútalo.

Discográfica: Vueltas y Vueltas Producciones
Distribuidora: Karonte
Año: 2011
Estilo: Pop

Las exposiciones para el año 2012

2012-01-04T11:34:00.014+01:00

Edward Hopper, David Hockney, Chagall, Claes Oldenburg, Botero, Hans Haacke, María Blanchard, James Coleman, Goya,... son algunos de los artistas que van a protagonizar la cargada agenda de exposiciones del año 2012.

Museo Guggenheim de Bilbao

El espejo invertido: Arte de la Fundación "la Caixa" y del MACBA. Del 31 de enero al 2 de septiembre de 2012
En 2010, la Fundación "la Caixa" y la Fundación MACBA firmaron un acuerdo con el fin de unir sus colecciones de arte contemporáneo. Este acuerdo supuso la creación de uno de los fondos artísticos más significativos de España del período comprendido entre la segunda mitad del siglo XX y la actualidad, formado por 4.450 obras que se interrelacionan y complementan entre sí, y donde destacan determinados artistas que cuentan con una notable presencia en ambas colecciones, como Pablo Palazuelo o Bruce Nauman.

David Hockney: El gran cuadro. Del 15 de mayo al 30 de septiembre de 2012
Presentará un conjunto de obras recientes realizadas por el destacado artista británico e inspiradas en el paisaje del este de Yorkshire. Aproximadamente doscientos cuadros, la mayoría de ellos de formato ambicioso y realizados en los últimos seis años, se expondrán junto con una cuidada selección de piezas de entre 1956 y 2000, que evidencian la continua exploración y fascinación de Hockney por el paisaje.

Cristina García Rodero: Entre el cielo y la tierra. Del 25 de septiembre de 2012 al 13 de enero de 2013
Entre el cielo y la tierra presentará la obra de madurez de la artista Cristina García Rodero. Un centenar de fotografías, entre las más representativas de los últimos veinte años, mostrarán la evolución de su carrera y ofrecerán una oportunidad única para evidenciar sus intereses estéticos, temáticos y existenciales.

Egon Schiele. Del 2 de octubre de 2012 al 6 de enero de 2013
Con unas noventa piezas de Schiele procedentes de la colección de obra gráfica de la Albertina, esta muestra será una completa aproximación al arte del gran expresionista austríaco. En sus obras, procesos como la utilización decorativa de las superficies planas o las fluidas líneas ornamentales del estilo de la Secesión vienesa, sirven a Schiele para desarrollar una forma muy personal y característica de expresionismo que le es propia. Por ello, la muestra también dedica una sección a otra de sus líneas de trabajo, el autorretrato.

Claes Oldenburg. Del 30 de octubre de 2012 al 17 de febrero de 2013
Claes Oldenburg, nacido en Estocolmo en 1928, ha sido una figura influyente en el desarrollo del arte desde la década de 1950. No solo es uno de los principales defensores del happening, el arte pop y el arte de instalación, sino que sus monumentales proyectos de gran escala desafiaron las nociones pre-existentes del arte en el espacio público. El recorrido de la exposición comenzará con instalaciones tempranas e importantes, como La calle (1960) y La tienda (1961), así como con los happenings que las acompañaban. La visita continuará con notables ejemplos de sus espectaculares esculturas de objetos cotidianos, para terminar con una presentación de sus gigantescos monumentos realizados en numerosas ciudades a partir de los años setenta.

Selecciones de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao III. Del 27 de noviembre de 2012 al 1 de enero de 2013
Ésta es la tercera muestra de un ciclo de exposiciones programado para los años 2009 a 2012 en torno a los fondos de la colección del Museo Guggenheim Bilbao, que actualmente comprende 113 obras de 69 artistas. La colección posee un carácter internacional, con atención a la creación local; aborda tanto los grandes nombres de la historia del arte del siglo XX, como los artistas jóvenes; incluye diferentes medios y lenguajes artísticos, y atesora obras producidas o creadas expresamente para los espacios singulares del edificio de Frank Gehry.

Museo de Bellas Artes de Bilbao

Anselmo Guinea (1855-1906). Del 13 de febrero al 10 de junio de 2012
Primera exposición monográfica dedicada al pintor bilbaíno Anselmo Guinea (1855-1906) para la que se reunirán más de 80 obras, de las cuales más de la mitad son inéditas y otra buena parte no ha sido expuesta al público desde hace más de 100 años. Es, por tanto, una ocasión única para valorar el delicado virtuosismo y la espléndida captación de la luz de un pintor fundamental para conocer las transformaciones estéticas de la pintura vasca del cambio de siglo. La exposición, además, ha propiciado un exhaustivo trabajo de investigación a cargo del historiador Mikel Lertxundi, quien pertenece a la Comisión Asesora Artística del Museo.

La maleta mexicana. Del 27 de febrero al 10 de junio de 2012
Tras su paso por Barcelona, la exposición mostrará las fotografías tomadas por Robert Capa, David Seymour “Chim” y Gerda Taro durante la Guerra Civil. Se trata de tres cajas de negativos conocidas como la "maleta mexicana", que se habían dado por perdidas y que reaparecieron en Ciudad de México en 1995. Estos tres reporteros, considerados los primeros fotógrafos de guerra de la era moderna, fueron no sólo testigos de excepción del conflicto bélico sino también, y a través de sus fotografías, activos militantes contra el fascismo.

Goya. Estampas de invención. Del 11 de junio al 23 de septiembre de 2012
La exposición mostrará las cuatro series de grabados referenciales de Francisco de Goya (Fuendetodos, Zaragoza, 1746-Burdeos, Francia, 1828) que se conservan en el extenso fondo de obra sobre papel perteneciente a la colección del Museo de Bellas Artes de Bilbao: Los Caprichos (80), Los Desastres de la Guerra (80), La Tauromaquia (40) y Los Disparates (18).

Botero. Celebración. Del 8 de octubre de 2012 al 20 de enero de 2013
Pintor, dibujante y escultor, Fernando Botero (Medellín, Colombia, 1932) es el más conocido de los artistas latinoamericanos en activo. La exposición Fernando Botero. Celebración será la mayor antológica de su carrera artística y reunirá un centenar obras, realizadas en los últimos sesenta y cinco años.

José Ramón Anda. Del 7 de julio al 9 de septiembre de 2012
La muestra recogerá una selección de piezas recientes del escultor navarro José Ramón Anda (Bakaiku, 1949). Serán alrededor de treinta esculturas, realizadas principalmente en madera. Entre ellas se incluyen piezas pertenecientes a las series Planos cruzados, Troncos vacíos y Mobiliarios.

Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid

Chagall. Del 14 de febrero al 20 de mayo de 2012
Esta exposición será la primera gran retrospectiva dedicada al artista ruso en España y, como principal objetivo, destacará el gran papel que su obra ocupa en la Historia del Arte. Las salas del Museo Thyssen-Bornemisza expondrán trabajos de sus primeros años y de su periodo en París, la capital de la vanguardia en ese momento; también se recogerá su experiencia en la Rusia revolucionaria y en Francia, hasta llegar al exilio forzado en Estados Unidos en 1941.

Edward Hopper. Del 12 de junio al 16 de septiembre de 2012
La exposición Edward Hopper será fruto de un proyecto de colaboración del Museo Thyssen-Bornemisza y la Réunion des Musées Nationaux de France. A pesar de su gran popularidad y aparente facilidad, las obras de Hopper son uno de los fenómenos más complejos del arte del siglo XX. Para mostrarlo, la exposición estará organizada en dos partes: una primera mitad que recorrerá la formación del artista, aproximadamente de 1900 a 1924; y una segunda parte, a partir de 1925, que presentará su producción madura y que buscará ilustrar su carrera de la forma más completa y amplia posible.

Viaje a lo exótico. Homenaje a Gauguin. Del 09 de octubre de 2012 al 13 de enero de 2013
La huida de Paul Gauguin a Tahití, donde reconquistó el primitivismo a través del exotismo, es el hilo conductor de esta exposición que, a través de una amplia selección de artistas de finales del siglo XIX y principios del XX, se propone descubrir de qué forma el viaje hacia mundos supuestamente más auténticos produjo una transformación del lenguaje creativo, y en qué medida esta experiencia condicionó la transformación del modernismo.

Museo Reina Sofía

Hans Haacke. Del 14 febrero al 23 de julio de 2012
Hans Haacke (Colonia, 1936) está considerado pionero y uno de los principales representantes de la llamada crítica institucional surgida a finales de los años sesenta. Su trabajo explora los mecanismos de construcción y transmisión del poder a través de la institución como estructura reguladora de todas las dinámicas económicas, artísticas, políticas y sociales.

James Coleman. Del 24 de abril al 27 de agosto de 2012
Esta exposición será la primera gran retrospectiva que se realice de la obra de James Coleman (Ballaghaderreen, Irlanda, 1941). Conformada por unas 15 obras, la muestra incluye desde sus piezas iniciales realizadas en Milán en los años setenta hasta su trilogía de los años noventa, formada por Background, Lapsus Exposure e Initials, así como otras piezas cruciales como Fly, Box, Untitled: Philippe Vacher y la obra Retake with Evidence presentada en la Documenta 12, que explora, a través del la imagen audiovisual procedente de diversos soportes, las relaciones temporales entre imagen y sujeto.

Nacho Criado. Del 8 de mayo al 1 de octubre de 2012
Una nutrida selección de piezas propondrá un acercamiento a las constantes y preocupaciones de la práctica artística de Nacho Criado (Mengibar 1943 - Madrid 2010). Incluirá desde sus piezas iniciales en madera hasta sus monumentales y características esculturas de hierro y cristal, así como otras obras en fotografía, maquetas, dibujos y vídeos.

Rosemarie Trockel: Un cosmos. Del 22 de mayo al 24 de septiembre de 2012
La muestra Un Cosmos reunirá una serie de piezas que darán cuenta del ideario y afinidades estéticas de Rosemarie Trockel, en diálogo con una selección de su propia obra realizada en diversos momentos.

Espectros de Antonin Artaud. Lenguaje y Arte en los años cincuenta. Del 18 de septiembre al 17 de diciembre de 2012
La muestra abordará la influencia del poeta, dramaturgo y actor francés Antonin Artaud (Marsella, 1896-París, 1948) en las artes plásticas, centrándose en su legado crucial para entender las neovanguardias de la posguerra en Estados Unidos, Francia y Brasil.

Encuentros con los años treinta. Del 2 de octubre de 2012 al 7 de enero de 2013
La década de los treinta fue un momento turbulento con el ascenso de los gobiernos totalitarios y la constante migración de artistas como parte del entorno social, económico y político que estuvo marcado por los sueños utópicos y la agitación del momento. Esta exposición presentará la década basándose no sólo en las narrativas propagandísticas (a pesar de que es una característica esencial de los treinta), sino en el hecho de cómo los artistas tuvieron que trazar su propio camino en un ambiente de creciente violencia. El tema central de la exposición analizará los caminos que trazaron los artistas en las relaciones interpersonales e internacionales como motor de producción artística.

María Blanchard. Del 16 de octubre de 2012 al 25 de febrero de 2013
La exposición dedicada a María Blanchard (Santander, 1881-París, 1932) quiere reivindicar a esta artista española que vivió la pintura con todas sus incertidumbres y convicciones y que llegaría a ser una de las grandes figuras de la vanguardia. Nacida el mismo año que Picasso, Gargallo o Vázquez Díaz, Blanchard perteneció a una generación de artistas cuyo reconocimiento nunca fue parejo con el suyo. Su desarrollo artístico fue tardío, no alcanzando la madurez creativa hasta bien entrada la treintena, tras instalarse en París. Hasta los años setenta, con la monografía de Rodríguez Alcalde, fue objeto de una visión sesgada que redujo el estudio de su obra pictórica a unos pocos tópicos y se centró en buscar una justificación biográfica a su estilo.

Museo Nacional d Arte de Catalunya (MNAC)

Dioses y mitos de la Antigüedad. La evidencia de la moneda de Hispania. Del 18 de febrero de 2012 al 13 de marzo de 2013
Organizada por el Gabinete Numismático de Cataluña, esta muestra propone una aproximación a las divinidades, a los mitos y a los cultos de los habitantes de la Península Ibérica, desde el siglo V aC hasta la llegada de los visigodos. La muestra se estructura en tres ámbitos, el primero de los cuales analizará los cultos griegos y orientales. El segundo ámbito de la exposición estará dedicado a la religiosidad de las poblaciones indígenas. El tercer ámbito analizará la presencia de dioses y cultos romanos en Hispania hasta la llegada de los visigodos.

Cataluña 1400. El gótico internacional. Del 30 de marzo de 2012 al 15 de julio de 2012
El MNAC prepara la primera gran exposición sobre uno de los ciclos más creativos en la historia del arte catalán, que coincide con la etapa del arte gótico europeo conocida como “gótico internacional”. Este período, que se inicia a finales del siglo XIV y se alarga hasta finales del XV, ha dado algunos de los artistas catalanes más relevantes de todos los tiempos y que ocupan un merecido lugar en la historia del arte europeo, como es el caso de Lluís Borrassà, Rafael Destorrents, Pere Joan y Bernat Martorell.

El MNAC explora. Obras de arte a examen. De octubre de 2012 a enero de 2013
La sorpresa, el descubrimiento, la revelación, la confirmación o el desengaño son algunos de los sentimientos y experiencias que pueden vivir los especialistas que se adentran en el estudio científico y técnico de las obras de arte. A lo largo de su historia, el MNAC ha profundizado en el conocimiento de las obras de sus colecciones, y también de otras obras que están relacionadas con ellas, obteniendo resultados a veces frustrantes, a menudo curiosos y también, de vez en cuando, espectaculares. El público, sin embargo, no ha tenido en general la oportunidad de conocer los resultados de estas investigaciones que comparten conservadores de colecciones, historiadores del arte, conservadores, restauradores y científicos.

Esther Ferrer en Artium con 'En cuatro movimientos'

2012-01-04T10:25:00.002+01:00

Después de muchos años de actividad creativa en los que ha desarrollado un gran número de series de trabajo y ha realizado performances prácticamente en todo el mundo, el trabajo de Esther Ferrer (San Sebastián,1937) por fin empieza a reconocerse en España. Afortunadamente, a partir de la obtención del Premio Nacional de Artes Plásticas en 2008, su figura y la importancia de su aportación al arte conceptual comiezan a tener una mucha mayor visibilidad.

En cuatro movimientos, la exposición que presenta hasta el 8 de enero en Artium, el Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria (Álava), no pretende ser antológica, ni un intento de mostrar toda su trayectoria o sus vertientes creativas, sino que se configura como una acción en cuatro tiempos, un planteamiento individualizado del tratamiento de diferentes conceptos esenciales no sólo en su trabajo sino en la generalidad del trabajo conceptual.
La muestra se sustenta sobre cuatro conceptos: Tiempo, Infinito, Repetición y Presencia. Cada uno de ellos se trata de forma transversal a partir de tres tipos de obras de Ferrer. En primer lugar, obras de carácter objetual, bien sean fotografías, cuadros u objetos que en sí mismos mantienen la idea de obra de arte. En segundo lugar, instalaciones realizadas específicamente en las salas del museo, alguna de ellas inédita. Y, finalmente, cada concepto se ilustra con un obra performática. Dada la imposibilidad de plantear una performance que pueda durar el tiempo de una exposición, este apartado se presenta exclusivamente con material estrictamente documental consistente en dibujos, fotografías y vídeos, en ningún caso considerados como obras de arte en sí mismos.
En cuatro movimientos permite al espectador acercarse a la obra de Esther Ferrer en todas sus dimensiones y formalizaciones solamente con 12 obras muy concretas que condensan los temas más importantes con los que ha trabajado durante toda su trayectoria.

Qué: Esther Ferrer. En cuatro movimientos
Cuándo: Hasta el 8 de enero de 2012
Donde: Artium. Vitoria

Reich: Three Movements, The Desert Music

2012-01-02T10:11:00.001+01:00

Three Movements y The Desert Music son dos de los escasas obras orquestales del compositor norteamericano Stve Reich que ahora aparecen en una nueva grabación bajo la dirección de Kristjan Järvi, con resultados sobresalientes.

De excelente cabe calificar este disco que recoge dos de las composiciones más ambiciosas de Steve Reich (Nueva York, 1936); Three Movements, de 1986, y The Desert Music, de 1984. Y es que el director estonio Kristjan Järvi, con una dirección incisiva y rica en matices; al frente de la Tonkünstler Orchester de Viena y del coro vienés, Chorus Sine Nomine, interpretan estas dos piezas con una precisión y una profundidad encomiables, rozando la perfección en las mismas.
Respecto de Three Movements se puede afirmar que han grabado la obra de referencia de esta composición. El propio Reich, que asistió a la grabación del disco, ha dicho de ella que es “la mejor que he escuchado nunca”. Y es que el resultado es simplemente apasionante. No menos absorvente es el resultado de The Desert Music, tal vez una de las obras más ambiciosas de Steve Reich. Hay que destacar el trabajo del Chorus Sine Nomine así como la perfecta métrica de la orquesta.
The Desert Music fue grabada en la ORF Radio Kulturhaus de Vienna en octubre de 2006, mientras que Three Movements fue registrada en el Musikverein de Viena en noviembre de 2007.

Steve Reich, que está considerado como el mejor compositor norteamericano vivo, ha compuesto a lo largo de su carrera pocas obras para orquestas ya que su trabajo ha estado más centrado en obras para pequeños grupos (no en vano su grupo, Steve Reich and Musicians, consta de un máximo de 18 intérpretes y un mínimo de dos); con lo que este muy recomendable disco es perfecto para acercase a la obra sinfónica de este esencial compositor del siglo XX.

Músicos: Kristjan Järvi (director); Chorus Sine Nomine. Tonkünstler Orchester
Discográfica: Chandos Records
Distribuidora: Harmonia Mundi
Año: 2011
Estilo: Minimalismo, Música contemporánea

Bombino: Agadez

2012-01-02T10:07:00.003+01:00

El guitarrista tuareg Omara ‘Bombino’ Moctar presenta Agadez (Cumbancha/Karonte), un disco en homenaje a su ciudad natal, grabado en estudio y en directo, donde muestra sus vivencias y sus anhelos futuros.El disco contiene el tema Iyat Idounia Ayasahen, sin duda una de las mejores canciones que ahora mismo se pueden escuchar.

La música del guitarrista Omara ‘Bombino’ Moctar representa perfectamente a su ciudad natal, Agadez (Niger): situada en medio del gran desierto del Sahara fue durante siglos punto de encuentro de las caravanas nómadas de camellos. Y así es la música de Bombino, un encuentro de sonidos donde se citan desde Tinariwen y Ali Farka Touré hasta Jimi Hendrix, John Lee Hooker y Jimmy Page.
Agadez ha sido grabado en dos localizaciones muy distintas. Una fue en estudio en los Estados Unidos y la otra recoge parte de una actuación en directo en la ciudad que da título al disco.
Los temas aparecen mezclados en el cedé y no se especifica cuál está grabado en la comodidad de un estudio o en el desierto sahariano, pero basta escuchar las canciones para darse cuenta rápidamente de donde surge cada una. Las canciones registradas en EE.UU muestran a un Bombino tímido y contenido, mientras que las registradas en directo desprenden una energía electrificante. Ahí están Tar hani, Kammou Taliat o esa maravilla titulada Iyat Idounia Ayasahen, sin duda una de las mejores canciones que ahora mismo se pueden escuchar. Música repetitiva de muy alto nivel que atrapa sin piedad.

Buena parte de la música de Bombino nace como respuesta a la violenta represión perpetrada por fuerzas gubernamentales nigerianas contra los tuareg para sofocar las revueltas a favor de la independencia que estos protagonizaron. De hecho Bombino tuvo que exiliarse largos años para huir de la represión.
En definitiva, en Agadez se pueden escuchar algunos de los riffs más subyugantes de lo que se lleva de 2011 y en él se combinan tanto los sonidos que pueden hacer disfrutar los sábados por la noche como los que pueden hacer levantarse los domingos por la mañana.

Músicos: Omara ‘Bombino' Moctar (guitarra, voz); Kawissan Mohamed (guitarra); Ibrahim Emoud Atchinguil (batería). Músicos invitados Ed Lucie (bajo); Chris Deoato (guitarra rítmica); Ghissa Tshoda (Lalo) Joe Galeato, Chris Decato, Ron Wyman, Mohamed Serge (percusión)
Discográfica: Cumbancha
Distribuidora: Karonte
Año: 2011
Estilo: World music

Eduardo Galeano: Los sueños de Helena

2011-12-30T11:24:00.002+01:00

Uno de los premios más justos de todos, y son muchos, de los otorgados este año ha sido el concedido a Libros del Zorro Rojo por el Ministerio de Cultura a la Mejor Labor Editorial 2011, y la edición de Los sueños de Helena de Eduardo Galeano no hace otra cosa que confirmar la formidable labor de esta pequeña y exquisita editorial.

Bajo la excusa de exponer el imaginario onírico de su mujer Helena Villagra, Los sueños de Helena está compuesto de una serie de relatos breves, mitad oníricos, mitad poéticos y siempre soñadores. Salvo Casa que viaja, que es la primera vez que se edita, el resto de los textos presentados han ido apareciendo a lo largo de los años en distintos libros del escritor uruguayo, tales como Memoria de fuego (1982), El libro de los abrazos (1989), Las palabras andantes (1993), Bocas del tiempo (2004) o Espejos (2008).
En los pasajes seleccionados hay referencias a Cortázar y Juana Inés de la Cruz pero también a su perrita Pepa Lumpen, a la que le dedica uno de los más tiernos escritos, a casas en el aire, a tarros de palabras para poetas, a finales de exilios, a amigos, a viajes... Galeano entra aquí directamente en el mundo del subconsciente, la fantasía, lo irreal. El sueño de la razón aquí no genera monstruos sino amor por la vida.
Pero si los textos son buenos no le van a la zaga las ilustraciones que le acompañan, obra de Isidro Ferrer (Madrid, 1963), que convierten a este libro en una auténtica obra de arte. Este ilustrador, diseñador y escenógrafo ha hecho un trabajo, con evidentes referencias a otro gran artistas uruguayo como fue el pintor Joaquín Torres García. Isidro Ferrer ha creado unas ilustraciones -collages- fotografiando composiciones que unen dibujo, carpintería, papiroflexia y bazar vario consiguiendo un fuerte impacto gráfico.Los sueños de Helena es un título en el que brillan a alto nivel la edición, el texto y la ilustración. Tener este libro en las manos es todo un lujo por su gran formato, su cuidada composición y por unos materiales de gran calidad.

Editorial: Libros del Zorro Rojo
Páginas: 59
Año: 2011

Varios Artistas: Celtic Christmas

2011-12-30T11:12:00.002+01:00

Aún seguimos en Navidad, al menos hasta la festividad de Reyes Magos, y en este tiempo hay que rescatar las canciones que se cantaban en esta época, y no sólo los villancicos, y a esta labor es lo que se dedica este hermoso disco que aparece bajo el título de Celtic Christmas (Putumayo/Karonte)

Las once canciones de este disco, lleno de arpas, flautas, zanfonas, violines y acordeones, pertenecen al acervo cultural del mundo gaélico (Irlanda, Escocia, Inglaterra, Canadá y Estados Unidos, estos dos últimos países a través de la emigración) y más que villancicos en sentido estricto, se trata más bien de canciones propias de la estación invernal. Son piezas cuyo origen está en los cuentos y relatos paganos que han ido transmitiéndose de padres a hijos en las celebraciones del solsticio de invierno.
La colección comienza con la alegre interpretación de Here We Come A-Wassalling a cargo de la efímera The Albion Christmas Band, banda creada por Ashley Hutchings, fundador de dos de los grupos más emblemáticos del folk inglés: Steeleye Span y Fairport Convention.
El disco continúa con la preciosa versión instrumental de O Come, O Come Emmanuel a cargo del canadiense Charles T. Cozen, que aparece también en la versión para flauta de Good King Wenceslas. Otra que aparece por partida doble es la arpista irlandesa Áine Minogue, primero en solitario con Manx Jezebel Carol y segundo con su grupo DruidStone, para interpretar esa balada francesa del siglo XV titulada Noël Nouvelet.
Como curiosidad hay que mencionar dos canciones; una, la versión en gaélico que Lasairfhíona Ní Chonaola hace del White Christmas (Nollaig bhán); y dos, la versión instrumental del clásico Little drummer boy, que el trío de Seattle (EE.UU) The Gothard Sisters ha decidido cambiarle de sexo y la llama Little drummer girl (cosas de lo políticamente correcto se supone).

El álbum se completa con canciones a cargo de David Huntsinger (Angels We Have Heard On High); Steve Schuch & The Night Heron (Joy To The World); David Arkenstone (God Rest Ye Merry Gentlemen) y Dougie MacLean quien cierra la colección con una versión escocesa de Auld Lang Syne.
Es justo reconocer que el conjunto de Celtic Christmas, que apenas dura media hora, es cuando menos, encantador. Un disco hermoso y distinto para la siempre agridulce Navidad.

Músicos: The Albion Christmas Band, Charles T. Cozens The Gothard Sisters, DruidStone David Huntsinger Charles T. Cozens, Lasairirfhíona Ní Chonaola, Steve Schuch & Night Heron Consort, Áine Minogue, David Arkenstone, Dougie MacLean
Discográfica: Putumayo
Distribuidora: Karonte
Año: 2011
Estilo: World music

Drive, solo espera 5 minutos

2011-12-30T11:09:00.003+01:00

Drive es la primera obra rodada en Estados Unidos por el director danés Nicolas Winding. Esta es una cinta que mezcla a partes iguales el cine de acción americano más trepidante y violento (la mirada de Tarantino anda por ahí) junto con el cine negro europeo, donde la figura de Jean Pierre Melville cobra especial importancia, en especial con el tratamiento de los silencios del protagonista. Drive, que adminsitra muy bien los tiempos, no te deja levantarte de la butaca durante sus cien minutos de duración.

La cinta narra la vida de Driver (Ryan Gosling), un conductor especialista de cine por el día y un conductor para fugas por la noche, que nunca espera más de cinco minutos. Pero no importa el trabajo que tenga que hacer porque Driver se siente siempre a gusto al volante. Shannon (Bryan Cranston), mentor y jefe de Driver, desde que se dio cuenta de su talento conduciendo, le busca directores de cine y televisión para sus películas o criminales que necesiten al mejor conductor para sus fugas, llevándose comisión en ambos casos. Pero el mundo de Driver cambia el día que conoce a Irene (Carey Mulligan).

Y a partir de aquí vayan a verla si pueden y tienen tiempo.

Título: Drive
Director: Nicolas Winding Refn
Reparto: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Ron Perlman, Christina Hendricks, Bryan Cranston
Año: 2011
Duración: 100 minutos

Helio Alves: Música

2011-12-29T09:36:00.003+01:00

Felicidad, brillantez y, casi con toda seguridad habida cuenta del título, un doble manifiesto de, por un lado, cómo entiende que debe de ser, o al menos de cómo tocarla; y por otro, de los músicos a los que admira; es lo que se puede encontrar en este magnífico disco que entra al oyente desde el primer acorde.

El cuarto disco como líder del pianista brasileño Helio Alves es un álbum bonito y atrayente desde el principio hasta el final. En fin, uno de esos discos que acompaña muy bien al aficionado, repleto de música de calidad y energía. Alves demuestra que es un interprete imaginativo, dinámico, inventivo y con un exuberante fraseo y este Música lo confirma como uno de los pianistas más brillantes de la actual escena jazzística.
Pero no sólo Helio Alves brilla en el disco, sus acompañantes también rinden a gran altura; y así, Rueben Rogers hace un trabajo exquisito al contrabajo y en Sombra está simplemente brillante; mientras que Antonio Sánchez lleva con exquisita delicadeza todos los temas del disco. La presencia de dos viejos colegas como Claudio Roditi y Romero Lubambo, dos invitados perfectos, añaden lustre a este disco.
Salvo Black Nile de Wayne Shorter y Chan’s song de Herbie Hancock y Steve Wonder, las otras siete canciones son todo obras de compositores brasileños; y en este sentido el disco se muestra como un desfile de lo más granado del jazz brasileño sin caer en los tópicos habituales en este tipo de propuestas. Hay temas de Dom Salvador (Gafiera), de Dori Caymmi (Flor das estradas), de Hermeto Pascual, de Moacir Santos (Kathy), de Claudio Roditi (Adeus Alf) y del propio Alves, que participa con dos composiciones; Sombra y Tribute to Charlie 2.

A lo largo del disco queda patente que Alves respira tanto el jazz como la música de Brasil. O sea, que un disco muy recomendable desde cualquier punto de vista.

Músicos: Helio Alves (piano); Rueben Rogers (contrabajo); Antonio Sanchez (batería); Claudio Roditi (trompeta, fliscorno); Romero Lubambo (guitarra)
Discográfica: Jazz Legacy Productions
Distribuidora: harmonia Mundi
Año: 2010
Estilo: Jazz, Bossa nova

Cannonball Adderley Quintet - Them dirty blues

2011-12-29T09:32:00.002+01:00

Resulta muy difícil resistirse a discos como este. Las razones son fundamentalmente dos: la primera, las excelentes composiciones, que con el tiempo han pasado a convertirse en standars por derecho propio; y el segundo, la presencia de cinco formidables músicos en lo mejor de su carrera.

A media que se van reeditando los discos de Julian ‘Cannonball’ Adderley se va constatando que este hombre es uno de los mejores saxos altos del jazz, poseedor de un swing envidiable y de una inventiva melódica envidiable; y todo ello sin contar con el lirismo que sabe incorporar a su música. Lo grande de ‘Cannonball’ Adderley es que parece ser siempre un hombre comedido, que no necesita sobrarse en la velocidad de sus solos, aunque cuando es menester lo hace, pero tiene el don de la medida.
Them dirty blues se grabó originalmente en 1960 para el sello Riverside, poco después de que Aderley dejara el grupo de Miles Davis con el que registró el mítico Kind of blue, y él supuso el reencuentro con su hermano Nat y la inclusión de una sección rítmica que será fundamental en esos años; Bobby Timmons al piano; Sam Jones al contrabajo y Louis Hayes a la batería. En esta grabación también participó el pianista Barry Harris.

Este excelente disco marcó el inicio de la época más funky del quinteto y con ello el aumento de la popularidad entre los aficionados al jazz. Entre los temas que suenan están “Worlk song”, la extraordinaria composición de Natt Adderley, Jeannine, de Duke Person, que es de lo mejor del disco, Soon de los Gerswhin; y todo se va completando con piezas firmadas por Timmons (Dat dere) y San Jones (Del Sasser). Esta reedición se completa con tres temas extraídos del concierto que ofreció el quinteto formado por los hermanos Adderley, Sam Jones, Louis Hayes y Barry Harris el 29 de marzo de 1960 en el festival de Newport.
Para no dejarlo pasar.

Músicos: Cannonball Adderley Quintet (saxo alto); Natt Adderley (trompeta); Barry Harris (piano); Sam Jones (contrabajo) Louis Hayes (batería); Bobby Timmons (piano)
Discográfica: Essential Jazz Classics
Distribuidora: Distritjazz
Año: 2010
Estilo: Jazz moderno

Doug Webb: Midnight

2011-12-29T09:28:00.003+01:00

El saxofonista Doug Webb lidera un excelente cuarteto en este Midnight que tiene todo el aroma de los grandes y clásicos discos de jazz. Este álbum transmite sensaciones de ambientes nocturnos, de clubs de jazz a media luz…

Doug Webb es un saxofonista poco conocido, pero al que (casi)todo el mundo ha escuchado en algún momento pues su saxo es el que suena cuando Lisa Simpson toca su instrumento. Webb lleva más de treinta años en los escenarios, y ha tocado con gentes como Bud Shanks, Horace Silver y Freddie Hubbard, dentro del mundo del jazz; así como con músicos pop-rock como es el caso de Rod Stewart, y todo ello sin contar sus trabajos por la televisión.
Los ocho temas del disco, todos standars, contienen un hermoso toque de nostalgia que le sienta de maravilla. Desde su inicio con Try a little tenderness hasta su final con Emily de Johnny Mendell, este Midnight se presenta como un disco muy sólido, lleno de clasicismo y muy buen hacer. Uno de los mejores momentos del disco es la versión, del Fly me to the moon, con ese punto bossa nova que tiene. Uno de los puntos fuertes del disco es que el cuarteto toca con un relajación y una tranquilidad sobresaliente.

Si no conoce a Doug Webb este es un disco con el que merece la pena acercarse a su trabajo, y si ya lo conoce, también. En todo caso, uno de esos discos aparecidos en 2010 que no debieran pasar desapercibidos porque es un gran disco de jazz de toda la vida.

Músicos: Doug Webb (saxos); Larry Goldings (piano); Stanley Clarke (bajo); Gerry Gibbs (batería); Joe Bagg (piano); Mahesh Balasooriya (piano)
Discográfica: Posi-Tone Records
Distribuidora: Distrijazz
Año: 2010
Estilo: Jazz

Quinta edición de Dock Of The Bay en San Sebastián

2011-12-26T10:18:00.005+01:00

Dock Of The Bay, la muestra de cine documental musical de San Sebastián, celebra su quinta edición con una programación extensa tanto en películas como en actividades paralelas. Durante la semana del 8 al 15 de enero en el Teatro Principal y en los cines Trueba se ofertará una selección de los mejores documentales musicales internacionales de 2011, un género que cuenta con un espacio propio en el panorama cinematográfico donostiarra.

Next Station: Morocco, documental dirigido por Fermin Muguruza, Queen – Days Of Our Lives, que repasa la trayectoria de la mítica banda británica, o The Sacred Triangle: Bowie, Iggy & Lou, serán los platos fuertes de la muestra. A estos títulos se añadirán Toots and The Maytals – Reggae got Soul, un excelente largometraje que indagará en el origen del Otis Redding jamaicano, Talihina Sky: The Story Of Kings Of Leon, The Black Power Mixtape, un extenso metraje sobre nueve años de nacionalismo negro, Last Days Here, pieza ganadora del Festival In Edit de este año o Quiero tener una ferretería en Andalucía, documental que nos retratará los años perdidos de Joe Strummer en el sur español.
En esta quinta edición se propondrá asimismo una exposición temática alrededor de la historia del cartelismo cinematográfico polaco, con el título Ilustradores de cine: el cartel cinematográfico polaco del siglo XX. Esta exposición se enmarca dentro de una doble colaboración que la organización ha resuelto entre Donostia Kultura y el Instituto Polaco de Cultura con el patrocinio de Kutxa y que durará del 10 al 18 de enero.
La programación se completará con un ciclo posterior en el Fórum FNAC desde el 16 de enero al 19 de enero.
Como ha venido siendo habitual en ediciones pasadas, la oferta cinematográfica se completará con música en directo. John Doe y Rafael Berrio –el día 12 en Gazteszena– y Slim Cessna´s Auto Club –en Le Bukowski el día 14– así como Audience, que estarán en directo en el día 8 en el Teatro Principal y presentarán Amerikanuak documental dirigido por Nacho Reig y Gorka Bilbao.

Ramón Zuriarrain y el humor en su libro ‘Bromas aparte’

2011-12-23T11:02:00.002+01:00

El pintor donostiarra Ramón Zuriarrain presentó ayer, en Arteko Factoría, el libro autoeditado 'Bromas aparte' en el que ofrece una selección de sus “apuntes humorísticos” y, de esa manera, ofrece una de las facetas más desconocidas de su trabajo creativo. Acompañado por el crítico de arte José Javier Fernández, Zuriarrain aseguró, con el mismo tono jocoso que acompaña las páginas del libro, que “estas son mis chorradas”.
No empleó Fernández el mismo adjetivo para calificar l a obra 'Bromas aparte'. Para el crítico de arte, aunque estos dibujos o viñetas humorísticas que componen el libro las haya realizado Zuriarrain “para su disfrute personal”, no dejan de ser dibujos “de trazo simple y directo como el que han utilizado Máximo o Chumy Chumez” que hay que tratar de disfrutarlos “en la misma intimidad en la que fueron creados”, de ahí lo apropiado de haberlos llevado a un formato de libro.
El artista donostiarra comentó que se ha autoeditado, el libro porque “era la única manera” de poder enseñar y tener reunidos estos dibujos que va haciendo de forma esporádica en medio de su trabajo, “mucho más serio”, que es pintar. Una de las características de la edición, compuesta de seiscientos ejemplares y con un precio de 30 euros, es que están numerados y firmados por el artista, “como si fuera un grabado”.

Ramón Zurriarain (izda) y José Javier Fernández (dcha).

Entre el centenar de viñetas, que realiza e n tinta china y también algunas en acuarela, “algo más trabajadas”, Ramón Zuriarrain introduce frases y reflexiones, “algunas mías y otras de Marx... unas de Carlos y otras de Groucho”, apuntó el artista.
Son dibujos que hacen reflexionar, “con una sonrisa”, sobre temas que nos incumben a todos. “Van desde 2004, los primeros, hasta otros muy recientes, como los que realicé en Egipto, donde me pilló la revolución popular”.

El Topo, vuelven los espías

2011-12-23T10:38:00.003+01:00

Años 70, en plena guerra fría. El fracaso de una misión especial en Hungría provoca un cambio en la cúpula de los servicios secretos británicos. Uno de los defenestrados es el agente George Smiley. Sin embargo, cuando ya se había hecho a la idea de retirarse, le encargan una misión especial. Se sospecha que hay un “topo” infiltrado en la cúpula del Servicio y sólo alguien de fuera puede averiguar quién es. Con la ayuda de otros agentes jubilados, Smiley irá recabando información y encajando las piezas para intentar descubrir al traidor.
Despejadas ya las dudas y los prejuicios que se podían tener antes de la visión del film, sobre todo por la presencia de un profesional del numerito como Gary Oldman, pero que está rodeado por casi todos los pura sangre del cine inglés (John Hurt, Colin Firth y Toby Jones, entre otros);
Tras la presentación y el encargo a Smiley de destapar al topo, empieza el baile de piezas sospechosas. Iremos avanzando junto con Oldman encajando el puzzle, pero para avanzar también debemos mirar al pasado para descubrir cómo son los protagonistas y qué hicieron. Montar pieza a pieza el puzzle hasta llegar a completarlo.
Tomas Alfredson, al que se le recuerda por su aterradora Déjame entra, se las ingenia para mostrar las esencias de una intriga tan complicada como turbia, utiliza con sentido y claridad los flashbacks, llena de bruma y tortura el paisaje y el alma de los retorcidos personajes, prefiere la sugerencia a la machaconería, dibuja sensaciones intensas con gestos y detalles sobrios, describe con precisión una galería muy amplia de personajes y dirige con mimo a secundarios de lujo.

Un filme muy trabajado, quizá un poco lento sobre todo al inicio, cuando más importa por aquello del enganche con la trama por parte del espectador. Su complejidad la hace extremadamente distante y la empatía por el conflicto de los personajes queda lejos, pero superado este primer momento, la cinta sólo se puede calificar como de muy buena y que merece ser vista.

Título:El Topo (Tinker, Tailor, Soldier, Spy)
Director: Tomas Alfredson
Reparto: Gary Oldman, John Hurt, Mark Strong, Colin Firth, Tom Hardy, Ciarán Hinds, Toby Jones
Año: 2011
Duración: 127 minutos

Philip Roth: Engaño

2011-12-22T10:19:00.002+01:00

Dos amantes, de los que sabemos que él se llama Philip y es escritor, pero no el nombre ni la profesión de ella, o ellas -porque no queda claro que sea la misma a lo largo del tiempo-, hablan de su vida antes y después de tener relaciones sexuales. Sus conversaciones giran en torno al amor, la política, la comunidad judía y su hipocresía, y la creación literaria.

Sobre todo esto, es lo que versa el nuevo libro aparecido en el mercado español de uno de los más relevantes autores americanos; Philip Roth. Hay que advertir que este no es el último libro escrito por Roth, ya que data de 1990. Cuando se publicó consiguió soliviantar a la comunidad judía estadounidense en pleno, debido a la poca agraciada imagen que da de la supuestamente recatada y decorosa vida familiar y sexual de sus miembros.
Pero eso es pasado y lo interesante es lo que ese texto puede aportar al lector del año 2011, que no es poco, por otra parte. Lo que ha sobrevivido son una temática y unas conversaciones inteligentes, lúcidas e interesantes sobre los asuntos que más le interesan a Roth. Y es que el lector, que es testigo de ese engaño, quiere saber más de los protagonistas.
El engaño, que es una de las manifestaciones más claras y abundantes del cinismo contemporáneo, repasa un buen catálogo de engaños: al marido, a la esposa, a uno mismo simulando se feliz en un matrimonio fenecido, a los amigos, en fin, a la vida cotidiana.
Este libro, puede ser considerado como menor por los especialistas en Royh, contiene algunas de las mejores páginas que se han escrito (o al menos que quien esto firma ha leído) sobre el cinismo del engaño en el matrimonio: cuando la esposa de Philip descubre las notas de éste sobre su relación con la otra, y el escritor niega, escudándose en la creación literaria, la verdad de los hechos. Después de la bronca llama por teléfono a su amante…
Pero no hay que olvidar que esto es literatura, no un libro de confesiones, y es que el escritor americano, eterno aspirante al Nobel, sabe aprovecharse de la asociación mental que todo lector hace entre el personaje Philip, escritor, y el escritor del libro, llamado Philip Roth. Esa asociación fue tildada, no sin razón, de complot … como no, un engaño.

Editorial: Seix Barral
Páginas: 187
Año: 2010

Víctor Moreno: La manía de leer

2011-12-22T10:16:00.002+01:00

Leer no nos hace mejores en ningún ámbito de la vida: si uno es idiota, cínico, estúpido, engreído, inteligente, sensible,… en fin, lo que sea, lo seguirá siendo igual lea mucho, poco o nada. Todos conocemos casos de personas muy leídas que son auténticos epítomes de la idiotez suprema, y también sabemos de casos de individuos que no han abierto un libro en los últimos veinte años y que son personas buenas y decentes.

Viene esto a cuenta por dos motivos: el primero, obvio, por la edición de este libro; el segundo, porque ya vale de esa monserga que desde los medios de comunicación de la galaxia Gutenberg nos dice que leer nos hará mejores. Ni de coña.
Así que con estas premisas no queda más que participar de las ideas que expone Víctor Moreno ene te libro, donde repasa muchos tópicos y medias verdades sobre la promoción de la lectura para poner en su lugar a ésta y dotarla de la importancia justa. ¿No es la lectura compulsiva una suerte de neurosis? ¿Es normal que alguien pueda encontrar en una novela, o en una obra de teatro, alguna certeza que no pueda encontrar en su día a día? En este orden de cosas, Moreno denuncia que la necesidad del otro es hurtada por la concepción que se nos quiere imponer de la lectura desde las élites del poder cultural.
La manía de leer trata de muy diversos temas y asuntos, todos ellos, por supuesto, relacionados con el tema de la lectura. Moreno comienza aludiendo a la tradición humanista: un concepto que cree que hay que superar y que hace que tengamos una visión sesgada de lo que la cultura significa. Donde el autor entra a saco para no dejar títere con cabeza es con el papel jugado por la crítica literaria; denunciando su mirada sesgada e ideológica. El mayor palo se lo llevan los del suplemento cultural ‘Babelia’ que edita el diario El País.
La manía de leer es un libro excelente que quita de la cabeza muchos tópicos y nos hace dudar de muchas afirmaciones que, de tan repetidas, hemos acabado por asumir como incontrovertibles. Pero eso sí, si no se lee este libro, tampoco pasa nada.

Editorial: Caballo de Troya
Páginas: 394
Año: 2009

Paula Morelenbaum: Telecoteco

2011-12-21T10:16:00.002+01:00

Tres años ha tardado en llegar al mercado español el tercer disco como líder de la cantante brasileña Paula Morelenbaum, que lleva por título Telecoteco (Egea Music/Karonte); y donde se recogen doce canciones que homenajean a la bossa nova. Un disco muy bueno.

Con tres años de retraso sobre su edición original llega al mercado español el que es hasta el momento el último trabajo de la cantante Paula Morelenbaum, una mujer que a los seguidores de la música brasileña se la hará conocida por haber sido miembro de la banda de Antonio Carlos Jobim entre 1984 y 1994 y componente del Quarteto Jobim-Morelenbaum.
Esta Telecoteco fue la manera en la que esta mujer, que está perfecta a lo largo de las doce canciones del disco, contribuyó a la creación de la bossa nova en su cincuenta aniversario.
El disco, que está cantado en portugués, inglés y español, recoge canciones compuestas a lo largo de un periodo de treinta años, que van desde 1938 (Love is here to stay, de los hermanos Gershwin) a 1961 (Ilusao à Toa); justo antes de que apareciese en las playas de Copacabana esa música tan mágica llamada bossa nova.
El disco respira ese aire de tranquilidad, belleza, ternura y ‘buen rollo’ que despiden la práctica totalidad de las canciones compuesta en esa onda, con un punto que se mueve entre la samba y el jazz que le va estupendamente al repertorio elegido. Esta es música que funciona igual de bien en una oficina high tech como en una cena con tu pareja.
Paula Morelenbaum ha contado con un amplio elenco de músicos para llevar adelante este proyecto, y entre todos ellos merece la pena destacar a Marcos Valle, Ryuichi Sakamoto, Leo Gandelman y Jacques Morelenbaum (esposo de la protagonista, dicho sea de paso).

En este precioso disco, que va a hacer las delicias a todos a los que les guste la bossa nova, el jazz brasileño y, en general, las cantantes femeninas de buen gusto y elegancia, resulta muy difícil elegir alguna canción destacable porque todos son muy buenas, pero llegado el caso no dejen pasar Manha de Carnaval, Voce nao sabe amar, Ilusao à Toa o Love is here to stay. Lo dicho, un disco muy bueno.

Músicos: Paula Morelenbaum (voz); Jacques Morelenbaum (violonchelo); Joao Donato (piano); Marcos Valle (voz, Fender Rhodes); Leo Gandelman (saxos); Ryuichi Sakamoto (piano); Lula Galvao (guitarra); Antonio Pinto (bajo); Mauricio Alves (percusión); Joao Parahyba (percusión); Sidinho (percusión); Chico Pinheiro (guitarra); Alberto Continentino (bajo); Bajofondo (remix);…
Discográfica: Egea Music
Distribuidora: Karonte
Año: 2008
Estilo: Bossa nova

Seun Anikulapo Kuti & Egypt 80: From Africa With Fury: Rise

2011-12-21T10:09:00.003+01:00

El segundo disco de Seun Anikulapo Kuti; From Africa With Fury: Rise (Because/Karonte) es una muestra del major afrobeat que ahora mismo se puede escuchar. Al éxito de este trabajo colabora con su potencia y energía la banda Egypt 80.

Si una cosa queda clara con From Africa With Fury Rise el segundo disco de Seun Anikulapo Kuti es que el afrobeat goza de buena salud. Hay que hacer notar que de casta le viene al galgo, ya que Seun es el hijo menor de Fela Kuti, el inventor del afrobeat, y hermano de Femi, que en los últimos años ha logrado una gran popularidad entre los aficionados a estos sonidos.
Se esperaba con interés el nuevo trabajo de Seun tras el éxito logrado con su debut; Many Things, aparecido en el año 2008; y hay que señalar que ha cumplido ampliamente las expectativas depositadas en él, ya que es un trabajo muy bueno, uno de esos que los seguidores de la música negra tienen que hacerse con él sí o sí..
En los siete cortes hay afrobeat del bueno, del de verdad; un despliegue rítmico tórrido y carnal, energía funk a toneladas y arengas político-sociales en las letras. Sin embargo, frente al afrobeat más primitivo, aquí se nota una evolución gracias a una mayor elegancia sonora, más compensada y tonificada, que queda de manifiesto, por ejemplo, en el papel que juegan los coros.

A Seun le acompaña en esta aventura Egypt 80, la banda original que acompañó a su padre, y eso se nota en el empaque y la potencia con la que suena todo. Son una auténtica máquina de ritmo incansable, siempre tocando al límite. Escucharlos es toda una gozada.
Al buen funcionamiento de toda esta maquinaria ha aportado sus conocimientos Brian Eno, quien ha ejercido de productor del disco. Por si alguien lo desconoce: Eno es todo un experto en el afrobeat y un declarado admirador de Fela Kuti. Es decir, que sabía muy bien lo que quería y como lo quería.

Discográfica: Because
Distribuidora: Karonte
Año: 2011
Estilo: World music, afrobeat

Ibrahim Maalouf: Diagnostic

2011-12-19T10:35:00.004+01:00

Con Diagnostic se cierra brillantemente el ciclo de tres discos que el trompetista de origen libanés, Ibrahim Maalouf, comenzó en el año 20007 con Diasporas y que continúo con Diachronism dos años más tarde.

Ibrahim Maalouf nació en Beirut en el seno de una familia de intelectuales y artistas (el famoso escritor Amín Maalouf es tío suyo), y aunque disciplinado en el mundo de la música clásica, ganando muchos de los prestigiosos concursos de trompeta; lo cierto es desde su entrada en el mundo del jazz se ha convertido en uno de los más destacados jazzman residentes en Francia, donde en 2010 se alzó con el premio de Revelación Instrumental en los prestigiosos premios Victoires du Jazz.
Diagnostic es un disco que a medida que más veces se escucha más jugo se le saca. Aunque al inicio puede parecer un jazz seco y duro, sucesivas audiciones muestran que el suyo es un jazz que bebe de múltiples fuentes, que la ambición de este músico pasa por integrar sus múltiples y distintas influencias en una voz propia y con sentido: y es que se puede tener una voz propia pero que sea un mal trabalenguas sin sentido.

Las música de este disco se articula en torno a dos grandes ejes: por un lado, a los sonidos de la bandas de metales de bodas y funerales de los Balcanes; y por otro, a las rítmicas brasileñas de las batucadas. Pero Maalouf no se para aquí sino que integra sonidos provenientes del rap, del latín jazz, del ‘jevi’, de la música china o de los ritmos andinos. Los ejemplos paradigmáticos de este crisol de sonidos pueden ser, entre otros, los excelentes Maeva in the wonderland, We’ll allways care about you y Douce, con la participanción de Oxmo Puccino.
Ibrahim Maalouf no sólo toca la trompeta sino que por primera vez se le escucha tocando el piano, el instrumento con el que se inicio en la música. Pero si el trompetista es el líder no menos importante es la labor del grupo de batucada compuesto sólo por mujeres Zalindâ a lo largo de prácticamente todo el disco, baste escucharlas en su plenitud en Never Serious para darse cuenta de lo bien que tocan.

Si las composiciones mencionadas son importantes no lo es menos el tema que cierra el disco y que aparece como ‘bonus track’; Beirut; una pieza que Maalouf compuso en 1996 cuando volvió a su país por primera vez después de la guerra civil que azotó el país y que recupera de manera fastuosa.
Música no dogmática, ni ortodoxa, donde impera la lógica y la ética del nómada y que gustará a quienes tengan los oídos abiertos al mundo.

Músicos: Ibrahim Maalouf (trompeta, piano, percusiones, marimba, bajo eléctrico); Sedar Barcin (saxo); Jérémie Dufort (tuba); Piers Faccini (armónica); Jasko Ramic (acordeón); Sara Nemtanu (violín); Jasser Haj Youssef (violín árabe); Nenad Gajin (guitarra); Zalindâ (batucada); Oxmo Puccino (spoken word); Frank Woeste (teclados); Xavier Rogé (batería); Ben Molinaro (contrabajo)
Discográfica: Harmonia Mundi
Distribuidora: Harmonia Mundi
Año: 2011
Estilo: Jazz

The Late Show´s Gospel Choir

2011-12-19T10:25:00.003+01:00

Los tradicionales Conciertos de Gospel en Navidad, que anunciaban el inicio de esas fiestas, que estuvieron celebrándose durante diez años en San Sebastián, dejaron de existir hace un par de años pasando a integrarse en la programación habitual del Auditorio Kursaal. Si el año pasado fueron dos los conciertos, este año ha quedado reducido a uno, el protagonizado por The Late Show´s Gospel Choir, en una doble sesión de tarde/noche.The Late Show´s Gospel Choir se han ganado la fama que poseen gracias, sobre todo, a que son parte del programa de televisión americano Late Show, presentado por David Letterman en el canal CBS. Debido a ello en buena parte, y, sin duda también a su talento, el coro esta considerado como el mejor a capella de Estados Unidos. Lamentablemente este no se pudo comprobar en San Sebastián.
The Late Show´s Gospel Choir se formó bajo la dirección de Lady Peachena, que sigue siendo su directora y que estuvo muy activa en el concierto, y cantantes vinculados a la iglesia Love Fellowship Tabernade de Brooklyn. Lo que inicialmente iba a ser una agrupación formada únicamente para la grabación de un video para la CBS, acabó siendo una presencia constante en el programa de Letterman.

El concierto de esta agrupación se puede dividir en dos partes claramente diferenciadas; la primera cuando estuvieron vestidos con su casulla oficial y la segunda cuando se desprendieron de ella y aparecieron, ellos vestidos de calle, como si fuesen a tomar unos vinos, y ellas vestidas con multicolores saris de evidente inspiración india.
En la primera parte cantaron sobre todo temas tradicionales o de inspiración tradicional como Bless America, que da título a su último disco, y piezas del repertorio clásico europeo, como el Ave Maria de Franz Schubert que mezclaron con el coro del Mesias del Handel.
La segunda parte tuvo como protagonista a Lady Peachena, que homenajeó a Mahalia Jackson en un par de canciones, y donde posteriormente el coro, formado por once mujeres, seis hombres, un baterista y un teclista, se enfrentó a un repertorio más moderno y donde se produjeron los momentos más intensos de la tarde (quien esto firma estuvo en el concierto de las seis de la tarde. El siguiente era a los ocho de la noche).

Para los vises finales dejaron el clásido Oh Happy Day, con el que finalizó un concierto del que, sin duda, y dado el curriculum del grupo, se podía esperar mucho más.

Músicos: The Late Show´s Gospel Choir
Lugar: Auditorio del Kursaal. San Sebastián
Fecha: 17 de diciembre de 2011

Fallece el pintor expresionista Bonifacio Alfonso

2011-12-18T00:01:00.003+01:00

El pintor Bonifacio Alfonso Gómez Fernández (1933) falleció el 16 de diciembre de 2011, en San Sebastián, ciudad a la que había regresado hace tres meses después de vivir durante muchos años en Madrid y en Cuenca. Su pintura se ha calificado de expresionista abstracta, pero desde una perspectiva onírica, aunque a él nunca le gustaron las etiquetas y fue siempre por libre, a pesar de que no se escapaba de influencias de artistas como Roberto Matta.

Hijo de un republicano fusilado durante al Guerra Civil, probó varios oficios antes de ser pintor. Fue novillero, rotulista, pintor de brocha gorda y batería en un grupo de jazz, una de sus pasiones. Decidió matricularse en la Escuela de Artes y Oficios de donde le echaron «porque allí nos obligaban a dibujar los modelos completos y yo prefería captar sólo un brazo o una pierna». Entonces encontró a la primera persona que le apoyó, el pintor Jesús Olasagasti.
La cocina de su casa le sirvió de primer estudio y en 1954 ganó el Primer Premio de Pintura de San Sebastián por un 'Cristo Cubista'. Bonifacio, como firmaba, siempre recordaba que el que más disfrutó con este galardón fue su abuelo porque «me dedicaba a trabajos que no reportaban dinero».
Comenzó a exponer en el Ateneo Guipuzcoano y en la galería Aranaz Darrás y en 1966 alcanza el éxito comercial en la galería grises de Bilbao y dos años después conoció a Fernando Zóbel quien le compró alguno cuadros para el Museo de Arte Abstracto de Cuenca y quien le animó a trasladarse a esa ciudad, donde realizó la vidrieras de la catedral y coincidió a pintores como Gustavo Torner, Antonio Saura o Manolo Millares.
Después pasó a formar parte de la lista de artistas de la galerista Juan Mordó que lo presentó en las ferias de Basilea y Colonia. A finales de los 70 y principios de los 80 se consagró como uno de los artistas españoles más importantes de su generación.
El Círculo de Bellas Artes de Madrid le dedicó en 2007 un amplia retrospectiva titulada 'En los campos de batalla' que estaba acompañada por el documental 'La cicatriz de la pintura'. Su obra está en los museos de Cuenca, Steikborg de Dinamarca, Bellas Artes de Bilbao, Biblioteca Nacional de Madrid, Stedelijk de Amsterdam, San Telmo, Reina Sofía... En 1993 ganó el Premio Nacional de Grabado. Mostró por última vez su obra en Donostia en agosto de 2009 en la Galería Kur.En los últimos años su salud se había resentido y regresó a San Sebastián para vivir con sus hijas Ivonne y Cristina. Acondicionaba un estudio en Trintxerpe. «Estaba muy ilusionado, con muchas ganas. Hacía una vida normal y acudía a la Parte Vieja. La verdad es que su muerte nos ha sorprendido a todos», comentaba ayer su primo, el también pintor Carlos Inda. Su cuerpo permanecerá hoy en el tanatorio de Errekalde y mañana será incinerado.
La galería Juan Manuel Lumbreras de Bilbao, con la que expuso por última vez hace tres años, ha anunciado que presentará la próxima temporada sus últimos trabajos, la suite litográfica "Avanti Vaporini", estampada por Antonio Gayo.

Reaparece el gran cine mudo con The artist

2011-12-16T09:49:00.005+01:00

En pleno siglo XXI, cuando las películas más taquilleras se ven con gafas para apreciar las tres dimensiones, al director francés Michel Hazanavicuis se le ocurre filmar The artist, una muestra de cine en estado puro sin sonido, en blanco y negro y que consigue enamorar al espectador.

The artist es George Valentin (Jean Dujardin), una gran estrella del cine mudo a quien el Hollywood de los años veinte venera y respeta...hasta que la llegada del cine sonoro le sepulta en el olvido.
A la inversa, una joven y desconocida bailarina, Peppy Miller (Bérénice Bejo), secretamente enamorada de Valentin, a quien adora como un ídolo, verá impulsada su carrera a lo más alto precisamente por el auge del cine sonoro.
Si el argumento suena a mil veces visto, lo cual es cierto, lo importante de The artist son los pequeños detalles que van componiendo entre guiños el reflejo de una época ya olvidada, aderezados con las impecables interpretaciones de dos artistas totalmente imbuidos de aquel espíritu, a los que hay que sumar a John Goodman y James Cromwell.
El director, que hubiera preferido llamar El lunar a la película -la explicación está uno de esos pequeños detalles del filme-, afirma que la película habla sobre todo, de un ser humano que tiene que hacer frente a un mundo que está cambiando muy rápido para él.

Michael Hazanavicius, que comenzó su carrera en la televisión y como realizador de anuncios, rodó con su hermano, el actor Serge Hazanavicius, su primer largo, Mes amis (1999), al que siguieron OSS 117: El Cairo, nido de espías(2006), y OSS 117: Perdido en Río (2009) ambas protagonizadas por Jean Dujardin.

Título: The artist
Director: Michel Hazanavicius
Reparto: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, James Cromwell, John Goodman
Año: 2011
Duración: 100 minutos

Vuelve Misión imposible en su cuarta entrega

2011-12-16T09:47:00.001+01:00

Cuarta entrega de la saga cinematográfica Misión imposible. Cuando la agencia de espionaje se ve implicada en un atentado con bomba contra el Kremlin, es clausurada.

Sin embargo, Ethan Hunt y su nuevo equipo no se rinden: están incluso dispuestos a vivir como fugitivos con tal de limpiar el nombre de la organización... Dirige Brad Bird, realizador de Los increíbles y Ratatouille en su primera incursión fuera del cine de animación.
Misión: Imposible 4. Protocolo fantasma da al público lo que pide, y con generosidad, recuerda el espíritu original de la serie en una secuencia casi vodevilesca ambientada en dos plantas de un hotel de Dubái y mantiene la tensión -y la atención- hasta el último plano.

Título: Misión imposible: Protocolo Fantasma (Misión imposible IV)
Director: Brad Bird
Reparto: Tom Cruise, Jeremy Renner, Ving Rhames, Tom Wilkinson
Año: 2011
Duración: 132 minutos

Regresa Perros de paja

2011-12-16T09:26:00.004+01:00

Remake del clásico de 1971 dirigido por Sam Peckinpah que esta basado a su vez en la novela "The Siege of Trencher's Farm", de Gordon M. William.

En esta ocasión cambia el país (Inglaterra por el sur de Estados Unidos), la profesión del protagonista (de matemático a guionista de cine histórico) y poco más. El guionista de Hollywood David Sumner y su mujer Amy se mudan al pueblo natal de ésta en el sureste de Estados Unidos, después de la muerte del padre de Amy. Su plan es reparar y vender la casa de la familia mientras que David aprovecha la tranquilidad del lugar para terminar el guion en el que está trabajando.
Pero no todo es tan bucólico como parece en Blackwater (Mississippi) y la llegada de los Sumner despierta antiguos resentimientos. Además, la pareja pasa por una crisis y la tensión va haciendo mella en su matrimonio, al tiempo que surgen viejos conflictos con algunos habitantes, sobre todo con el ex novio de Amy, Charlie, quien junto con sus amigos del pueblo acaba cruzando los límites de la tolerancia de David y del matrimonio Sumner.
Todo desencadenará en una serie de acontecimientos que les llevará a una confrontación tremendamente violenta, intensificándose hasta llegar a un clímax catastrófico y terrible que destrozará la vida de todos los involucrados.

La actual Perros de paja, al igual que la original, retrata de modo feroz la agreste distancia entre dos mundos (in)conciliables, el rural y el urbano, el del conservadurismo y el (presunto) progresismo, el de la sabiduría del terruño y la intelectualidad, el de la sencillez y el de la soberbia.

Título: Perros de paja (Straw Dogs)
Director:Rod Lurie
Reparto: James Marsden, Kate Bosworth, Alexander Skarsgård, Dominic Purcell, James Woods
Año: 2011
Duración: 110 minutos

La persistencia de la geometría en CaixaForum de Madrid

2011-12-16T09:09:00.002+01:00

CaixaForum Madrid acogerá desde hoy viernes, 16 de diciembre, La persistencia de la geometría, la segunda exposición que surge del acuerdo de unión de las colecciones de arte contemporáneo de la Fundación "la Caixa" y el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA). La muestra tiene en cuenta las líneas discursivas de ambas colecciones y traza un recorrido que explora el uso de la geometría en el ámbito de la escultura y la instalación, desde los años 60 hasta hoy.

La persistencia de la geometría invita a realizar este recorrido a trravés de 110 obras de 32 artistas, que se inicia con el arte minimalista, a partir de una selección de esculturas, instalaciones, fotografías y videoinstalaciones de artistas como Donald Judd, Bruce Nauman, James Turrell, Robert Smithson, Gordon Matta-Clark, Matt Mullican, Richard Long, Hans Haacke, Absalon, Francesc Torres, Àngels Ribé, Gego, Jordi Colomer, Txomin Badiola, León Ferrari, Damián Ortega y Rodney Graham, entre otros.
La geometría nunca ha dejado de estar presente en el arte, aunque ha sido en el siglo XX cuando más se ha teorizado sobre su uso. En las primeras décadas estuvo íntimamente ligada a los conceptos de abstracción y modernidad, y fue vehículo de idealismos y utopías. A mitad de siglo, las obras que caen bajo las categorías del minimalismo, posminimalismo y arte conceptual comparten la necesidad de reducir la obra a una forma elemental (cubo, círculo, etc.), un sistema matemático (retícula, serialidad) o un gesto repetitivo. La forma se teatraliza y la interacción del espectador abre nuevas formas de relación con la obra de arte. A partir de entonces, los caminos de la geometría se despliegan en diferentes propuestas para adentrarse en el trazado de lo social y su dimensión política.
La exposición completa la exposición ¡Volumen!, que actualmente se puede ver en el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA).

(Imagen: LeeByars; fragmento de El libro esferico)

Qué: La persistencia de la Geometría
Cuándo: Del 16 de diciembre de 2011 al 25 de marzo de 2012
Donde: CaixaForum Madrid

UHF (Ultra High Flamenco): Bipolar

2011-12-15T10:38:00.004+01:00

Bipolar es el segundo disco del cuarteto UHF (Ultra High Flamenco) tras su exitoso debut hace un año con un disco que llevaba el nombre del grupo. Si en esa primera oportunidad el grupo se mostraba como una formación mestiza en su música, con muy diversas influencias que iban desde el jazz al pop pasando por los sonidos étnicos, en esta ocasión su apuesta por el flamenco, en su versión más fusión, es más clara y rotunda.

Los ocho temas de este Bipolar, todas composiciones propias de los miembros del grupo (cuatro son obra de José Quevedo, dos Alexis Lefèvre y otros dos de Pablo Martín Caminero) cabalgan sobre soleá por bulerías, tanguillos, rumbas y también sobre un compás a siete que se llama OFNI, es decir, ‘objeto flamenco no identificado'.
Hay que señalar que el título del disco no se refiere tanto a un desorden en el ser y en el saber de lo que quieren, que ya lo tienen muy Cleof, sino que se remite al origen musical de los cuatro componentes de UHF, pues mientras que José Quevedo y Paquito González provienen del flamenco, Pablo Martín Caminero y Alexis Lefèvre que vienen del jazz.

Con estos mimbres fundamentales como son la gran musicalidad de cada uno de los miembros del cuarteto (baste escuchar el inicio del disco) y la elección de unos palos festeros, no es de extrañar que este Bipolar se deje escuchar y disfrutar muy bien.
Si nada se tuerce en el futuro, UHF va a dar momentos de alegría y de buen sabor musical ya no sólo al flamenco sino a la música en general.

Músicos: José Quevedo ‘Bolita’ (guitarra); Pablo Martín Caminero (contrabajo); Alexis Lefèvre (violín); Paquito González (percusión)
Discográfica: Karonte
Distribuidora: Karonte
Año: 2011
Estilo: Flamenco

Ministriles de Marsias: Invenciones de glosas. Antonio de Cabezón

2011-12-15T10:32:00.005+01:00

Tras el éxito de su anterior y primer disco Trazos de los ministriles, Ministriles de Marsias presenta su nuevo doble disco Invenciones de Glosas, dedicado íntegramente a Antonio de Cabezón.

El trabajo contribuye a la conmemoración del 500 aniversario del nacimiento de Antonio de Cabezón, el músico burgalés, ciego desde muy niño, que fue organista de Felipe II.
De Cabezón sólo nos han llegado las migajas que caían de su mesa y, sin embargo, bastan para su reconocimiento unánime como uno de nuestros grandes clásicos.
Es la primera vez que un conjunto de ministriles dedica un trabajo de tal amplitud a Cabezón, a pesar de que en las Obras para Tecla, Arpa y Vihuela de Antonio de Cabezón, publicadas póstumamente por su hijo Hernando, y que han servido de única fuente a este doble cd, se indica que también se podrán aprovechar del libro los curiosos menestriles en ver invenciones de glosas tratadas con verdad sobre lo compuesto.
En este doble cd, se considera al impreso de Hernando como el único para uso explícito de ministriles que ha llegado hasta nosotros.

Ministriles de Marsias ha sido seleccionado como “grupo recomendado” por la Comisión de Música Antigua de Festclásica (Asociación de Festivales de Música Clásica) por su labor de recuperación del patrimonio musical español y su excelente calidad artística.

Músicos: Paco Rubio (corneta); Josep Borràs (bajoncillo soprano, bajoncillo alto); Joaquim Guerra (chirimía alto en Fa, bajoncillo alto); Carles Cristobal (bajoncillo tenor); Fernando Sánchez (chirimía tenor en Do, bajón); Simeón Galduf (sacabuche tenor, sacabuche bajo); Javier Artigas (órgano de la Colegiata de Santa María de los Corporales de Daroca, órgano positivo)
Discográfica: NBmusika
Distribuidora: Diverdi
Año: 2011
Estilo: Música antigua

Primera gran individual de Martin Creed en España

2011-12-15T10:17:00.006+01:00

La Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid presenta desde hoy la nueva exposición de Martin Creed Things/Cosas, el gran proyecto individual en España del artista británico. Esta muestra realiza un recorrido por los 20 años de trayectoria creativa de uno de los artistas internacionales más interesantes de su generación. Sus esculturas, instalaciones, vídeos y dibujos están inspirados en objetos, palabras y sonidos de la vida diaria, en lo cotidiano. Creed está constantemente investigando la naturaleza básica de las cosas, creando un mundo de clasificaciones, categorías y excepciones inesperadas.

Algunas de las 25 obras que se muestran en Alcalá 31 han sido concebidas para la ocasión, como sus nuevas pinturas murales, y otras son algunas de sus piezas más conocidas, pero que nunca habían sido presentadas en España, como es el caso de Work No. 88 A sheet of A4 paper crumpled into a ball (Una hoja de papel A4 hecha una bola), 1995; o su vídeo Work No. 670 Orson and Sparky, 2007. También se puede ver la primera escultura que realizó Creed, Work No. 11: Two objects (Dos objetos), 1989, y algunos de sus últimos trabajos, Work No. 1307, 1908 y 1309, que son acuarelas realizadas con los ojos cerrados, con la intención de saltarse hasta sus propias reglas.
Martin Creed se dio a conocer por la utilización de materiales simples para crear un mundo donde la realidad parece transformada, como la masilla azul adhesiva pegada en una pared en Work No. 79 Some Blu-Tack kneaded, rolled into a ball and depressed against a wall (Un poco de Blu-Tack amasado, hecho una bola y aplastado contra la pared), 1993, o una hilera de clavos ordenados de mayor a menor en Work No. 701, 2007. Sus trabajos son a veces el resultado de una rigurosa fórmula, presentados en forma de instrucciones: Work No. 150 Half of anything multiplied by two (La mitad de cualquier cosa multiplicada por dos), 1999, o frases tan simples escritas en signos de neón como Work No. 251 Things (Cosas), 2000, que se enciende y se apaga cada segundo.
Una de las principales características de la obra de Creed es el encuentro directo con las instalaciones, objetos o situaciones que han sido creadas u organizadas por él. Por ejemplo, al fondo de la sala una puerta se abre y se cierra a un ritmo continuado. Se trata de la obra Work No. 129 A door opening and closing (Una puerta abriéndose y cerrándose), 1995, que convierte una puerta manual en mecánica estableciendo una secuencia temporal de movimiento, y obligando a los empleados del edificio a sortear el compás de la puerta para poder entrar y salir del lugar durante los meses que dura la exposición.
Con Work No. 127 The lights going on and off (Las luces encendiéndose y apagándose), que le valió el Premio Turner 2001 de la Tate Britain de Londres, y con Things (Cosas), el ritmo de la obra crea un eco en el espacio expositivo mediante polos opuestos. Esta dualidad está muy presente en la obra de Martin Creed con la intención de hacer la obra y deshacerla.
Todos estos trabajos están íntimamente relacionados con otras facetas de la creación artística, especialmente con la danza y la música. Creed creó en 1994 Owada, un grupo musical cuyo primer CD apareció con el título Nothing, lo que constituía toda una declaración de intenciones al presentar obras con limitadas notas musicales que se interpretaban de forma repetida, acompañadas de letras banales.

En 1997 el nombre del grupo cambió por el de Martin Creed and his band, con el que ha continuado las actuaciones y ha lanzado nuevos discos, el último de los cuales, Thinking/Not thinking, ha aparecido junto a un vídeo dirigido y escrito por el artista.

Qué: Martin Creed: Things/Cosas
Cuándo: Del 15 de diciembre de 2011 al 26 de febrero de 2012
Donde: Sala Alcalá 31. Madrid

J.R. Ackerley: Mi perra Tulip

2011-12-14T09:13:00.003+01:00

Si alguien tiene una perra, y tiene que ser una perra, o sea una hembra, y no un perro macho; se sentirá muy identificado con la relación que mantuvieron durante dieciséis años el crítico, escritor y editor inglés J.R. Ackerley con su perra Tulip, un magnífico ejemplar de pastor alsaciano.

Al igual que otras muchas personas Ackerley no se consideraba un amante de los perros cuando, ya en plena madurez, acabó siendo propietario de un pastor alsaciano. Él fue el primer sorprendido cuando se convirtió en el amor de su vida, que había buscado en vano durante mucho tiempo.
En Mi perra Tulip asistimos, sobretodo, a los problemas de Ackerley para preñar a su perra. Con él vamos a la búsqueda, casi desesperada, de un macho para Tulip: las entrevistas con los dueños de los pretendientes, los tiempos del celo, el rechazo a todos los machos presentados por parte de la perra, los cuidados de la veterinaria... y todo ello para acabar apareándose… bueno, mejor se lo leen en este caso.
Es bastante posible que quienes lean este breve relato considerarán que Ackerley estaba un tanto pasado con su perra y por su perra; sobre todo cuando tiene que defender las actuaciones de su mascota frente a los seres humanos; pero quienes tenemos perra comprendemos perfectamente la actitud del autor. Y es que aquí viene a pelo la frase atribuida a Fedor Dostoievski: “Cuanto más conozco a los seres humanos más amo a mi perro”.
Este es un libro que en un primer momento puede parecer que se ha escrito o que está dirigido a los amantes de los perros específicamente y de los animales en general; pero ello es un error pues esta es una hermosa historia de amor y lealtad.

Una última nota; en junio de 2009 se estrenó en Inglaterra y en Estados Unidos la película de animación independiente My Dog Tulip, de 83 minutos de duración y dirigida por Paul y Sandra Fierlinger, que esta basada en este relato.

Editorial: Anagrama
Páginas: 192
Año: 2011
Traducción: Adriana Astutti

‘El vino de la fiesta de San Martín’ expuesto por primera vez en el Prado

2011-12-13T01:51:00.010+01:00

La obra ‘El vino de la fiesta de San Martín’ de Pieter Bruegel el Viejo, considerada el descubrimiento más importante de arte flamenco de los últimos 25 años, cuelga por primera vez en las paredes del Museo del Prado tras casi dos años de laboriosa restauración. Adquirida por el Ministerio de Cultura para el Prado por siete millones de euros, de los cuales tres millones han salido del museo y el resto del Ministerio, la inclusión de la obra en las colecciones del Prado suponen “unos Reyes Magos anticipados” en opinión del director del Museo del Prado, Miguel Zugaza.
Para Zugaza ayer fue un día feliz en el que se celebraba la culminación de la delicada restauración de la pintura, en cuya primera fase se autentificó la autoría de Bruegel el Viejo, la figura más importante de la pintura flamenca del siglo XVI del que se conocen 41 obras. La obra, junto a su radiografía y un vídeo explicativo, se exhibirá individualmente hasta el 25 de marzo y posteriormente se incorporará a las colecciones de pintura flamenca del Museo del Prado.
El vino de la fiesta de San Martín incrementa el conocimiento del pintor flamenco, del que el Museo del Prado posee el óleo sobre madera El triunfo de la muerte, obra maestra del pintor procedente de la Colección Real, y hasta el momento la única pintura que existía del artista en España.
Pintada con temple de cola sobre tela sin preparación, representa un tema muy popular en la segunda parte del siglo XVI, la fiesta de San Martín cuando se repartía vino y comida entre los necesitados y que en los Países Bajos coincide con el final de la cosecha y el principio del invierno.
El cuadro llego al Museo del Prado en noviembre de 2009 a través de la casa de subastas Sotheby’s, procedente de una colección particular española con la atribución de Pieter Bruegel el Viejo para su estudio y posible compra. Los análisis técnicos permitieron reconocer la singular grafía del pintor enmascarada por una gruesa capa de barniz poliéster cuya eliminación permitió identificar su mano en superficie.
Se confirmó así la autoría de Bruegel de la que no existe duda tras la aparición de la firma del pintor en septiembre del 2010, año en el que el Ministerio de Cultura anunció la compra de la obra.
Considerada de trascendental importancia en la historia del arte, El vino en la fiesta de San Martín, el lienzo de mayor tamaño (148x270,5 cms.) de los que se conservan del pintor flamenco, llegó a España en el siglo XVII a través del Duque de Medinaceli, que fue diplomático en Italia, donde adquirió la obra.

(Imágenes: arriba ‘El vino de la fiesta de San Martín’ en su actual estado; abajo antes de la restauración)

Exposición de Gotthard Schuh

2011-12-13T01:09:00.007+01:00

Pionero del fotoperiodismo moderno, creador del "realismo poético" y autor de un legado artístico de valor incalculable, una importante selección de la obra del suizo Gotthard Schuh (1897-1969) podrá admirarse por primera vez en España en la exposición con la que Fundación Mapfre abrirá su temporada 2011-2012. Será a partir del 13 de diciembre y hasta febrero de 2012 en la Sala Azca (Madrid).

Schuh creó un mundo muy particular, en el que se empeñaba en destacar el lado más subjetivo de la realidad que percibía con su cámara. Explicaba que el arte de la fotografía alberga “un cierto tipo de encaprichamiento; lo que implica algo impulsivo, algo inalcanzable por medio de la razón”.
La muestra incluirá 113 obras, de las que 93 son obra de Schuh, las más importantes, concebidas entre 1929 y 1956, cedidas por la Fundación para la Fotografía Suiza (Fotostiftung Schweiz), organización que administra su legado. Como colofón se expondrán 20 obras realizadas por miembros del Kollegium de fotógrafos suizo en la década de los cincuenta.
Schuh es uno de los fotógrafos suizos más importantes del siglo XX. En 1930 interrumpe una prometedora carrera de pintor para dedicarse en cuerpo y alma a la fotografía. Participa entusiastamente en la revolución estética que tuvo lugar en el mundo de la fotografía a finales de los años veinte y que postulaba una “nueva visión” y en el floreciente fotoperiodismo descubre una oportunidad para poner en práctica sus ideas plásticas.
Pero junto a su actividad de reportero, siempre buscó posibilidades de escapar de la cotidianeidad. A principios de los treinta realizó varias estancias en París, donde superó el rígido programa de la “nueva visión” y desarrolló un estilo que podría describirse como “realismo poético”. A partir de entonces, la expresividad emocional, la densidad de ambientes y la sensibilidad psicológica se convierten en elementos centrales de su fotografía.

Qué: Gotthard Schuh
Cuándo: Del 13 de diciembre de 2011 al 29 de febrero de 2012
Donde: Fundación Mapfre. Madrid

Rosendo, Kepa Junkera, Pablo Milanés y Tindersticks actuarán en San Sebastián

2011-12-13T00:57:00.005+01:00

Rosendo, Kepa Junkera, Pablo Milanés, Doctor Deseo y Tindersticks son algunos de los músicos y grupos que actuarán durante el primer trimestre de 2012 en la capital guipuzcoana, dentro de la programción cultural de Donostia Kultura.

En el calendario de actividades programado por Donostia Kultura para el primer trimestre de 2012, que se caracteriza por su diversidad de estilos y formatos, según sus responsables, y que fue presentado ayer en Donostia, destacan los conciertos de música popular. Miguel Martín, responsable de la programación de las salas municipales, informó que por el
Teatro Victoria Eugenia pasarán el viejo rockero Rosendo (en la foto), el 2 de febrero; el cantautor cubano Pablo Milanés, el 7 de marzo; el estadounidense Damien Jurado, el 16 de marzo; el grupo alternativo Tindersticks, el 23 de marzo; y los bilbaínos Doctor Deseo, que cerrarán el 24 de marzo.
Además, el 22 de marzo tendrá lugar una nueva entrega del ciclo KlasikaT, en el que la Orquesta Sinfónica de Euskadi actuará junto al "trikitilari" bilbaíno Kepa Junkera.
Otro singular espectáculo musical podrá disfrutarse el 9 de marzo, cuando el grupo canadiense The Musical Box reproducirá los conciertos de la gira The Lamb Lies Down On Broadway de Genesis.
Del mismo modo, el 4 de enero actuará Scala & Kolacny Brothers, célebres por sus versiones de nuevos clásicos del rock con un coro de voces femeninas. Su interpretación del Creep de Radiohead en la película La Red Social les dio a conocer mundialmente.
Dentro del Ciclo Classic, el Victoria Eugenia acogerá un recital de la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), dirigida por Alejandro Posada y que interpretará un programa con obras de Revueltas, Dukas y Respighi.
En cuanto al teatro, el responsable de la programación Norka Chiapuso, destacó la presencia del Teatro Sunil, que represntará los días 10 y 11 de febrero el espectáculo Donka, dirigido por Daniele Finzi Pasca, autor de montajes para el Circo del Sol.
Morfeo Teatro interpretará El Sombrero de Tres Picos, del autor del siglo XIX Pedro Antonio de Alorcón, los días 24 y 25 de febrero, una obra de mientras que Focus pondrá en escena la obra Llama a un inspector, de J.B. Priestley, el 3 y el 4 de marzo.
Para el público infantil, la programación cuenta con las representaciones de las obras Kafka eta panpina bideiaria, de Tanttaka (entre el 2 y el 8 de enero) y Ezetz egan egin, de Teatro Paraíso, el 3 de enero.
Por último, la oferta de danza incluye la representación de Rusia de La Veronal, el 18 de febrero, y Sed Lux Permanent, del Ballet du Grand Thèâtre de Genève, el 30 de marzo.

Rabih Abou-Khalil: Trouble In Jerusalem

2011-12-09T10:36:00.003+01:00

El virtuoso libanés de oud Rabih Abou Khalil es un músico que desde el inicio de su carrera en solitario, allá por el año 1981, ha trabajado en la dirección de integrar las tradiciones sonoras del Oriente Medio con formas musicales occidentales, fundamentalmente el jazz.

Sin embargo este “Trouble In Jerusalem” se aparta bastante de lo que suele hacer habitualmente: este es un encargo de las televisiones ZDF, ARTE y el Museo del Cine de Munich para poner música a la película muda ‘Nathan el Sabio’, dirigida en 1922 por Manfred Noa. Este largometraje se creía desaparecido desde los tiempos del Hitler, donde fue prohibido y sobre el que se ordenó la destrucción de todas las copias, pero los investigadores alemanes del Museo del Cine de Munich encontraron un ejemplar en Moscú en el año 1996. Para ponerse en situación: ‘Nathan el Sabio’ es una película inspirada en un obra homónima de Gotthold Ephraim Lessing (1729-1781), en la que da cuenta de un breve hecho acontecido durante la Tercera Cruzada: el aprendizaje de la tolerancia y la convivencia de las tres grandes religiones monoteístas: judaísmo, cristianismo e islamismo.
Una historia como esta no podía sino seducir a un hombre que tuvo que abandonar su
país de origen en 1978 debido a la guerra civil que asolaba Líbano en aquellos años y donde luchaban de manera despiadada, justamente, judíos, cristianos y musulmanes.

‘Trouble In Jerusalem’ es música incidental, creada y sometida a un fin determinado; acompañar las imágenes de blanco y negro de una película muda, tiene las virtudes y los defectos de este tipo de propuestas. En las seis largas composiciones creadas por Rabbih Abou-Khalil se propone una música un tanto grandilocuente, donde se quiere dar cuenta de la carga emocional que transmite la película y en la que se mezclan los sonidos europeos y del Medio Oriente. Y es que este oudista y compositor sigue ejerciendo la labor de puente entre Occidente y Oriente.

Músicos: Rabbih Abou-Khalil (oud), Michel Godard (tuba, serpentina); Jarrod Cagwin (percusión); German Youth Orchestra (director Frank Strobel)
Discográfica: Enja
Distribuidora: Harmonia Mundi
Año: 2011
Estilo: Jazz moderno

Amélie Nothomb: Viaje de invierno

2011-12-09T10:22:00.005+01:00

La escritora belga Amélie Nothomb no falta a su cita anual con los lectores; y Viaje de invierno es su nueva entrega, que hace la decimoctava de su carrera.

El protagonista de esta narración es un hombre que decide cometer un acto criminal: suicidarse haciendo estallar un avión en pleno vuelo y matando con él a decenas de personas. La razón para cometer este asesinato en masa, que el interesado se preocupa mucho de dejar claro que no es un atentado terrorista, es un desengaño amoroso. Es decir, que estamos ante un hombre perfectamente estúpido (gilipoyas dirán otros) y que demuestra una vez más que Hanna Arendt tenía razón cuando hablaba de la “banalidad del mal”.
En este libro están las señas de identidad que configuran la obra de esta novelista: un trabajo filológico deslumbrante con los nombres, una buena dosis de filosofía a modo de aforismo y una no menor medida de ironía y sarcasmo a la hora de mostrar algunas situaciones en las que viven los protagonistas.
Este “Viaje de invierno” pertenece a la parte narrativa no estrictamente biográfica de la autora, aunque también es preciso señalar que en esta oportunidad se puedan rastrear reminiscencias de la vida de la propia autora en el relato. En todo caso en esta ocasión Nothomb aprovecha la oportunidad para verter algunas de las ideas que tiene sobre la literatura y quienes la hacen, y puede decirse de ellas que, cuando menos, no dejan indiferente.
Aunque es cierto que Amélie Nothomb es ya una de las grandes escritoras europeas, no lo es menos que le falta un punto para ascender a esa categoría de autores indiscutibles; y es que su apuesta por el relato corto (muy pocas de sus novelas sobrepasan las 150 páginas) puede deberse tanto a un decisión propia como a una impuesta; la incapacidad para escribir un relato largo. En cualquier caso, esto al lector, en última instancia le es indiferente porque lo verdaderamente importante es que con los relatos de Nothomb se disfruta de la lectura, y eso, a la postre, es lo único y verdaderamente valioso.
El año que viene más.

Editorial: Anagrama
Páginas: 119
Año: 2011
Traducción: Sergi Pàmies

Los museos españoles en las redes sociales

2011-12-08T17:25:00.003+01:00

El modelo de gestión de los museos y centros de arte españoles está en crisis y tienen un futuro incierto. En los últimos meses, muchos centros de arte programan exposiciones de forma conjunta, o incluso fusionan sus colecciones con la idea de unir esfuerzos y reducir costes. Pero en realidad, la mayoría de museos y centros de arte españoles demuestran tener poco interés por la actividad y la programación que realizan sus colegas y trabajan de espaldas unos a otros. Es una de las conclusiones del estudio Análisis de las conexiones de museos y centros de arte en la redes sociales publicado por el portal cultural Dosdoce, tras analizar cómo utilizaron 50 museos españoles las redes sociales, sobre todo Facebook y Twitter.
Tras comprobar que la presencia en las redes sociales de los museos es una realidad aplastante (en 2007 la presencia era mínima) y que los equipos directivos y responsables de comunicación son cada vez más conscientes de su poder, los responsables del estudio han constatado el poco uso que los museos españoles hacen de las web 2.0. Según los resultados de la investigación, pocos centros explotan adecuadamente los activos de comunicación que representan las redes y la mayoría pecan de “corporativismo” tanto por el tono como por el contenido.
Los museos y centros de arte, cuya actividad representa el 4% del PIB español, actúan como pequeñas islas en el mundo cultural, afirman los responsable del exámen. Según el informe, los museos mantienen poca interacción con sus fans y seguidores online, uno de los fundamentos de la red social, no preguntan cuáles son sus intereses y qué esperan, y en el caso de que los seguidores hagan preguntas u observaciones no reciben respuestas, en la mayoría de los casos. Una de las cosas que más sorprende es ver que los museos no siguen a sus seguidores, se ha apuntado desde la web Dosdoce.
Ente los centros que más amigos tienen en la red, tanto en Facebook como en Twitter, destacan el Reina Sofía, La Casa Encendida y Caixaforum, los tres en Madrid, seguidos del Museo Picasso y el Centro de Cultura Contemporánea, en Barcelona. En Facebook, repiten el Reina Sofía, como el centro con mayor interactividad con sus seguidores, y el Museo Picasso de Málaga como el museo que sigue a más museos, 40 en total; mientras que en Twitter, ocupa la primera posición el Centro de Cultura Contemporánea, CCCB, que además es el que cuenta con más menciones y retweets en la red. En la cola de Facebook se sitúan tres centros barceloneses: el Centre d'Art Santa Mònica, CaixaFòrum de Barcelona y la Fundación Antoni Tapies, que durante el periodo de estudio, mayo de 2011, no generaron ninguna actividad en esta red social. En el caso de Twitter dos de los centros que no generaron actividad fueron la Fundación Joan Miró de Barcelona y el Espacio de Arte contemporáneo de Castellón.
Los responsables del informe han realizado un mapeo situando las conexiones y los flujos de información, el número de post escritos en un día, los eventos creados, la emisión de comentarios, así como los tweets diarios en los centros durante el periodo analizado. Madrid aparece como la ciudad con una mayor actividad en el caso de Facebook, mientras que en la caso de Twitter, hay un equilibrio entre la capital española y Barcelona. Esto se debe, según responsables del informe, al hecho de que se ha comprobado que los centros madrileños utilizan las redes como una herramienta de divulgación, ocio y entretenimiento, mientras que los barceloneses lo hacen como búsqueda de información. En todo caso ni unos ni otros presentan una estrategia y su presencia en las redes se debe al efecto que se ha descrito como 'Escuela Loreal': porque yo lo valgo.

Laurent Binet: HHhH

2011-12-07T10:43:00.007+01:00

De manera directa: HHhH (Seix Barral) del joven autor francés Laurent Binet (París, 1972) es un libro totalmente recomendable, desde el principio hasta el final, de esos que te quitan horas de sueño y que te hacen abandonar otras lecturas para enfrascarte exclusivamente en esta. Ganadora del premio Goncourt de primera novela es, sin duda, uno de los libros del año.

En HHhH se narra uno de los episodios más atrevidos, emocionantes y decisivos de la II Guerra Mundial; el asesinato en Praga el 27 de mayo de 1942, a manos de un comando de paracaidistas checoslovacos entrenados por los servicios secretos británicos y apoyados por la resistencia checa, de uno de los más duros, brutales y despiadados jerarcas nazis: Reinhard Heydrich, apodado La Bestia Rubia, El Verdugo y El Carnicero de Praga, que en aquel momento era el virrey nazi en el protectorado de Bohemia Moravia.
Heydrich representa, como pocos individuos en la historia, el Mal personificado. Para hacerse una somera idea de quién era este individuo baste con señalar que fue la mano derecha de Himmler, jefe de la Oficina Central de Seguridad del III Reich (que incluía desde la Gestapo a la SD –el servicio de inteligencia de las SS), planificador de la Solución Final y creador de los temibles y brutales ‘einsatzkommandos’. Este hombre, hijo de músico, violinista, gran esgrimista (sable) y que fue investigado por la propia Gestapo debido a unos posibles orígenes judíos, destacó por su crueldad incluso entre la pandilla de asesinos y psicópatas de la jerarquía hitleriana.
En HHhH, que es el acrónimo de una frase que circulaba entre los SS: “Himmlers Hirn heisst Heydrich” (“el cerebro de Himmler se llama Heydrich”), Laurent Binet une dos géneros literarios: la novela histórica y la meta-literatura. En cuanto que relato histórico, ajustados a unos hechos ciertos de los que no se desvía un milímetro, en un primera parte da cuenta de los orígenes biográficos y la negra carrera de Reinhard Heydrich; mientras que la segunda revive pormenorizadamente el atentado, denominado Operación Antropoide, llevado a cabo por los comandos checos Jan Kubiš y Jozef Gabčík, que le costó la vida al brutal nazi y la posterior heroica lucha (acabaron suicidándose antes que dejar que los cogieran vivos) de los paracaidistas atrapados en la cripta de la iglesia de los Santos Cirilo y Metodio de Praga.
En tanto que meta-literatura Laurent Binet relata su propia experiencia de escritor enfrentado a personaje y hechos de tal magnitud, así como los vericuetos por los que discurre para dar forma a su narración. Asimismo realiza una serie de reflexiones sobre algunos libros que han tratado tanto el asunto que él trata (Siete hombres al amanecer de Alan Burgess –existe una película dirigida por Lewis Gilbert en 1975 de igual título), como del nazismo en general, lo que le viene al pelo para sacudirle un par de ácidas críticas a Jonathan Littell y su Las benévolas.
Un novela recomendable sin ningún miramiento.

Editorial: Seix Barral
Páginas: 391
Año: 2011
Traducción: Adolfo García Ortega

La revista “Mojo” elige los 50 mejores álbumes del año

2011-12-07T10:27:00.004+01:00

Como el fin de año se acerca, los medios de comunicación especializados en música (en cualquier tipo de música) empiezan a hacer balance de fin de año y empiezan a presentar sus listas de “lo mejor de este año 2011”.
La revista británica Mojo lo acaba de hacer, eligiendo los 50 mejores álbumes del año. El primer puesto lo ocupa PJ Harvey con Let England Shake (al igual que en la lista de Uncut).
Estos son los 50 mejores álbumes de 2011 para los críticos de Mojo:

01 PJ Harvey – Let England Shake
02 The Horrors – Skying
03 Fleet Foxes – Helplessness Blues
04 Jonathan Wilson – Gentle Spirit
05 Kate Bush – 50 Words For Snow
06 White Denim – D
07 Josh T Pearson – Last Of The Country Gentlemen
08 Anna Calvi – Anna Calvi
09 Tom Waits – Bad As Me
10 Wild Beasts – Smother

11 Laura Marling – A Creature I Don’t Know
12 Kurt Vile – Smoke Rings For My Halo
13 Cat’s Eyes – Cat’s Eyes
14 King Creosote & Jon Hopkins – Diamond Mine
15 Paul Simon – So Beautiful Or So What
16 Bon Iver – Bon Iver, Bon Iver
17 Bill Wells & Aidan Moffat – Everything’s Getting Older
18 Thurston Moore – Demolished Thoughts
19 James Blake – James Blake
20 My Morning Jacket – Circuital
21 The War On Drugs – Slave Ambient
22 Beirut – The Rip Tide
24 EMA – Past Life Martyred Saints
25 The Stepkids – The Stepkids
26 Drive-By Truckers – Go-Go Boots
27 Arbouretum – The Gathering
28 Lykke Li – Wounded Rhymes
29 Wilco – The Whole Love
30 Girls – Father, Son, Holy Ghost
31 Nick Lowe – That Old Magic
23 Bill Callahan – Apocalypse
32 Björk – Biophilia
33 Glenn Jones – The Wanting
34 Gillian Welch – The Harrow & The Harvest
35 Tinariwen – Tassili
36 Shabazz Palaces – Black Up
37 Duane Eddy – Road Trip
38 The Sand Bag – All Through The Night
39 Arctic Monkeys – Suck It And See
40 Charles Bradley – No Time For Dreaming
41 Destroyer – Kaputt
42 Booker T. Jones – The Road From Memphis
43 Gwilym Simcock – Good Days At Scholss Elmau
44 Glen Campbell – Ghost On The Canvas
45 tUnE-yArDs – w h o k i l l
46 Noel Gallagher’s High Flying Birds – Noel Gallagher’s High Flying Birds
47 Radiohead: The King Of Limbs
48 Wire – Red Barked Tree
49 Frank Ocean – Nostalgia, Ultra
50 Joe Henry – Revere

Miles Davis: The complete recordings 1945-1960

2011-12-06T22:58:00.001+01:00

La figura de Miles Dewey Davis III, conocido por todo el mundo, sea este o no aficionado al jazz, como Miles Davis recorre (casi)toda la historia del jazz del siglo XX. Su figura es, junto con las de Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y John Coltrane, una de las más relevantes e influyentes de la historia de esa música que él ayudo a (re)definir en una carrera con casi cincuenta años de trayectoria.

El secreto de la longevidad y, lo que es más importante e impresionante, actualidad de Miles Davis radica en su permanente reinvención, en no quedarse nunca donde ya había estado. Y esto está al alcance de muy pocos artistas. Davis fue un trompetista que se inicio en el bop, para ser luego uno de los iniciadores del estilo cool, estar en el meollo de los iniciadores del jazz modal, crear de un free bop único y personal en los setenta y ser el creador del jazz fusión.
Coincidiendo con el vigésimo aniversario del fallecimiento de Miles Davis, ocurrido el 28 de septiembre de 1991 (¡como pasa el tiempo!) en Santa Mónica, California (EE.UU), a los 65 años de edad el sello Membran (con distribución en España de Karonte) ha lanzado “The Complete Recordings 1945-1960”, una caja de 33 cd’s que reúne las primeras grabaciones de Miles Davis. La caja se completa con un cd-rom en el que aparece toda la información sobre las grabaciones (lugares y fechas de grabación, músicos, productores, etc.).

Los 33 discos se han distribuido en tres grandes grupos: el primero lleva por nombre “Early years”, el segundo grupo se llama “The Charlie Parker Years” y por último están “Original Albums”. Entre estos ñultimkos de encuentran discos que todos los aficionados al jazz, e incluso a la musica en general, tienen (o al menos debieran tener) en sus discotecas; “Milestones”; “Round Midnight”, “Kind of Blue”, “Sketches from Spain” y “Miles Ahead”. Ya sólo por estos discos esta caja ya merecería la pena por si sola.
Mencionar a los músicos que aparecen en estas grabaciones sería como mencionar el ‘gotha’ del jazz; están desde Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Sonny Stitt a John Coltrane, Gerry Mulligan, Bill Evans, Stan Getz, Milt Jackson y Gil Evans; y esto por sólo citar a algunos de los más destacados.
El único defecto de esta, por otro lado inestimable caja, es que las grabaciones no están en orden cronológico, lo que impide apreciar con claridad la evolución del sonido de Miles Davis desde sus inicios hasta la consolidación de su sonido.
En el ‘sound Miles’ hay dos elementos técnicos que destacan sobremanera; el uso de la boquilla Heim, un recomendación de Clark Terry, uno de sus primeros mentores; y el sordina de acero Hamon, que davis llevó a su máximo grado de expresividad, convirtiéndose en un dispositivo esencial en la trayectoria sonora del trompetista. El uso de estos dos componentes proporcionó a Davis un toque más personal e íntimo; el sonido aparecía suave y melódico, creado a base de notas cortas, con una marcada tendencia al lirismo y a la introspección.

La caja comienza con la primera grabación de Miles Davis, “That’s The Stuff You Gotta Watch” para el sello Savoy, donde acompañaba al hoy olvidado cantante y bailarín Rubberlegs Williams, un artista que alcanzó su cenit a mediados de los años treinta y principios de los cuarenta, y donde el trompetista aparece, con una mínima presencia, como parte de su grupo de acompañamiento; la Herbie Fields’ Band, liderada por el saxofonista y clarinetista Herbie Fields.
Es desde el cedé número cuatro y hasta el diez donde aparecen las grabaciones realizadas con Charlie Parker. Aquí están los registros desde noviembre de 1945 hasta septiembre de 1948, y en ellos se encuentran las históricas grabaciones realizadas para la discográfica Savoy.
En la incompresible falta de orden cronológico se produce un salto hacia adelante con cuatro disco, dos por cabeza, que llevan por nombre “Birdland days” y “Blue Note Recordings”, y donde aparecen las grabaciones realizadas con su sexteto en los primeros años cincuenta, entre 1950 y 1954.
No es hasta el disco 15 cuando todo retorna a una lógica temporal; pues este álbum corresponde a “Birth of the Cool”. Grabado entre 1949-1950 en compañía de Gil Evans y que su lanzamiento bien puede calificarse de acontecimiento histórico. A partir de aquí, y hasta el número 31 de la serie, aparecen los álbumes originales; como los citados un poco más arriba.
La caja finaliza recuperando una grabación del año 1949, cuando Miles Davis viajó por primera vez a Francia y donde grabó con el quinteto del pianista Tadd Dameron; y el último cedé de la colección es la grabación de la ópera de los hermanos Gershwin “Porgy and Bess”, grabado para el sello Columbia en el año 1958. Como coda final, el disco 34 es un bonus cd de la Michael Legrand Orchestra en la que Miles davis participa en tres temas.
Como la cantidad de información es tan amplia, el cofre viene con una cd-room donde se ofrecen todos los datos que se desean; músicos participantes así como fechas y lugares de grabación. Si además hubiesen puesto las portadas originales (sólo lo hacen con el disco de Legrand) ya hubiese sido la bomba.
Una caja que todo aficionado al jazz, ya sea veterano o neófito, debe hacerse con ella, y en las próximas fechas navideñas es un posible regalo que hará mucha ilusión.

Músicos: Miles Davis, Charlie Parker, John Coltrane, Bill Evans, Dizzy Gillespie, Stan Getz, Milt Jackson....
Discográfica: Membran
Distribuidora: Karonte
Año: 2011
Estilo: Jazz

Sonny Rollins recibe el Premio Kennedy

2011-12-06T13:16:00.010+01:00

El pasado cuatro de diciembre, el Centro de Artes Escénicas J.F.Kennedy entregó sus premios anuales, en los que se honra a cinco estadounidenses cuyo “Arte Colectivo” ha contribuido de manera significativa a la vida cultural de los Estados Unidos y al mundo. Los destinatarios de la trigésimo cuarta celebración fueron la actriz Meryl Streep, la cantante Barbara Cook, el cantante y compositor Neil Diamond, el chelista Yo-Yo Ma y el saxofonista Sonny Rollins.

Sonny Rollins es el octavo músico, después de Ella Fitzgerald (1979), Count Basie (1891), Benny Goodman (1982), Lena Horne (1984), Dizzy Gillespie (1990), Lionel Hampton (1992) y Dave Brubeck (2009) en recibir este galardón desde su creación en 1978.
El Premio Kennedy (Kennedy Center Honors) es el más alto honor otorgado desde 1978 por el gobierno de Estados Unidos a cinco artistas escénicos de diferentes disciplinas por año por su contribución a las artes escénicas en la cultura americana.
Cada homenajeado era presentado por un famoso, en un formato en el que tras un discurso inicial de diez minutos en el que presentaba sus respetos, mostraba un vídeo del artista narrado por el mismo orador. Rollins fue presentado por Bill Cosby, el cual comentó su pasión por la música del saxofonista, llegando a viajar por numerosas ciudades para escucharlo.
Sonny Rollins parecía estar radiante tras toda la atmósfera de admiración que le rodeó en el evento diciendo después lo mucho que significó para él y para la música, este premio: “Creo que es algo maravilloso para nuestro país, otros músicos de jazz han ganado este premio, pero nunca es suficiente, porque el jazz es extremadamente importante en los Estados Unidos en estos tiempos y necesita mostrar su belleza a través de este arte”.

El escultor Martin Boyce obtiene Premio Turner en una edición de transición

2011-12-06T09:07:00.003+01:00

El escocés Martin Boyce y sus instalaciones inspiradas en ideales y formas modernistas obtuvieron el premio Turner en una edición exenta de la controversia que suele definir a uno de los eventos más prestigiosos del arte contemporáneo. La velada anual de entrega del galardón por primera vez, en sus 27 años de historia, no se celebró en una de las sedes de los museos Tate, sino en el Baltic Centre de la localidad de Gateshead.

Profesor de la Escuela de Arte de Glasgow, Boyce (Hamilton, 1967) ha convertido una de las salas de esta galería del nordeste de Inglaterra en esa arboleda que escenifican las "hojas" de metal blanco colgadas de las luces del techo, y toman a las columnas de la habitación como troncos imaginarios. Ese espectacular despliegue enmarca a la protagonista central de la instalación, la variación escultórica elaborada a partir de una mesa de trabajo de diseño modernista.
En nombre del jurado, el fotógrafo Mario Testino, que ejerció de anfitrión, quiso subrayar la calidad pareja de los cuatro finalistas, todos ellos menores de 50 años y que han protagonizado una exposición destacada este año. Porque, irónicamente, el título de uno de los cuadros que firma el nominado George Shaw, The Same Old Crap (algo así como La misma mierda de siempre), podría parafrasear a un sector de la crítica que a lo largo de los últimos años ha denunciado la supuesta predilección del Turner por el impacto publicitario, y en detrimento de la verdadera calidad. Aunque pretende representar a todo el universo de las artes plásticas, la convocatoria viene siendo asociada con las propuestas más impactantes del arte conceptual, y en especial con uno de sus ganadores más controvertidos y famosos, el artista británico Damien Hirst.
El Turner ha querido en esa ocasión mostrar la "variedad y vitalidad" de la escena contemporánea británica. Un artista de instalaciones, un pintor, una escultora y una videoartista optaban al premio dotado con 25.000 libras (algo más de 29.000 euros) y una proyección impagable de su nombre. La respuesta del público al despliegue de las obras de Boyce, Shaw, Karla Black y Hilary Lloyd se ha traducido en más de 100.000 visitantes desde octubre, a pesar de su emplazamiento lejos de Londres.
Si nadie contestó el nombre de Boyce como depositario del premio, sus contrincantes también merecieron la aprobación general de los críticos. Especialmente en el caso de Shaw, profesor de arte en el Royal College of Art de Londres, que inspira su trabajo en el paisaje de los suburbios de su Coventry natal. Recurriendo a un material difícil para la pintura sobre lienzo: el esmalte que suele utilizarse para decorar las maquetas de aeroplanos, el artista se enfrenta a las imágenes de su infancia con desoladores bloques de protección oficial, ventanas rotas, árboles carbonizados y la notoria ausencia de personas.
Karla Black utiliza pintura en polvo de tonos pastel, productos de baño y otros materiales tan poco ortodoxos para crear unas esculturas "cromáticas y táctiles", que incluso huelen. Maestra de arte y filosofía también en Glasgow, confronta la escultura, "que es real, está presente y es física", a la pintura "creada para llevarnos a otro lugar".
La segunda mujer nominada al Turner es la videoartista Hilary Lloyd, gracias a unos trabajos que exploran los vínculos entre imagen, sonido y formas escultóricas. La obra de esta escocesa busca reflexionar sobre los espacios urbanos y los lugares cotidianos en instalaciones pensadas para interactuar con el público, y utiliza los equipos tecnológicos como un medio escultórico.
Todos ellos han protagonizado una edición que acaba de inaugurar la "descentralización" o condición itinerante del premio por sucesivas ciudades del Reino Unido.

Recuperando su verdadera originalidad

2011-12-03T08:36:00.011+01:00

Las dos emblemáticas pinturas de los retratos ecuestres de Felipe III y Margarita de Austria de Velázquez se muestran ya en la gran sala basilical del Museo (sala de Las Meninas) con sus calidades pictóricas recuperadas y sin los añadidos creados en el siglo XVIII, que distorsionaban su composición y afectaban negativamente a la comprensión de la serie de la que forman parte junto a los otros tres célebres retratos ecuestres del artista, expuestos en este mismo espacio. Además, la escultura Ariadna dormida (siglo II d. C.), variante romana de una escultura griega del siglo II a. C., vuelve a exponerse también tras su restauración y la remodelación de la singular sala en la que se exhibe habitualmente, conocida como “Rotonda de Ariadna”

El Museo del Prado presentó ayer algunas de las restauraciones más importantes que se han llevado a cabo durante este año. Las tres intervenciones que se dieron a conocer se relacionan además con el proyecto de reordenación de colecciones denominado “La colección: La otra ampliación”, entre cuyos objetivos se incluyen los de dotar a las obras expuestas de los recursos museográficos necesarios para garantizar su óptima presentación, además de analizar y revisar el estado de conservación de las obras y proceder a las restauraciones oportunas.
En este marco del proceso de reordenación y mejora de la calidad expositiva de las colecciones del Museo y más concretamente de la colección de Velázquez, cuya reubicación concluyó el año pasado a falta de incluir estas dos obras, se ha procedido a la restauración de Felipe III, a caballo y Margarita de Austria, a caballo. Los dos monumentales retratos ecuestres fueron realizados por el artista, con ayuda de colaboradores, con destino al Salón de Reinos del palacio del Buen Retiro como parte de la serie en la que también se incluyen los igualmente célebres retratos ecuestres de Felipe IV, Isabel de Borbón; y el príncipe Baltasar Carlos.
La intervención sobre las dos pinturas, realizada por Rocío Dávila, ha permitido recuperar los valores originales de ambas afectados muy negativamente por la acumulación de suciedad y la alteración del barniz que habían variado las relaciones cromáticas de cada pintura, amortiguando los contrastes y creando un “velo” que creaba un efecto compositivo pernicioso reduciendo los planos espaciales. En el caso de Felipe III, a caballo, anulaba la potencia lumínica del cielo sobre el que se proyectan jinete y caballo.
Además, en las décadas centrales del siglo XVIII se habían añadido a ambos cuadros anchas bandas laterales a izquierda y derecha para adecuar sus tamaños a los de las otras obras de la misma serie, con vistas a su instalación en una sala del recién construido Palacio Real de Madrid. La incorporación de esas bandas afectó mucho la lectura formal de los cuadros, especialmente en el caso de Felipe III, a caballo. Velázquez había optado por una composición en escorzo, que se subrayaba debido al formato marcadamente vertical del cuadro, y que daba como resultado una imagen llena de vigor y dinamismo, a los que contribuía también el luminoso cielo. Con ello, quiso plantear una solución distinta de la que usó para Felipe IV, a caballo. Las bandas laterales añadidas alteraron la idea del artista al otorgar a la obra un formato menos vertical que atenuaba el efecto de escorzo haciendo que la composición perdiera su fuerza y dinamismo originales. En el caso de Margarita de Austria, a caballo, los añadidos también tenían consecuencias para la lectura del cuadro, aunque no tan acusadas. Por una parte, restaban protagonismo al prodigioso caballo; y, por otra, alteraban el paisaje, pues lo que en el original son montañas en la lejanía, con los añadidos se convirtieron en colinas de las que nacían vaguadas.
El hecho de que los añadidos del siglo XVIII fueran pintados sobre una imprimación distinta a la de los cuadros originales ha provocado que el comportamiento de los colores en ambas zonas haya sido distinto a lo largo de estos dos siglos y medio. Por lo tanto, la restauración de ambos cuadros no sólo ha implicado su limpieza, sino también la restitución, en la medida de lo posible, de sus condiciones originales de percepción. Para ello se ha optado por despegar estos añadidos ya que era la intervención menos lesiva a corto, medio y largo plazo, dado que el sistema de unión de las bandas con el cuadro original permitía una intervención muy limpia.
Felipe III, a caballo y Margarita de Austria, a caballo se exhiben ahora en la sala 12 con sus espléndidos valores propios, perdidos parcialmente durante dos siglos y medio por lo anteriormente expuesto. Si hasta ahora no era fácil entender el valor de estas obras dentro del conjunto (más allá del puramente iconográfico), ahora se hace meridianamente claro; y la comparación, por ejemplo, entre los retratos ecuestres de Felipe IV y de su padre muestra ya las dos diferentes formas empleadas por Velázquez para representar la majestad de uno y otro monarca: el sosiego de Felipe IV, representado mediante la impasibilidad de su gesto y el perfil de la composición, frente al dinamismo de Felipe III, que se transmite mediante el escorzo de su caballo y el luminoso cielo ante el que se proyecta. Por todas estas razones, el resultado de esta intervención trasciende a los dos cuadros implicados ampliando sus positivas consecuencias a la comprensión de todo el conjunto.

Ariadna dormida
Expuesta en la emblemática sala circular (74) del Museo conocida como ‘Rotonda de Ariadna”, en la que se ha realizado una renovación arquitectónica, la Ariadna dormida fue creada en la época del emperador Marco Aurelio como variante de una escultura griega del siglo II a. C. Ariadna aparece tumbada, dormida en la playa de Naxos, donde Teseo le acaba de abandonar tras la aventura del minotauro. Allí la descubrió Dionisio enamorándose de ella y haciéndola su esposa. La riqueza de los pliegues cruzados y la plasticidad grandiosa son rasgos típicos del último período de la escuela de Pérgamo, situando el modelo griego hacia 150 a.C.Procedente de la colección romana de Cristina de Suecia (1626-1689), la estatua incompleta fue restaurada h. 1670 por alumnos de Gianlorenzo Bernini, primer escultor de su época. Se añadieron gran parte de los dos brazos, nariz, barbilla, un pie y otros fragmentos. Por esa razón, la escultura es también un documento histórico que ilustra el gusto y los criterios de restauración en la época del Barroco temprano, cuando la reconstrucción completa de las fragmentadas estatuas antiguas era la norma. Las uniones de los fragmentos originales o añadidos que forman la escultura de Ariadna se habían visto deterioradas creando visualmente líneas oscuras cuya presencia impedía la lectura de la obra de forma unitaria. Para conseguir la total integración visual de las juntas y poder percibir la Ariadna como un todo, como una unidad formal, en lugar de una suma de fragmentos, se ha realizado una reintegración cromática con acuarela empleando el puntillismo como técnica diferenciadora limitándose exclusivamente a las lagunas, siguiendo los criterios de reversibilidad. La intervención, realizada por Sonia Tortajada (con la colaboración de María José Salas Garrido), además de la reintegración, ha supuesto la limpieza de toda la superficie para eliminar los depósitos de partículas sólidas y recubrimientos y la colocación, como medida de conservación preventiva, de un palet de acero inoxidable que sirve de soporte para su manipulación y montaje.

El paisaje nórdico del Prado viaja a Galicia

2011-12-02T09:33:00.007+01:00

Rubens, Brueghel, Lorena. El paisaje nórdico en el Prado es el título de la exposición que inauguró ayer la Sala de Exposiciones de la Fundación Novacaixagalicia-Claudio San Martín en Santiago de Compostela y que plantea una aproximación a las diferentes tipologías del paisaje que surgieron a lo largo del siglo XVII en Flandes y Holanda.

El público gallego podrá disfrutar hasta el 26 febrero de 2012 de esta muestra compuesta íntegramente por fondos del Prado, un recorrido por el evocador mundo del paisaje nórdico apreciando la maestría con la que los pintores representaron con fidelidad montañas, bosques, campiñas, ríos, mares, parajes cubiertos de nieve o canales helados, inmersos en una luz naturalista.
Durante la Edad Moderna, los italianos llamaron "nórdicos" a los pintores de las tierras que estaban más allá de los Alpes y fundamentalmente a los de los Países Bajos. Allí, el contexto social y cultural hizo que, a lo largo del siglo XVII, pintores y coleccionistas se apartaran en gran medida de los temas heroicos propios de la pintura de historia en favor de asuntos cotidianos, pero igualmente aptos para la pintura. Entre ellos estaba el paisaje, que pasó a convertirse en un género pictórico independiente en el que el asunto representado se relega a un segundo plano y se convierte en pretexto para representar con fidelidad los elementos de la naturaleza.
La exposición está compuesta por más 50 obras y entre los pintores que la integran figuran los más destacados maestros del género, con obras tan representativas como Paisaje alpino de Tobias Verhaecht, uno de los maestros de Rubens; La vida campesina, La Abundancia y los cuatro elementos y Boda campestre, de Jan Brueghel el Viejo, además de La visión de san Huberto, que pintó en colaboración con Rubens, o Mercado y lavadero en Flandes, en colaboración con Joos de Momper el Joven; Paisaje con gitanos y Tiro con arco de David Teniers o los dramáticos Asedio de Aire-sur-a-Lys de Peeter Snayers y Bosque de Simon de Vlieger.
Las dos tipologías más características del paisaje nórdico –el paisaje de invierno y el paisaje de agua– están representadas con obras tan delicadas como El puerto de Ámsterdam en invierno de Hendrick Jacobsz; Dubbels o Paisaje con patinadores de Joos de Momper el Joven; y por pinturas como Playa con pescadores de Adam Willaerts y Embarcando en una playa de Bonaventura Peeters, que unen el paisaje con la escena de género. Un puerto de mar y Paisaje con desembarco de holandeses en tierras de Brasil de Jan Peeters aluden a las lejanas tierras a las que las rutas comerciales llevaron a los holandeses. Y, por último, está Rubens, el gran maestro flamenco, cuyos paisajes constituyen la parte más personal de su producción. De ellos se expone el soberbio Atalanta y Meleagro cazando el jabalí de Caledonia, una de las obras cumbres del paisaje nórdico.
La exposición concluye con algunos de los paisajes encargados por el monarca español Felipe IV para decorar el palacio del Buen Retiro de Madrid a Claudio de Lorena, Jan Both y Herman van Swanevelt, los jóvenes pintores nórdicos que iniciaron en Roma el llamado "paisaje italianizante" que en Holanda contó con numerosos seguidores. El más destacado fue Philips Wouwerman, que se especializo en la representación de cacerías como Parada en la venta y Partida de caza y pescadores que adelantan ya el gusto rococó.

Qué: Rubens, Brueghel, Lorena. El paisaje nórdico en el Prado
Cuándo: Del 1 de diciembre de 2011 al 26 de febrero de 2012
Donde: Fundación Novacaixagalicia-Claudio San Martín. Santiago de Compostela

La Fundación Amigos del Prado dona al Museo una obra de Antonio Joli

2011-11-11T11:46:00.007+01:00

El Museo del Prado ha presentado la obra Visita de la reina María Amalia de Sajonia al Arco de Trajano en Benevento, un óleo sobre lienzo de 77,5 x 131 centímetros, perteneciente a la primera producción napolitana de Antonio Joli (1700-1777), pintor modenés de escenografías de teatro y de vedute, una donación de la Fundación Amigos del Museo del Prado en su 30 aniversario a la pinacoteca. Este paisaje se encuentra en perfecto estado de conservación y se añade a otros dos trabajos del mismo artista que ya eran propiedad del museo.

Además, este paisaje arquitectónico se exhibe desde hoy por primera vez en el museo
y para valorar la importancia de la obra y contextualizarla, el Prado le dedica una pequeña exposición en una sala situada junto a la galería central, en la que se puede ver junto a paisajes y vistas firmados por sus predecesores en el género (Panini, Vanvitelli), además de un conjunto de aguafuertes de Piranesi y un retrato de María Amalia de Sajonia realizado por Giuseppe Benito. La muestra podrá visitarse hasta el 26 de febrero de 2012.
Antonio Joli, en la obra aquí presentada, hizo resaltar la realidad objetiva cada vez más buscada en este tipo de paisajes en la segunda mitad de ese siglo, lo que no le impidió el empleo de los sugestivos recursos del paisajismo, como los bellos efectos de la luz del sol, ni aprovechar las libertades compositivas que ofrece el capricho arquitectónico. A través de estos recursos, Joli ennobleció la ciencia de la arqueología y pudo involucrar su elogio de la protección regia a las artes y su conservación.

La National Gallery de Londres abre al público la gran exposición de Leonardo

2011-11-10T10:44:00.005+01:00

Pocas exposiciones vienen precedidas de una expectación semejante como la que se presenta en la National Gallery de Londres: Leonardo da Vinci: pintor en la corte de Milán.

Todo son récords en la exposición: el máximo de pinturas nunca reunidas (hay sesenta obras entre dibujos y cuadros) de un artista del que se conservan poco más de veinte; se exponen por primera vez frente a frente sus dos versiones de La virgen de las Rocas (la prestada por el Louvre) y la recién restaurada por la National Gallery. Es la primera vez que parte de la rica colección de dibujos propiedad de la colección Real británica, 33 bocetos relacionados con las obras expuestas, se muestran al público. Y se asegura que es también la primera vez que se aborda la obra artística de Leonardo de una manera tan ambiciosa.
Por si fuera poco, la exposición certifica la autoría de Da Vinci, de una de sus obras hasta ahora más controvertida: El salvator mundi; lo mismo que La bella principessa.
Los préstamos de los principales museos del mundo han sido decisivos para poder hacer esta exposición que no se podrá ver después en ningún otro lugar. España, cuyos museos y colecciones carecen de 'Leonardos', contribuye con uno de los grandes tesoros del Museo Lázaro Galdiano de Madrid: El salvador adolescente, una tabla de 25 centímetros de alto por 18,5 de ancho.
Leonardo Da Vinci (Anchiano, Italia, 1452-Castillo de Clos-Lucé, 1519) fue el más puro intérprete de la esencia del Renacimiento, alcanzó (o rozó) la perfección en una obra escasa basada en la observación a la que dotó de perspectiva y envolvió en juegos de sombras.
La exposición que se podrá ver hasta el 5 de febrero de 2012 se centra en el periodo del mayor apogeo de su genio renacentista, las décadas de 1480 y 1490, tiempo que estuvo a las órdenes del gobernador de la ciudad, Ludovico Maria Sforza, el Moro. Es en esta etapa cuando pinta obras como Retrato de un músico, San Jerónimo, La dama del armiño, La bella herrera, las dos versiones de La Virgen de las rocas... o el mural de La última cena que concibió en el refertorio de Santa María de Milán, cuyos dibujos y bocetos preparatorios, propiedad de la familia real británica, se muestran al público por vez primera en una planta especial dentro de la exposición.

(Imagen; Leonardo da Vinci; La Virgen de las Rocas)

Una gran exposición de René Magritte en el museo Albertina de Viena

2011-11-10T10:30:00.006+01:00

El principio del placer en la obra del artista René Magritte, uno de los más valorados del siglo XX y el de más éxito de los surrealistas belgas, es el eje sobre el que se exhiben más de 200 pinturas y obras en papel, completados con documentos, carteles, fotografías y videos, traídos de toda Europa, EE UU y Japón, algunos de ellos, raramente mostrados.

La exposición, que abarca todas sus épocas creativas y sus piezas maestras en el museo vienés Albertina desde hoy y hasta el próximo 22 de febrero, lleva por título René Magritte (1898-1967). Sus obras, que en parte muestran el mundo del absurdo, cuelgan en museos de todo el planeta y son tan apreciadas que la pintura Las vacaciones de Hegel se subastó recientemente por 7,42 millones de euros.
Magritte reafirma en el Albertina que su potente arte ha logrado pasar a la historia y sigue atrayendo como un imán y hechizando al público, extremos que se deben, según expertos, a que contribuyó decisivamente a dar al surrealismo una concepción en la que juega con imágenes ambiguas y en las que pone en entredicho el vínculo entre el objeto representado y el real, cuestionando así si realmente podemos creer lo que vemos y si la percepción tiene algo que ver, y cuánto, con la comprensión de la realidad.
La puesta en escena de la exposición consigue tensión dramática y lleva a recordar que Magritte era un artista que devoraba libros de suspense y era conocedor, por tanto, de cómo generar desasosiego en el observador, dosificando la información.
La exposición se dedica a abordar aspectos de la vida del autor y su forma de comunicar artísticamente sus mensajes y la realidad circundante, aspectos que hasta ahora apenas se habían analizado. Para ello recurre a los mismos modelos y objetos, al erotismo y al encubrimiento-descubrimiento, a los puntos de rotura visuales y al erotismo. Sus tempranos trabajos publicitarios y en carteles, aspectos artísticos que nunca abandonó, y la inspiración que obtuvo de la cultura pop, son temas que se han abordado pocas veces en las exposiciones dedicadas a Magritte. Apoyan la exposición también cortos cinematográficos realizados de forma caprichosa, pinturas de familiares y amigos, con las que con frecuencia hizo collages, sin separarse de su típico elemento del absurdo.

(Imaagen: Rene Magrittre; Durmiente imprudente)